Sem título, 2000
(…) Podemos dizer que Paulo Pasta é um artista plenamente contemporâneo. No início de sua pintura houve uma evocação de formas arquetípicas como a coluna, o arco, mas nesse gesto sempre existiu um compromisso com o presente. O artista recusa a luz evidente e atual que pode nos cegar para reencontrar as sombras de hoje, como se ali no passado estivesse escondida a chave dos tempos imemoriais, as trevas do presente. Há em sua obra um alargamento da noção de história. Ela recorre ao passado para retirar dele o que faz sentido hoje e ao fazer isso reabre uma possibilidade de futuro, de porvir, o que beneficia a própria pintura.
Existe nos trabalhos recentes de Paulo Pasta a infiltração de uma noção singular de tempo, que incide neles a partir da sutil variação de luzes e sombras. As cores e os tons que sua pintura emite carregam uma série de velaturas e sutilezas. Cada uma parece só existir tendo em vista uma luminosidade precisa. Facilmente as cores se disfarçam uma em relação às outras, como nas telas Quase nunca (2010) e A noite (2012). Nelas, as faixas que estruturam a pintura são quase escamoteadas, como se um tom sempre quisesse ser o mais próximo possível do tom vizinho, tanto quanto não deixa de contrastar com ele. É justamente essa proximidade que provoca certa dissonância, uma espécie de dispersão, mas ao mesmo tempo é ela que dá unidade à tela e também o que permite a diferenciação entre as cores.
Nessas pinturas percebemos o escuro não como ausência de luz, nem o claro como luz plena, mas sim que cada tom luminoso apenas se sustenta em relação a outro. A potência das cores, a intensidade e a saturação que surgem da relação entre os tons em um mesmo trabalho não são derivadas de um valor absoluto, de uma escala quantitativa, mas do vínculo de oposição e continuidade que cada cor estabelece com a outra. Paulo Pasta pinta essencialmente espaços, lugares não identificáveis plenamente, mas que estão sempre em ação, transformando-se de acordo com a variação cromática.
Cauê Alves Desde o início, o artista firmou um compromisso: pintar sua experiência.Contudo, para ele, a experiência é integral: do mundo e da arte, pois uma não se dá sem a outra. Assim como as obras da série Canaviais derivam tanto de sua vivência em Ariranha, região no interior do Estado de São Paulo onde nasceu e passou a primeira parte da vida, quanto de sua leitura do impressionismo, as paisagens seguintes trazem consigo as experiências de sua mudança para a capital paulista e da pintura metafísica italiana. Em outras obras do início, o foco foi reduzido, a natureza-morta ganhou espaço, mas persistiu a exigência de nutrir o trabalho com a experiência no viver e na arte. (…)
De início, o elemento morfológico derivava das coisas no mundo. Nas pinturas da segunda metade da década de 1980, os signos arquitetônicos que emergem da massa pictórica – arcos semicirculares ou ogivais, colunas, frontões – têm variadas ressonâncias. Falam do interesse do artista, que cogitou se graduar em arquitetura. Falam do ambiente urbano em que vivia, sendo encontráveis em São Paulo, como em muitas cidades mundo afora. Falam da conjuntura cultural em que essas obras foram feitas, pois proliferaram no pós-modernismo então em voga. E, no caso das ogivas, falam particularmente da pintura de Alfredo Volpi, uma referência central e constante em seu trabalho. Assim, mais do que remeter a momento e lugar específicos no passado, esses elementos arquitetônicos têm uma historicidade ao mesmo tempo densa e difusa, pessoal e coletiva.
As pinturas seguintes, cujos signos são, a princípio, indiscerníveis, também derivam da arquitetura, mais especificamente de seu espaço de trabalho, dos fragmentos cerâmicos usados na pavimentação de seu ateliê. A arquitetura permaneceu como referência nas telas que vieram depois, em colunas que, assim como os demais signos, estão distantes tanto de preciosismos no registro memorialístico quanto de invenções morfológicas. Quando da arquitetura passou às coisas, de colunas a piões, persistiu o interesse por objetos comuns, coisas do dia a dia, não exclusivamente contemporâneas, nem atemporais, provenientes de um tempo indefinido, não passível de ser datado. (…)
Em seguida, como indício de maior refletividade, os elementos morfológicos passaram a resultar do próprio trabalho. Ao longo do processo pictórico, signos engendraram signos, sem deixar de estabelecer vínculos com o real. (…)
Processo ao qual deram prosseguimento as ditas vigas e cruzes, que podem ser signos onipresentes da paisagem urbana e rural, seja na sustentação de construções em concreto armado, seja na difusão da religiosidade católica, respectivamente, mas também podem ser planos de cor organicamente vinculadas à estrutura objetal na qual aparecem. Entretanto, se nunca se deixam reduzir à condição de faixas coloridas, também não são recalcáveis como símbolos. (…)
Roberto Conduru Paulo Pasta cresceu numa pequena cidade do interior do Estado de São Paulo, Ariranha, em que plantações de cana já conviviam com usinas de açúcar e álcool. Vem para a capital com 18 anos, uma idade em que a personalidade de um indivíduo já está consideravelmente consolidada. Sua arte não tem, nem de leve, um caráter nostálgico ou passadista. Há nela, porém, uma dimensão memorialística forte e nada retórica. Na metade da década de 1980, Paulo realizou algumas telas figurativas que evocavam paisagens da sua vida no interior. Pouco depois sua pintura mostra o interesse pela investigação do passado por meio de raspagens. A camada mais externa de tinta, ao ser arranhada, faz surgir, nas camadas inferiores, vestígios de figuras algo arcaicas. Frontões, ogivas e colunas surgem timidamente em meio aos arranhões, numa interrogação de ordem meio arqueológica. Penso que até esse momento de seu trabalho ainda seja possível identificar uma relativa utopia do passado e das eventuais virtudes da infância.
Progressivamente, a pintura de Paulo irá incorporar na sua própria fatura a discussão da passagem do tempo e dos possíveis vínculos de sua arte com os homens e a história. A natureza mesma de suas cores tão meditativas e cismadas aponta para um tempo que parece ter sua atualidade sempre um pouco adiada. Elas são simultaneamente uma afirmação mais ou menos intensa e sua suspensão. É provável que seja esse movimento que Lorenzo denomina “dialética interna da cor”. Apenas lentamente suas cores vão se organizando em figuras mais estáveis, a trama geométrica das telas. O homem que cresceu e se formou num meio totalmente diferente do das grandes cidades não usa esses tons discretos para lamentar um destino ingrato. Apenas não pode aderir de imediato a uma realidade que, embora postule, não encontra em seu horizonte.
Rodrigo Naves, em “Paulo Pasta: Aventuras da Experiência”
BIOGRAFIA
Doutor em artes visuais pela Universidade de São Paulo. Recebeu a Bolsa Emile Eddé de Artes Plásticas do Museu de Arte Contemporânea da USP (São Paulo, SP), em 1988. Dentre as exposições recentes de que participou, destaque para individuais na Embaixada do Brasil na Itália (Roma), 2016; na Galeria Millan e Anexo Millan (São Paulo), 2015; no SESC Belenzinho (São Paulo), 2014; na Fundação Iberê Camargo (Porto Alegre, RS), 2013; no Centro Universitário Maria Antonia (São Paulo), 2011; e no Centro Cultural Banco do Brasil (Rio de Janeiro, RJ), 2008; para o Panorama dos Panoramas, no Museu de Arte Moderna (São Paulo), 2008; e para individual na Pinacoteca do Estado de São Paulo (São Paulo), 2006; além de edições das Bienais de São Paulo, Mercosul e Cuenca. Como professor, lecionou pintura na Faculdade Santa Marcelina, entre 1987 e 1999; desenho na Universidade Presbiteriana Mackenzie, entre 1995 e 2002; e pintura na USP, em 2011 e 2012. Lecionou na Fundação Armando Álvares Penteado de 1998 a 2012. Possui obras em diversas coleções, dentre as quais: Pinacoteca do Estado de São Paulo, Museu de Arte Moderna de São Paulo, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, Museu de Belas Artes do Rio de Janeiro, Colección Patricia Phelps de Cisneros e Kunsthalle Berlin.
Ganhou, entre outros, o Prêmio Viagem - Salão Nacional de Artes Plásticas do Rio de Janeiro (Rio de Janeiro, RJ), em 1989, e o Grande Prêmio do Panorama do MAM (São Paulo, SP), em 1997.
PAULO PASTA
1959, Ariranha, SP, Brasil
Sem título, 1985
Guache sobre papel 80 x 100 cm
Sem título, 1986
Sem título, 1986
Sem título, 1989
Óleo e cera sobre tela 190 x 220 cm
Sem título, 1988
Óleo sobre tela 130 x 170 cm
Sem título, 1987
Sem título, 1985
Guache e carvão sobre papel Óleo e cera sobre tela 120 x 140 cm
Sem título, 1990
Óleo e cera sobre tela 180 x 140 cm
Sem título, 1987
Óleo e cera sobre tela 170 x 130 cm
Sem título, 1996
Sem título, 1990
Sem título, 1994
Óleo e cera sobre tela 120 x 160 cm
Sem título, 1996
Sem título, 2000
Óleo sobre tela 20 x 30 cm
Óleo e cera sobre tela 180 x 220 cm
San Marco, 2005
A Noite do Meu Bem, 2006
Óleo e cera sobre tela 30 x 40 cm
Sem título, 2005
Sem título, 2012
Óleo sobre papel
50 x 65 cm Sem título, 2013 Óleo sobre papel 50 x 65 cm
Sem título, 2014
Óleo sobre tela 50 x 80 cm
Sem título, 2015
Óleo sobre tela 40 x 50 cm
Sem título, 2015
Óleo sobre papel 65 x 50 cm
Óleo e cera sobre tela 50 x 70 cm
Sem título, 2015
Sem título, 2015
Óleo sobre tela 240 x 300 cm
Sem Título – Série Paisagens, 2013
Óleo sobre papel
Sem Título – Série Paisagens, 2015