Título /Title
Post-in-progress: 3º Fórum Internacional de Pós-graduação em Estudos de Música e Dança Organizadores /Editors
Ana Clément, Aoife Hiney, Rui Oliveira. Edição/Published by
UA Editora
Universidade de Aveiro
Serviços de Biblioteca, Informação Documental e Museologia Campus Universitário de Santiago
3810-193 Aveiro Data /Edition 2015 Páginas/Pages 55 Tiragem/ Copies 100 ISBN 978-972-789-470-3
Post-in-progress
3º Fórum Internacional de Pós-graduação em Estudos de Música e Dança,
Aveiro - 2015
3rd International Post-Graduate Forum for Studies in Music and Dance,
Aveiro - 2015
Comissão organizadora / Programme comittee
Alfonso Bennetti, Ana Clément, Aoife Hiney, Daniela Araújo, Eduardo Barretto, Fernanda Zanon, Fernando Cury, Leonardo Pellegrim, Lucas Wink, Mar Robles, Márcio Silva, Marcos Albricker, Rui Oliveira
Entidades organizadoras / Organized by
Departamento de Comunicação e Arte da Universidade de Aveiro, Instituto de Etnomusicologia – Centro de Estudos de Música e Dança (Polo da Universidade de Aveiro).
Comissão científica / Scientific Committee
Alexsander Duarte, Alfonso Bennetti, Ana Veloso, António Vassalo Lourenço, Carlos Canhoto, Cristina Fernandes, Daniel Tércio, Dario Ranocchiari, Edite Rocha, Helena Lourosa, Helena Marinho, Iñigo Sanchez, Jorge Castro Ribeiro, Jorge Salgado Correia, José Alberto Salgado, Laíze Guazina, Luca Chiantore, Luís Carvalho, Manuel Deniz Silva, Pedro Moreira, Ricardo Pinheiro, Rui Cidra, Rui Penha, Rui Raposo, Rosário Pestana, Salwa Castelo-Branco, Sara Carvalho, Sílvia Martinez, Susana Sardo
Patrocinadores / Sponsors Grupo Alboi, Tradisom Apoios / Supported by
American Corners Portugal, Departamento de Comunicação e Arte da Universidade de Aveiro, Instituto de Etnomusicologia – Centro de Estudos de Música e Dança (Polo da Universidade de Aveiro), Fundação para Ciência e a Tecnologia (FCT).
O Instituto de Etnomusicologia – Centro de Estudos de Música e Dança (INET-md) e o Departamento de Comunicação e Arte (DeCA) da Universidade de Aveiro, têm o prazer de acolher o Post-in-progress: 3º Fórum Internacional de Pós-graduação em Estudos de Música e Dança, aberto a todos os estudantes de pós-graduação
ou investigadores que ainda não tenham obtido o grau de doutor. Os oradores convidados são o Professor Gregory Barz, da Vanderbilt University, a Professora Kiri Miller, da Brown University e o Professor Stefan Östersjö, da Academia de Música de Malmö e investigador no Instituto Orpheus.
O Post-in-progress decorre em Aveiro, Portugal, entre os dias 9 e 11 de Dezembro de 2015 e propõe criar um espaço de debate e apresentação de trabalhos de investigação, dentro das
seguintes áreas de pesquisa: Etnomusicologia e Estudos em Música Popular, Música Erudita a partir da perspetiva dos Estudos Culturais, Etnocoreologia e Estudos Culturais em Dança; Criação, Teoria e Tecnologias da Música; Estudos em Performance; Educação e Música; Vídeo e Documentário sobre Música e Dança.
Neste congresso estão presentes 77 participantes oriundos da América do Sul, da América do Norte, da Europa e da Ásia que apresentarão as suas pesquisas in progress em diferentes formatos como comunicação, painel, recital-conferência, poster e documentário.
O Post-ip’15 tem como principal objetivo criar um espaço de interseção no qual os alunos de pós-graduação possam expor os seus trabalhos de pesquisa diluindo, de alguma forma, as barreiras aparentes entre os diferentes domínios de
investigação em música e dança. Além disso, esta edição do evento estará a contar com a
apresentação de trabalhos de pesquisadores de pós-doutoramento das áreas afins à conferência como forma de proporcionar uma maior integração científica entre investigadores com trabalhos in
progress. O nosso desejo é contribuir para a construção de um futuro onde diversas perspetivas académicas e científicas sobre a música e a dança possam coabitar e dialogar. Acreditamos que este é o melhor contributo que podemos dar à investigação académica.
A todos os que de algum modo tornaram possível este evento científico a comissão organizadora expressa o seu profundo agradecimento.
The Institute of Ethnomusicology – the Centre for Studies in Music and Dance (INET-md) - and the Department of Communication and Art (DeCA) of the University of Aveiro, are pleased to
announce Post-in-progress: 3rd International post-graduate forum for studies in music and dance, which is open to all post-graduate students and researchers who have not yet obtained their doctoral degree. The keynote speakers are Dr. Gregory Barz, Vanderbilt University, Dr. Kiri Miller, Brown University and Dr. Stefan Östersjö, Malmö
Academy of Music and researcher at the Orpheus Institute.
Post-in-progress will take place in Aveiro,
Portugal, between the 9th and 11th of December 2015, and aims to provide a platform for debate and presentations of scientific research, within the following research areas: Ethnomusicology and Studies in Popular Music; Classical Music from a Cultural Studies perspective; Ethnochoreology and Cultural Studies in Dance; Creation, Theory and Technology in Music; Performance Studies; Education and Music; Videos and Documentaries about Music and Dance.
We welcome 77 participants, hailing from North and South America, from Europe and from Asia, who will present their research in progress in various formats, such as communications, panels, lecture-recitals, posters and documentaries during this congress.
The main objective of Post-ip’15 is to create a place in which post-graduate students can demonstrate their work, breaking down the barriers which often exist between different lines of research in music and dance. We hope to contribute towards the construction of a future space for dialogue, wherein diverse academic and scientific perspectives of music and dance will converge. We firmly believe that this is the best way in which we can contribute to academic research.
The Organising Committee would like to take this opportunity to express our sincere thanks to all those who helped make this event possible.
[ORADORES CONVIDADOS | KEYNOTE SPEAKERS]
Gregory Melchor-Barz Vanderbilt University, USA
‘I Don’t Think We Are Safe Around You’: Queering Fieldwork in Ethnomusicology “I think that sometimes it is the [very] people who no one imagines anything of who do the things that no one can imagine.”
Joan Clarke (Keira Knightley) to Alan Turing (Benedict Cumberbatch), The Imitation Game
As an openly gay ethnomusicologist out in my home community, I expect that my status outside the heteronormative box is both known and noted and in fact increasingly open for scrutiny in a variety of the field contexts within which I work. I have been told by colleagues that a quick Google search unveils clues: mentions of my husband, references to a hyphenated married name, and a co-editor of a book on Queer Ethnomusicology. From the comfort of a university environment in the United States, where I do not assume I put people at risk, I am clearly marked. Moving from an unmarked category to marked, however, requires revealing what is often sous rature. Yet in this paper I suggest that as ethnomusicologists, perhaps we are all queer, all working within a queered discipline. We all cover. We all don masks in our encounters with unfamiliar traditions and new musics. Markers of identity for ethnomusicologists are
typically based on individual or institutional perceptions (whether assigned based on prescribed criteria [perceived visual difference] or by historical means [based on prescribed or assigned ethnicity]). An understanding of the ethnomusicological self in relationship to the assumed other is at the heart of the creation of our categories, of boxes within which we make order. Field-based disciplines (anthropology, ethnomusicology, and sociology), often express the fear of queer identities tainting relationships, information, and data. Historically, field researchers have been suspicious of any glance through a queer veil, for such a queered gaze is thought to be polluting, and the objectivity of the ethnomusicologist is put at risk when information or music is filtered through the perceptions of a queered identity. But, in this paper I will illustrate the ways in which the replacement of the queer veil with an absence of veils confirms that all relationships in the field, all information collection, all songs performed are already filtered for us, as if they were “always already” … queer.
Kiri Miller
Brown University, USA
Never Dance Alone: Digital Dance Games and Networked Bodies
Digital dance games teach players full-body choreography routines set to popular club music, providing real-time feedback driven by a motion-sensing interface. These games offer a new channel for the transmission of embodied knowledge, and for indexing that knowledge through popular music. Game choreographers translate song into dance; players learn to feel out music with their bodies as choreographers do. The dance styles in these games incorporate
performative markers of gender, race, sexuality, class, age, and able-bodied fitness, intertwined with received ideas about discipline, morality, virtuosity, natural talent vs. learned skill, and creative agency vs. compliant repetition. This talk addresses dance games as the staging grounds for emergent forms of gender performance, multisensory interactivity, and participatory culture. What happens when players learn an embodied repertoire from a virtual instructor? How do dance games frame a living-room surveillance system as a safe space for moving one’s
body in new ways? What can motion games tell us about the enculturation of new interfaces? Digital dance games and their associated player communities illustrate new possibilities for the transmission of performance practice, for converting virtual social connections into visceral common knowledge, and for creating deeply engaging play experiences that bind together sound and physical movement.
Stefan Östersjö
Malmö Academy of Music, Sweden Orpheus Institute, Belgium
Explorations of music at the threshold between sound and movement
This performance-lecture is centered around the notion of a gesture-based understanding of musical composition. From such a perspective on musical perception and musical creativity, I will discuss recent artistic research projects which draw on quantitative and qualitative analysis of motion data as well as on artistic practice which brings musicians and choreographers together in an exploration of musical composition. The presentation contains performances of solo guitar works by David Gorton and Rolf Riehm as well as video from the multi-media work "Go To Hell".
[COMUNICAÇÕES | PRESENTATIONS]
Akiko Hirai
Université Paris-Sorbonne, France
The role of Kagura dance in Shinto ceremony: the case of Odaidai
The doctrine defines kagura dance as an including of popular traditional customs and his musical characteristic is not emphasized. More broadly, most Japanese research on the ritual apprehends entertainment music in the ceremony as a simple accompaniment of dance. In the religious context, it would only be a tool for the ritual to be effective. However, this design appears too restrictive. The sound in the ritual is not only an accompaniment but has a function and a meaning much greater. This assumption can be demonstrated through the case study of the Odaidai (This is the local name of Shinto ceremony at Kawaguchi at Yamanashi Prefecture). The Odaidai ceremony is especially practiced in Kawaguchi Asama Jinja shrine in the city of Fuji-Kawaguchiko, at the base of Fuji Mountain. This ceremony, by a dance, is for protection of the goddess named Konohanasakuyahime to calm the volcano.
During the ceremony, five dance pieces are performed. Each piece is a combination of choreographical sequences. The dancers repeat these sequences by changing their position. To execute movements in four sides of the stage is the most important to this dance.
Musical form corresponds overall to the choreography. It is divided into an introduction and four repetitions of a choreographic sequence. This musical form seems to be common to all types of kagura.
The musical motif is divided into two groups:
1) The fundamental element: the music forms the framework of a play: the beginning, the end and the change in position of the dancers. They are made on the basis of a pattern that represents the shift position.
2) The alternative element: being played between the fundamental elements, the music helps the melody continues without interruption.
However, in Odaidai, musical motifs are distinguished choreographic sequences. Thus, while the order of choreographic sequences is strictly determined, flutist can choose certain grounds on the edge of structural empty. The head of flutists selected during the performance. The reasons begin with a different note so that others can follow flutists.
It is arguable that the music was not composed together but after the dance. It is thus an autonomous element and be an additional purification instrument.
Keywords: Shintoism, Religion, Ritual dance, Ritual music, Folk Performing Arts, Japan, Far East
Alejandro Esteban Escobar Mundaca The University of Sussex, United Kingdom
Political commitment in Violeta Parra's oeuvre
At present, Latin American art has two Nobel Prize winners from Chile; Gabriela Mistral and Pablo Neruda. Both writers received world recognition, in addition to national prizes in literature; they also achieved greater notoriety than those traditional-roots artists like Violeta Parra, who is renowned for her research and for promoting Chilean traditions, as well as social issues (Moore, 2001, p. 197). Parra is best known for her song Gracias a la vida (Boyle, 2009, p. 71), but it was her visual art which led her to the pinnacle of Modern Western art to exhibit at the Louvre’s Musée des Arts Decoratifs. In addition to its rich Hispanic-root poetry exposed in her
autobiography Décimas - which is in line with Jose Hernandez’ El Gaucho Martin Fierro, Parra made an intense research activity that crystallized in her book Poésie populaire des Andes (1965), giving performances and recording in America and Europe. However, her tragic death in 1967, and social and political factors plunged her scattered artwork into myth and discovery – mainly because she was strongly associated with the “protest song”. During the last decade, different events and artists seem to claim that Parra's art is still relevant and source for today's Chilean art and society.
Drawing from interdisciplinary research in the arts (Escobar, 2012), this paper attempts to give an aesthetic reading of Parra’s representation of politics, ideology and power. The first part of this paper presents a general description of Parra’s music, literary and visual works typified as “political”, followed by a brief review of Parra’s engagement with the subject, as well as the artistic and historical influences of this female author. It will then move on to examine in some detail visual and musical works to illustrate Parra’s idea of cross-media translation (Kandinski, klee). I conclude with a reflection over Parra’s narratives of counter-discourse and its
implications, for example, by using the motif of “the world upside-down” (Hart 1988; Johnson 1993; Vroom 2010) in relation to religiousness and capitalism in Chile.
By breaking down and exposing poetical, musical and visual content, I will give important
insights into how Latin American issues are depicted through the interplay of sounds and words, with the correspondence colours. However, the main objective of this article is to provide an aesthetic account of Parra’s contribution to the notion of Chileanness -and probably
Americanness (Elliott, 2008, Epple, 1994, Manns, 1978, Montealegre 2011). Keywords: Latin American Art, Politics, Music, Popular Art, Visual Art
Alfonso Castellanos
École des Hautes Études en Sciences Sociales – EHESS, Paris Institut des Mondes Africains – IMAF, Paris
Musical resources and stylistic adaptability in the kamalengoni music of Burkina Faso Since the boom of the wassoulou music from south Mali in the 1990’s, the interpretation of the kamalengoni harp-lute has extended to the neighboring country of Burkina Faso leading the way to new forms of cultural appropriation and adaptation of local and foreign musics. In the urban center of Bobo-Dioulasso, this phenomenon reflects the development of a proper burkinabé musical identity mostly inspired by the traditional songs of the dioula balafon, while revealing the continuous explorations and stakes of musicians looking for the achievement of their personal style. The prominence of commercial musics on media circuits in addition to collaboration with western musicians are factors that play a major role in providing new musical notions to local interpreters of kamalengoni. Moreover, research is highly valorized by both professional and amateur musicians as an essential element in the active approach of creativity. But how does assimilation of new musical models affect the evolution of this instrument in the urban context? How are musical styles actually interiorized and readapted by musicians in the process of musical composition? Being emulation a recurrent issue of music making in traditional and popular musical contexts, we will analyze the multiple ways in which musical innovation and appropriation of pre-existing melodies are interweaved along the creative process. On one hand these insights may lead us to a better understanding not only of the motivations and goals of the new generations of African musicians in their quest of originality, but of the particular conception of these musicians about musical originality itself. On the other hand they will provide recent examples about how artistic creativity can reveal the trends of social transformation in contemporary urban West Africa.
Ana Resende Clément
Universidade de Aveiro, Portugal
Acção e mobilização simbólica: músicos e instrumentos nos eventos de recriação histórica
Entre o vasto espectro de eventos temáticos de animação ao ar livre envolvendo música que ocorrem anualmente em numerosas localidades do território português, as chamadas “feiras medievais” e as recriações históricas têm vindo a ocupar um lugar de destaque crescente nos últimos quinze anos. Estas iniciativas institucionais, por vezes associadas a comemorações ou acções políticas do poder local, incluem ingredientes expositivos e performativos com o
propósito de evocar, estimular e representar simbolicamente imaginários colectivos associados ao passado. Os cenários naturais das “feiras medievais” (castelos, praças, centros históricos, etc.) são complementados por grupos de animação e elementos cenográficos de interpelação visual, sonora, discursiva e performativa que remetem para um imaginário específico. A música parece desempenhar um papel central no processo de remissão a este imaginário do passado longínquo, quer nos seus elementos materiais, quer imateriais. Pretendo nesta comunicação discutir dados de um levantamento dos grupos de música portugueses que se dedicam a actuar em eventos de recriação histórica, bem como lançar pistas de interpretação crítica, como parte de uma investigação de doutoramento em Etnomusicologia. Os dados recolhidos baseiam-se em entrevistas presenciais em trabalho de campo, e na pesquisa na internet. São tidos em conta os grupos portugueses, isto é, sediados em localidades de Portugal, com registos de actividade em eventos de recriação histórica no país. Este trabalho exploratório procura situar-se numa perspectiva analítica da produção musical, na medida em que é conduzido pelo estudo dos dispositivos que a música utiliza e acciona, debruçando-se sobre os protagonistas e as múltiplas relações que estabelecem. Na configuração da música tocada nos eventos de recriação histórica, parecem existir protagonistas não apenas humanos, mas também materiais: os objectos e os meios parecem aqui ganhar uma importância fundamental, bem como as relações que se estabelecem entre todos. A gaita-de-foles, por exemplo, e a sua capacidade de mobilização simbólica, podem constituir-se, deste modo, como nós de uma vasta rede que inclui músicos, público, promotores, mas também fontes musicais, trajes, partituras, instrumentos, redes sociais e internet, entre muitos outros dispositivos.
Palavras-chave: Etnomusicologia, Recriações históricas, Produção musical
Andrea García Alcantarilla Universidad de Oviedo, España
The Spanish Repertoire for Piano Trio Through Their Perfomers
With this article we intend to rebuild a piece of the history of Spanish chamber music, approaching the life of stable formations of violin, cello and piano that were active in the twentieth century until the outbreak of the civil war (1936). We are especially interested to note the relationship of each one with the diffusion of new chamber music composed in Spain, so to offer the most complete picture possible, it will be necessary to turn on a couple of occasions formations located beyond the Pyrenees, but with a prominent place in the history of some paper productions.
The musical associations are key to the development and stability of our groups, so we will also include references to the entities that most support such initiatives. Most of them were
concentrated in the two musical capitals of Spain: Madrid and Barcelona. But that did not stop the constant touring of our musicians in provinces and neighboring countries.
The selection process of the list of formations has taken into account two aspects: first, the importance of such training in the dissemination of the new Spanish creation for piano trio; and second, the stability of the same, that is, we will focus especially on those entities that have a certain path, leaving aside those with a shorter life.
In response to these conditions, the list of formations to try is: Trio Cortot-Thibaud-Casals, Trío de Barcelona, Trio Francés, Trio Hispania, Trio Español, Trio Ortiz, Trío Cabart, Trio Ardévol, Trío Gálvez, Trio Renacimiento, Trío Hispano-Húngaro and Trio Union Radio. The study of these trios include the presentation of their components, the activity period and geographical area of activity and, of course, the important role played by each of these groups in spreading the newly created Spanish chamber music.
Keywords: Piano Trio, Performers, Chamber Music, Diffusion, 1900-1936
Andreia Dias Marques
Faculdade de Letras da Universidade de Coimbra, Portugal
Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo, Brasil 1-2-experiência-som da palavra em cena na dança contemporânea
O artigo que se apresenta faz parte de uma proposta de estudo sobre a presença da ação da palavra em cena na dança contemporânea e concentra-se em alguns trabalhos artísticos de Rui Horta com Tiago Rodrigues (Portugal) que, entre outros, se veem e ouvem como fala e assunto de investigação. Dos vários tópicos possíveis e imaginados sobre o assunto propomo-nos pensar a palavra em cena enquanto experiência sensorial, sobretudo na dimensão que comporta valor sonoro.
Interessa-nos o que a palavra traz dos corpos, o que esses corpos trazem e fazem dela e como se poderá percepcionar a palavra enquanto material processual sujeito a transformações pela copresença em cena com outros elementos, nomeadamente com a ação física do corpo em movimento. Independentemente das relações sensoriais a que a palavra apela em cena (e com as quais pode interagir), a mesma tem uma natureza física, tem valor sonoro e vocal.
É sobre a dimensão da concretude sonora que se ensaia uma possibilidade de vínculo da palavra com o corpo e com a dança contemporânea.
A palavra necessita de voz para ser falada. A voz é corpo, e a palavra falada necessita dele para acontecer em cena. Sem corpo (sujeito em cena) não há fala, assim como não há movimento, nem dança. O processo de dar palavra ao sujeito em cena na dança
contemporânea – ao corpo que dança diante do olhar e escuta do Outro (o espectador) – pode perceber-se como forma de dar voz e potencializar a performance e o evento performativo. A palavra falada tem capacidade para atuar sobre os corpos/sujeitos através do som, e os corpos/sujeitos não lhes ficam indiferentes. Os processos da palavra falada em cena parecem ser vias de mais de um sentido.
São tópicos principais de discussão: a dimensão física da palavra, bem como o seu valor sonoro e vocal; e a percepção da palavra como ação num constante jogo de relações em cena; tendo em consideração a justaposição e compatibilidade de ideias de autores como Eugenio Barba, Michel Foucault, Murray Shafer, Pierre Schaeffer, Roman Jakobson ou Valerie Preston-Dunlop.
António Ventura
Universidade de Aveiro, Portugal
Processos de construção da cultura em Penha Garcia: estudo sobre Catarina Sergente, um ícone da música de matriz rural
Catarina Sergente (1913-2003) é um ícone de Penha Garcia. Em 2005 foi erigido um
monumento a esta adufeira cuja voz e “toque no adufe” foi registado por sucessivos etnógrafos desde o início dos anos 1960. “Pastora”, “tecedeira”, “trabalhadora rural”, “semi-letrada”, segundo o inquérito feito por Giacometti em 1970, conquistou visibilidade à escala nacional através dos media. Atualmente, em 2015, os registos da sua voz e “toque” disponíveis no Youtube têm um número de visualizações muito superior ao dos habitantes da aldeia de Penha Garcia, testemunhando exemplarmente o alcance e o impacte da sua voz.
Este estudo etnomusicológico sobre a cantadeira e adufeira Catarina Sergente tem como objetivos contribuir para o conhecimento do papel da etnografia musical na construção de ícones da música de matriz rural em Portugal; conhecer o percurso de vida de Catarina Sergente e perceber como, no século XXI, tradições musicais de matriz rural objetificadas (Handler 1988) por sucessivos etnógrafos constroem o lugar de Penha Garcia. A investigação sustenta-se em pesquisa arquivística e bibliográfica (nomeadamente no levantamento de publicações periódicas que noticiaram a atividade cultural em Penha Garcia) e em trabalho de campo, o qual incluiu a realização de entrevistas a pessoas que conviveram com a adufeira e a observação de eventos.
O estudo revelou que Catarina Chitas foi sucessivamente eleita como a adufeira local e Penha Garcia constituiu-se como um “terreno etnográfico” (Vasconcelos 1998), no âmbito dos estudos desenvolvidos pela Comissão de Etno-Musicologia da Fundação Calouste Gulbenkian. Na década seguinte Michel Giacometti projetou à escala nacional o “terreno” e a “informante” através do programa Povo que Canta, abrindo as portas a uma apropriação desses referentes rurais por distintos projectos artísticos e comerciais. O estudo revelou ainda dados relativos aos contextos de aprendizagem e prática musical em que Catarina Sergente se constitui como uma detentora da tradição local.
Palavras-chave: Etnografia, Catarina Sergente, Penha Garcia
Aránzazu García Escuredo
Universitat Politècnica de València – UPV, España
The School of Orchestral Practice and the Young Symphony Orchestra of Galicia: history and impact.
Around the 90s, there was in Spain a remarkable emergence of symphony orchestras in the autonomous communities and thus a change in the cultural physiognomy of its environment. Between 1987 and 2000 more than fifteen new orchestras were founded. Galicia Symphony Orchestra (OSG) was founded in 1992 being a pioneer in Galicia.
In 1994 the OSG, created for educational purposes, a School of Orchestral Practice (EPO); later, in 2002 it became known as Youth Orchestra Symphony Galicia (OJSG), where young students attend each year. In recent years we are witnessing a remarkable proliferation of such groups of young musicians throughout the Iberian geography.
The objective of this research is to study the degree of impact on the formation of professional musicians and the evolution of the educational work of the Youth Symphony Orchestra of Galicia in its area of influence. Its twenty years of existence offers us a time frame with sufficient perspective.
For this, the researcher manages various documentary sources and statistical data which reflect the number of registrations per year and musical instrument, the origin of the students and the developed activities; crossing such data with other public and private music education centers of the environment in the same and previous periods.
Also, interviews with former students serve to verify the influence of the Youth Orchestra in their musical training and its role in the labor integration of several classes over the years and its overall role in improving the educational opportunities of its environment.
The study tries to verify the establishment of a stable pool of professional musicians in Galicia under the influence of the OJSG.
Keywords: Symphonic Orchestra, OEPO, OSG, Classical Music, Musical Training
Bruna Vieira
University of Aveiro, Portugal
Learning in Group: An Educational Action-Research Project as a mode of Educational Development
Action Research deals with social practice. Music Education is a social practice, considering that in most cases, it involves the direct interaction of teachers and groups of students. The purpose of action research is primarily to influence or change some aspect of the focus of the research, which is the main feature that distinguishes it from other research design. On this base, this project aimed to improve teaching and learning in group piano classes through a cyclical and reflective process. The main aspect to be improved into this practice was the emphasis on playing by ear as a functional piano skill and learning it in groups. The project was developed in a current semester, with two groups of five undergraduate music students. The action-research took place in three cycles. At the end of each cycle, an interview was held with each group in order to assess the work done and propose new teaching-learning strategies. In this paper I will discuss the main findings trough focus group method and efficacy of action research design. The analysis of the focus group interviews shows that: 1) results of the practice clarified theory of existing knowledge; 2) the involvement in the project leaded to powerful learning for the participants; 3) the focus on reflexivity more clearly shown what happened in the process than the results of tests; 4) the collaborative aspect of action research favored the group learning. From these results, it was concluded that the use of action research in music education has great potential for improving practice.
Keywords: Action Research, Music Education, Group Learning, Functional Piano
Carmen Noheda Tirado
Universidad Complutense de Madrid, España
The dance music of Xavier Montsalvatge and his relationship with the choreographers of the Catalan circle in the mid-twentieth-century
Classical ballet and contemporary dance have also had a significant impact in Catalonia. The Liceu became an important centre of ballet in the early 20th century, especially after Sergei Diaghilev’s visit in 1917. Influential dancers and choreographers who helped to develop a dance tradition in Catalonia in the postwar period include, among others, Joan Magriñà (1903-1995) and Joan Tena (1923-2007), who dreamt of creating a Catalan national ballet.
In addition to becoming famous as a composer of symphonic works, Xavier Montsalvatge (1912-2002) has won remarkable international distinction in the field of dance. He was a crucial contributor to the development of a vibrant dance scene in Catalonia and set up an influential paper in Barcelona.
Rejecting the legacies of Wagner and Strauss that dominated in Spain at the time, Montsalvatge was instead attracted to the works of Les Six and Stravinsky. The 1940s were fruitful years for him. Compositions from that period include nineteen ballets for Paul Goubé and Yvonne Alexander. Goubé soon formed his own company, the Ballets of Paul Goubé, which created multiple choreographies that were released in Barcelona with the collaboration of Montsalvatge, resulting in compositions such as Pastoral (1944), Leyenda (1944), Manfred (1945) and La Venus de Elne (1946). The 1945 ballet Manfred, reimagines Byron's gloomily iconic verse drama in postmodern terms with reminiscences of Offenbach, Tchaikovsky, Delibes and Stravinsky.
Montsalvatge’s musical scores have also been featured in the repertoires of Joan Magriñà, Trinidad Borrull and, notably, Joan Tena. Tena asked him to write music for a choreography he wanted to do in the style and rhythms of black Americans (Barcelona Blues, 1956).
Montsalvatge continued composing until the 1990s. His musical output gained substantial international distinction and has become an important point of reference within contemporary music in Spain. In more recent years his music obtained a wider circulation and this
communication pretends to contribute to this deserved continuing process through his work. Keywords: Contemporary Dance Music, Xavier Montsalvatge, Ballets of Paul Goubé, Choreographers, Postwar Period
Catherine Dulin
University of Roehampton, United Kingdom
The evolution of the waltz in Vienna: a socio-cultural analysis of the dancing embrace The emergence of the waltz marks one of the biggest stylistic shifts in European dance history. Its evolution in Vienna in the second half of the eighteenth century advanced a movement art in the Western world which transformed the relationship of men and women on the dance floor. From the ‘open’ formal couple dances of the Baroque period to the ‘closed’ insular hold of the waltz, society’s notion of social dance became more closely involved with the intimacy of the body, provoking denunciation as it developed and spread throughout Europe, and beyond, towards the end of the eighteenth century.
The first mention of the waltz in Vienna is reported to have occurred in the early 1750s. This paper will address the period leading up to the arrival of the new movement style and question what caused the proxemics in dance to change so radically at this time and place. It is suggested that the waltz found its origins amongst the peasants. Therefore, to comprehend the unfolding of this
revolutionary social dance, the activities of different social strata, related to and including their dance, will be investigated to establish what caused the corporeal shift through the classes. By using the combined perspectives of dance as well as historical anthropology and sociology a new
understanding of the radical transformation on the dance floor that produced the waltz and its dancing embrace will emerge.
Based on archival work, the findings of research into primary resources in particular will be presented. The dances of the court prior to the emergence of the waltz will be addressed and any correspondence to the world of the peasants which would mark a link between the classes. Of particular interest will be the work of dancing masters and any interconnections between the different levels of society. As a result, this paper will not only further scholarly understanding of dance as a social phenomenon, but also help to recognise impulses that create the form.
Cecília Pires
Université de Versailles St-Quentin en Yvelines, France
Ao encontro de novas experiências - 20 anos do SaGRAMA.
Esta comunicação tem como objetivo apresentar um estudo etnográfico comparativo entre parte da primeira turnê internacional do grupo SaGRAMA (Recife/PE/Brasil), do concerto de encerramento da turnê Cordas, Gonzaga e afins em homenagem ao compositor Luiz Gonzaga e concertos e repertórios regulares na cidade do Recife. O grupo propõe mostrar uma música de câmara nordestina, tendo como referência inicial a estética musical desenvolvida pelo Movimento Armorial em 1970. Destacando-se no cenário musical brasileiro, durante seus 20 anos de carreira, o SaGRAMA ainda é relacionado a essa estética, mesmo se em cada disco realizado o grupo procura distanciar-se desse rótulo. Nesta turnê, realizada no mês de
novembro de 2013 em Paris, Lille e Bruxelas, o grupo SaGRAMA é apresentado num cenário de música comercial e teve que adaptar-se a este cenário para obter êxito nos concertos, tanto na dinâmica do concerto quanto no repertório escolhido. Focando-se no estilo de baile de forró, que na época estava em alta em Paris, o grupo teve que dividir seu repertório com novos arranjos de clássicos do forró para atingir o público do gênero nessas cidades. A turnê, cuja apresentação de encerramento ocoreu no Recife, tinha o objetivo de apresentar a música do compositor Luiz Gonzaga com uma suposta linguagem diferenciada. Para isto foi escolhida a estética armorial para ser representada pelo grupo SaGRAMA, visto este ainda ser reconhecido como o principal herdeiro dessa estética. Nesta comunicação usarei esses dois eventos para comparar com a prática corrente de concertos no Recife. Tendo como ponto de partida a diferença entre eles, as tensões causadas entre os componentes e das possíveis mudanças que essas duas experiências podem aportar para a sequencia da carreira do grupo.
Palavras-chave: Etnografia, SaGRAMA, Repertório, Armorial
Clara Sandroni
Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro – UNIRIO, Brasil
A hipótese da existência de um “campo de ensino de canto no Brasil”
Nesta comunicação pretendo apontar alguns pontos da pesquisa de doutorado (iniciada em 2013), que realizo na UNIRIO, com foco no ensino de canto popular. A pesquisa já realizada indica que a oferta de ensino de canto popular tem aumentado no Brasil e que podemos presumir a necessidade de criar e desenvolver didáticas para apoiar essa nova demanda. A pesquisa também pretende localizar uma possível disputa pelo mercado de trabalho do
profissional da voz e sugere que através da teoria dos campos de Pierre Bourdieu poderíamos vir a ter um novo entendimento sobre o mercado de trabalho da voz cantada. Sugerimos que um “campo de ensino de canto no Brasil” está se configurando com os seguintes eventos, entre outros: o surgimento do professor de canto popular (a partir dos anos 1970); a opção de
aprendizagem de canto popular na UNICAMP-SP (1991); a criação do Grupo de Estudos da Voz do Rio de Janeiro (GEV-RJ) em 1991; a criação da Associação Brasileira de Canto (ABC), em 1992. A pesquisa indica que houve grande colaboração entre professores de canto,
fonoaudiólogos e otorrinolaringologistas, na década de 1990, que intensificou a troca de informações entre os profissionais da voz cantada e colaborou para o fortalecimento de um “campo” que já pode ser analisado segundo suas características próprias. Pretendo apresentar alguns questionários que serão enviados a professores de canto popular para tentar conhecer melhor a realidade de seu trabalho. Esse questionário terá perguntas “fechadas” e “abertas”, para tentar conhecer o que é, segundo o professor consultado, o canto popular, o ensino de canto popular, suas relações com outras áreas de ensino e com as áreas terapêuticas e
médicas, entre outras questões. Serão feitas perguntas como: Que tipo de canto você estudou? Por quanto tempo? Qual a importância desses estudos para sua atuação como professor/a de canto popular? Você leciona em alguma instituição de ensino? Você utiliza algum método de canto (como um livro ou apostilas)? Desta maneira tentaremos conhecer melhor de onde vem esse professor de canto popular, como ele se formou e com que didáticas ele se relaciona. Palavras-chave: Ensino de Canto, Canto Popular, Campo
Cláudia Garcia
Universidade do Estado de Minas Gerais – UEMG, Brasil
The viola and the guitar in Brazilian art song: musical representations and symbolisms Intrinsically linked to the song, viola and guitar participated decisively in the appearance and configuration of the main Brazilian vocal genres. Brought by the Portuguese, these instruments gained huge popularity and were gradually settling down: the guitar, in the urban area,
becoming element of mediation and cultural diffusion, and the viola, inside, starting to follow another type of song, the moda de viola. Running along its popular aspect, we need to see how these tools were present in the Brazilian art song by representing or translation of their images and sounds in the piano accompaniment. First, we will investigate which musical and idiomatic resources are used to build the piano nationalist songs that have the viola and the guitar as title or subject. Then, we will establish symbolic associations to which these musical elements lead us, such as environments, practices and contexts. Finally, we will verify the hypothesis that the guitar - fought and stigmatized by their relationship with vagrancy and bohemian - would accept in the classical sphere through the translation of your image and sound for the piano. In others words, moved from its original space, but keeping their identification with Brazilian culture, the guitar would have allowed entry through the artistic treatment and worship that the piano could give it. To verify this musical and symbolic representation, we turn to the analysis of the work of important nationalist composers such as Heitor Villa-Lobos, Oscar Lorenzo Fernandez and Mozart Camargo Guarnieri. In general, it observed through this study that some procedures, such as chromaticism, staccatos, melodic and contrapuntal low, are common to both the viola as the guitar. However, how to treat them changes its meaning. So while the viola translates through musical resources related to rural areas, such as the use of parallel thirds and glissandos, the guitar is revealed characterized by its tradition as urban instrument,
accompanist of the modinha, where the elements of choro and seresta not only their language and space, as well as the formation of a repertoire of Brazilian art song originally written for voice and guitar.
Keywords: Guitar; Brazilian art song; Image; Symbolic associations.
Cristiana Spadaro
Universidade de Aveiro, Portugal
Alguns aspetos relativos às práticas historicamente informadas da música sacra: a performance coral dos motetos de Natal e de Páscoa de Giovanni Giorgi.
A praxe executiva da Música Antiga exige um enorme esforço de investigação e pesquisa na teoria da música, nos tratados sobre as práticas vocais e instrumentais, nos documentos de arquivos, na descrição literária ou na representação iconográfica, para encontrar fundamentos que sustentem a sua realização. Um moteto do século XVIII, embora nos possa proporcionar a
estrutura harmónica e contrapontística da obra, na maioria dos casos não nos diz muito mais acerca da forma de executá-lo.
Na presente comunicação serão considerados diversos aspetos interpretativos, como o timbre, o tempo, a articulação, a ornamentação e a composição do coro, assuntos acerca dos quais as técnicas corais pré-moderna e moderna se encontram em posições por vezes divergentes. Não obstante a quantidade de informação histórica fornecidas hoje em dia pela musicologia,
podemos ainda afirmar que uma parte substancial da interpretação efetiva da Música Antiga depende da intuição/ sensibilidade artística dos intérpretes.
Com base nestas premissas, serão comunicadas as decisões tomadas para a interpretação dos motetos de Natal e de Páscoa, compostos por Giovanni Giorgi respetivamente em 1756 e nos anos 1757/58, e gravados em CD em junho de 2014, com a participação do coro de câmara da Universidade de Aveiro.
Palavras-chave: Performance, Interpretação Historicamente Informada, Música Vocal
Daniel Menezes Lovisi
École des Hautes Études en Sciences Sociales – EHESS, France Universidade Federal de Minas Gerais, Brasil
A música instrumental para violão em Belo Horizonte e a identidade mineira: o
acionamento da “mineiridade” nos discursos e produções artisticas de violonistas da capital do estado de Minas Gerais
No presente artigo abordo as relações existentes entre a música e a produção de discursos identitários. O tema é tratado através da análise do modo como um grupo de violonistas-compositores atuantes na cena contemporânea da música popular instrumental de Belo Horizonte (capital de Minas Gerais, estado da região sudeste do Brasil) procura se vincular a uma identidade regional, defendendo assim a existência de um “violão mineiro”, diferente das demais “escolas violonísticas” do país. Esse processo é feito principalmente através do acionamento do que chamo aqui de discurso da “mineiridade”. Esta noção tem sido objeto de estudo de vários sociólogos que buscam entender o modo como determinadas manifestações nos campos da literatura e da política no século XX expressam vínculos e afetos em relação a Minas Gerais. Neste trabalho procuro mostrar como a música também faz parte de um jogo de produção de identidades e o modo como alguns músicos da capital de Minas atuam nesse processo. Reúno os violonistas-compositores citados neste artigo sob a denominação “grupo de Belo Horizonte” (GBH). Entre os membros do grupo destaco Toninho Horta, Juarez Moreira e Chiquito Braga, responsáveis por lançar no ano de 2001 o álbum “Quadros Modernos”, um disco-manifesto do “violão mineiro”. As falas de outros músicos também servem de arcabouço para este estudo, como as de Gilvan de Oliveira e Weber Lopes, participantes do álbum coletivo “Violões do Horizonte” (1999), e Wilson Lopes, um dos entrevistados no documentário “Violões de Minas”, que reúne a maior parte dos componentes do GBH. As análises de
algumas falas desses músicos são precedidas por um breve histórico sobre a criação do que se considera convencionalmente a “identidade mineira”. Busco ainda tratar brevemente da (re)construção das imagens de Minas e dos mineiros no campo literário, que ajudou a fixar os mitos que envolvem a região e seus habitantes, fornecendo assim as bases para a construção da “mineiridade”.
Daniel Tavares
Universidade Federal do Rio de Janeiro – UFRJ, Brasil
Diálogos com Telmo de Lima Freitas: articulações entre criação e meio musical nos movimentos Tradicionalistas e Nativistas gaúchos.
A interlocução entre o(s) proponente(s) de uma pesquisa e integrantes de uma determinada prática musical é uma das principais ferramentas utilizadas pela Etnomusicologia com o objetivo de levantar dados para a construção epistêmica. Nesta comunicação, relaciono
algumas das questões propostas no ensaio “Refletindo sobre a interlocução em pesquisas com música” (Salgado et al, 2014) com dados levantados em diálogos na pesquisa de campo com o compositor gaúcho – natural do estado do Rio Grande do Sul (RS), extremo sul do Brasil – Telmo de Lima Freitas. Apresento inicialmente o contexto da prática musical na qual o compositor está inserido. Em seguida, apresento exemplos práticos de ganhos trazidos à pesquisa pela interlocução com Telmo de Lima Freitas, com destaque para a análise dos diálogos sobre sua canção “Aguateiro” – que permitiu uma mudança no modo de entender as relações que este compositor estabelece em suas articulações com os movimentos
Tradicionalistas e Nativistas do Rio Grande do Sul, entendimento que era pautado pelo senso comum e passou a um estágio de esclarecimento em contato com a visão do interlocutor. Por fim, relaciono alguns dos problemas e limitações da interlocução para construção epistêmica, apresentadas no ensaio mencionado, com limitações encontradas na interlocução com Telmo de Lima Freitas.
Palavras-chave: Interlocução, Epistemologia, Etnomusicologia, Tradicionalismo, Nativismo
David Miguel
Universidade de Aveiro, Portugal
O Ensino-Aprendizagem da Análise Musical através de Estratégias de Questionamento O objetivo desta investigação é estudar como o uso de estratégias de questionamento pode influenciar o ensino-aprendizagem da análise musical. A raiz exploratória, reflexiva e
questionante do processo analítico justifica o estudo sobre estratégias que permitam ao professor melhorar as competências de análise dos alunos. Recorremos a uma metodologia assente numa aprendizagem ativa e colaborativa, em debates na sala de aula, em práticas reflexivas tanto do professor como do aluno, bem como na classificação taxonómica, conceção e planificação das questões. A investigação-ação consistiu num estudo de caso numa turma de Análise e Técnicas de Composição com sete alunos ao longo de cinco aulas, correspondendo cada uma a um objetivo específico no desenvolvimento de estratégias de questionamento. Foram recolhidos dados através da gravação das aulas e de inquéritos e questionários antes e depois da intervenção. Os resultados sugerem fortes indícios de que o uso de estratégias de questionamento e práticas reflexivas pelo professor tem benefícios na aprendizagem dos alunos, e indicam também a centralidade das questões no processo de instrução; sugerem também aspetos potencialmente negativos relacionados com fracas competências de
questionamento e com a introdução do método nas estruturas rígidas do sistema de ensino. As conclusões apontam para a necessidade de aprofundar o assunto em diferentes domínios no ensino da música, como a formação de professores, a avaliação em contextos reflexivos e questionantes, a relação com a composição e o desenho das questões.
Palavras-chave: Análise musical, Ensino-aprendizagem, Questionamento, Práticas reflexivas, Composição, Formação de professores
Deborah Williams
Roehampton University, United Kingdom
Finding Their Dance: An Exploration of Transformative Experiences of 'Everyday' Dancers
This research explores the patterns present within verbal and embodied narratives of individuals who have had a significant or ‘peak experience’ (Maslow 1964) with dance. Through a physical or visual encounter with dance, their life was transformed in a particular way; they found ‘their dance’ and it caused a shift in their purpose or perspective. Many speak of their experience in terms of a spiritual awakening, using terms likening it to a form of conversion. Central to the research is the focus on the 'everyday' dancer – meaning people who were non -trained dancers prior to their encounter; those who did not train as, or would consider themselves, a dancer. Through interviews and ethnographic fieldwork, the research will investigate the causes of such a transformation, what the transformative process entails, how it is internalised and verbalised, and the consequences that come as a result.
Keywords: Everyday Dancer, Conversion and Transformation, Encounter
Fernanda Pinheiro
Instituto Politécnico de Viana do Castelo, Portugal
Portugal nos projetos de Cooperação Europeia do Programa Europa Criativa Observando ações da União Europeia para o desenvolvimento da cooperação cultural,
sobretudo entre os países membros, é possível identificar através dos programas Cultura 2000, Cultura 2007-2013 e Europa Criativa (2014-2020) que as entidades e organizações culturais têm revelado um importante protagonismo no âmbito da cooperação transnacional.
Esta comunicação debruça-se em particular sobre o Programa Europa Criativa (PEC),
atualmente em vigor e vigente até 2020. Este programa marca o início de uma nova etapa para o desenvolvimento da Cultura, com mudanças substanciais em relação aos seus antecessores, principalmente no que toca ao apoio a projetos culturais transnacionais. Em execução desde janeiro de 2014, o referido programa tem Incentivado e fomentado a cooperação transnacional através de linhas de financiamento divididas entre os subprogramas Media e Cultura.
Desde o seu início até julho de 2015, ocorreram duas calls para a linha de financiamento de Projetos de Cooperação Europeia do subprograma Cultura do PEC. Os dados divulgados pela Education, Audiovisual and Culture Executive Agency (EACEA), referentes ao número de projetos aprovados liderados por entidades portuguesas, proporcionam um campo fértil para reflexão acerca da dinâmica, da preparação, do interesse e da atuação dessas organizações no que concerne à cooperação cultural transnacional.
Sob o recorte da participação portuguesa na linha de financiamento para Cooperação Europeia e como parte de uma pesquisa de mestrado em Gestão Artística e Cultural, esta comunicação dedica-se à identificação, caracterização e mapeamento das entidades portuguesas
envolvidas, assim como as parcerias estabelecidas para a participação nas calls. Com o intuito de analisar o panorama das ações portuguesas na linha de financiamento para Cooperação Europeia e promover uma reflexão sobre o mesmo, serão apresentadas também as áreas de atuação dos projetos em questão, possibilitando o acompanhamento do percurso das
propostas ligadas à música, ao teatro, à dança, à arte digital e outros.
Palavras-chave: Programa Europa Criativa, Cooperação Cultural Transnacional, Organizações Culturais Portuguesas
Fernando Cury
Universidade de Aveiro, Portugal
Processos rítmicos na música contemporânea ocidental
Na música do séc. XX o ritmo passou a ter um lugar de destaque. Vários procedimentos rítmicos anteriormente criados foram desenvolvidos e aprimorados, outros tantos foram incorporados por influência da música oriental ou popular/ folclórica e, por último, muitos
processos de estruturação rítmica foram criados pelos próprios compositores deste período, em busca por novas sonoridades.
Um desses novos processos ocorreu a partir de Henry Cowell, quando alguns compositores começaram a subdividir de diferentes formas a unidade de tempo. Tal subdivisão chegou a tal grau de complexidade que a notação musical teve que ser adaptada para as nossas situações. Compositores como Brian Ferneyhough, Michael Finnissy, e Arthur Kampela desenvolveram uma escrita própria para poderem comunicar suas ideias composicionais.
Além disso, outros procedimentos composicionais motivados por fatores distintos do ritmo, como a transcrição em notação musical e consequente adaptação ao texto musical do canto dos pássaros por Oliver Messiaen, resultaram em complexificações rítmicas.
Dentre os processos a serem apresentados, destacam-se: • Politempo de Henry Cowell (1897-1965);
• Phase-shifting de Steve Reich (1936);
• Ritmos não-retrogradáveis, permutações simétricas e transcrição em notação musical do canto dos pássaros de Oliver Messiaen (1908-1992);
• Modulação métrica de Elliott Carter (1908-2012); • Compasso irracionais de Brian Ferneyhough (1943);
• Modulação micrométrica, compassos não integrais e quiálteras aninhadas de Arthur Kampela (1960)
Conhecer os processos rítmicos utilizados pelos compositores do séc. XX é imprescindível para a formação de intérpretes, compositores, bem como todos que se dedicam a conhecer a
música contemporânea ocidental. A comunicação proposta pretende apresentar um panorama dos processos criados e desenvolvidos pelos compositores hodiernos, sem necessariamente estabelecer relações entre os processos apresentados, mas demonstrando (com partituras e gravações) como tais processos trabalham assimetria, métricas combinadas, polirritmia, polimetria e demais processos.
Tal estudo revela assim sua importância pela possibilidade de informar historicamente
intérpretes e compositores interessados em trabalhar com as diversas estéticas da música do séc. XX.
Palavras-chave: Ritmo, Música Contemporânea, Técnicas Composicionais
Frederico Lyra de Carvalho Université Lille 3, France
Improvisação e diálogo entre música e dança
Entre 2012 e 2013 o Mojav Duo, grupo de música instrumental com formação de guitarra e bateria e o Coletivo Lugar Comum, grupo de dança contemporânea, desenvolveram um projeto de contato-improvisação que tinha como objetivo realizar uma “jam” de dança e música
improvisada por mês na cidade do Recife-PE (Brasil). A intenção era desenvolver um trabalho de interação entre as duas artes e não apenas ter uma música como suporte para os bailarinos participantes das “jams”. Havia, porém, uma particularidade, cada sessão tinha um tema a ser desenvolvido e, às vezes, esta era precedida de uma leitura coletiva e discussão teórica de um
texto acerca deste tema. Os textos, porém, eram propostos pelos bailarinos e cabia aos
músicos transformá-los em sons. A improvisação coletiva era o principal, como uma reflexão de um mesmo conceito e forma de fazer de uma arte em outra, e vice-versa. A tentativa era que o movimento sonoro e do corpo se tornassem uma mesma multiplicidade. Ao final, ocorria um breve balanço do que havia se passado na sessão.
O objetivo desta comunicação é apresentar, a partir do ponto do vista de um dos músicos participantes, uma etnografia destas “jam's”. Colocaremos em discussão as tentativas,
descobertas, estratégias, resultados e limites deste dialogo e interação entre estas duas artes. Além disto descreveremos as três etapas das sessões: preparação, desenvolvimento e
conclusão. Como suporte teórico teremos textos dos autores Steve Paxton e Nancy Stark, lidos para as ocasiões, conceitos dos músicos-referências para o duo (Steve Coleman, Vijay Iyer, etc) e o que é dito sobre música e dança pelos filósofos Alain Badiou e Giorgio Agamben. Palavras-chave: Música Instrumental, Contato-Improvisação, Movimento
Henderson Rodrigues
Universidade do Estado do Rio Grande do Norte – UERN, Brasil
Análise da música eletroacústica: considerações da utilização da espacialização sonora como parâmetro da análise
A análise musical tem buscado desenvolver abrangências teóricas mais aprofundadas nos últimos anos com fins a permitir explicar os elementos estéticos e abordagens técnicas composicionais especialmente utilizadas na música eletroacústica. Esta comunicação propõe problematizar a necessidade de existência de um processo de análise musical que considere a escolha de manipulação do espaço sonoro usada pelo compositor como parte do pensamento estrutural. Teorias como as Unidades Semióticas Temporais, proposta pelos membros do Laboratoire Musique et Informatique de Marseille, o conceito imagem-de-som proposto por François Bayle, os arquétipos sonoros de Wishart (1996), a espectromorfologia de Smalley ou as propostas de Emmerson quanto ao discurso abstrato e abstraído se apoiam em uma
abstração da escuta reduzida ou nas relações extramusicais que os sons podem suscitar, além de, é claro, na descrição da evolução do timbre. Porém, o pré-requisito da análise musical, de se expressar enquanto uma metodologia científica, e, portanto, fundada sobre procedimentos concretos e estruturados, faz-nos perceber a necessidade de um suporte mais duradouro e menos abstrato que a interpretação auditiva e sensível em que a escuta reduzida se apoia. Assim sendo, acreditamos que a escolha do compositor quanto ao processo de espacialização da obra, seja na difusão em tempo real ou na fixação da informação musical em mídia, cria uma linha interpretativa analisável quanto à estrutura do pensamento composicional. A busca por uma metodologia que permita a utilização da espacialização sonora como parâmetro da análise fez-nos dialogar com filósofos como Martin Heidegger, Michel Foucault, Gilles Deleuze e Félix Guattari, sobre os conceitos de espaço desenvolvidos por estes. Constatamos que em seus textos é possível perceber a abrangência do processo de espacialização, sobretudo no que podemos nomear por espaço construído e espaço percebido. A representação espacial do som observada como um lugar heterotópico e que constrói uma rede de relações rizomáticas, ora territorializando as qualidades tímbricas ora desterritorializando-as e sendo vivenciada por factores cognitivos, fisiológicos e subjetivos passou a ser o ponto inicial desta reflexão.
Palavras-chave: Análise Musical, Música Eletroacústica, Espacialização Sonora, Gilles Deleuze, Félix Guattari
Hudson Lima
Universidade Federal do Rio de Janeiro – UFRJ, Brasil
A hierarquia como método: um ensaio etnográfico da função Líder em uma Orquestra Sinfônica
A pesquisa em andamento propõe o método etnográfico para investigar a produção de uma temporada de espetáculos destinados à difusão da música de concerto e fundamentar a abertura de possíveis questões sobre a prática, sua aplicação e a relação entre os músicos de orquestra, mantenedores e a plateia. Um dos objetivos será fazer um levantamento
bibliográfico que cite as práticas da música de concerto sob a luz da Antropologia e da
Etnomusicologia, assim como, na qualidade de pesquisador nativo, documentar o exercício das comissões artísticas e do público frequentador dos espaços nos quais essas manifestações são exercidas. Através do contato direto com os praticantes, a pesquisa observa uma temporada de concertos e a escuta do público ouvinte, além dos membros da orquestra, incluindo mantenedores; utiliza como ferramentas para a investigação em campo os conceitos de "Mundos Artísticos" e "Tipos Sociais" de Howard S. Becker (1977), os conceitos de “lugar” e “espaço” de Michel de Certeau (1984), e as contribuições de Pierre Bourdieu (1989) em As Formas de Capital e o conceito de biopoder de Michel Foucault (1970) em História da Sexualidade - vol. I.
Palavras-chave: Orquestra, Sinfônica, Etnografia
Inês Lamela
INET-md – Universidade de Aveiro, Portugal
Para além de "Vigiar e Punir": a prática de piano numa experiência em contexto prisional
A Música na Comunidade, um universo onde ideias e práticas musicais se fundem com a Antropologia, Sociologia e Etnomusicologia, tem vindo a emergir como área de investigação no seio do mundo académico, provocando uma ruptura com as abordagens tradicionais da
investigação em Música. No universo caleidoscópico da Música na Comunidade a prática musical com pessoas que vivem nas prisões está a emergir como uma das áreas mais importantes, assumindo-se quase como um campo próprio de pesquisa.
Em “Vigiar e Punir” Michel Foucault identifica a disciplina e "docilização" como os dois principais processos usados nas prisões para moldar e controlar os corpos e a vontade dos reclusos, numa tentativa de reconstruir identidades que obedeçam aos padrões
comportamentais exigidos para viver em sociedade. No entanto, esta estratégia é criticada por muitos, e diferentes sistemas prisionais procuram atividades e programas que contribuam mais positivamente para a experiência de reclusão.
Este trabalho descreve o projeto “Nas asas de um piano... aprendi a voar”, desenvolvido entre 2013 e 2014 numa prisão feminina em Portugal. Partindo de atividades como a improvisação, composição e memorização ou, numa fase mais tardia, a abordagem aos principios básicos da leitura de partitura, o trabalho individual com cada participante deu origem a três apresentações públicas, dentro e fora da prisão.
Isabel Varregoso Marisa Barroso
Instituto Politécnico de Leiria – Centro de Investigação em Qualidade de Vida Rafael Gomes
Instituto Politécnico de Leiria
Dança no ensino superior em Portugal – uma experiência no ensino politécnico
O presente relato dá a conhecer uma experiência de ensino da dança ao nível dos cursos de ensino superior. À exceção dos cursos que ministram formação específica em dança, em Portugal, os cursos de formação de técnicos na área das atividades desportivas e físicas, de forma geral, não contemplam a dança. Na Escola Superior de Educação e Ciências Sociais do Instituto Politécnico de Leiria, o curso de Desporto e Bem-Estar inclui a unidade curricular de Dança, porque se considera esta atividade expressiva, artística e comunicativa extremamente importante para o bem-estar individual e social.
Pretende-se que, no currículo, a Dança “seja um espaço de formação que contribua para a sensibilização e experimentação dos benefícios que as atividades corporais rítmicas
expressivas representam, quer para o desenvolvimento global de cada indivíduo, quer para o desenvolvimento social de grupos e comunidades” (Varregoso & Barroso, 2014-15). Ao longo da unidade curricular o aluno vivencia propostas estético-artísticas, usando o corpo e a música, individualmente e em grupo, em linguagens de imitação, improvisação e criação, onde é
observada a sua evolução e controlo do trabalho criativo, inovador, expressivo e comunicativo. É ensinada a dança na comunidade de raiz tradicional e popular, sendo os conteúdos
abordados em termos conceptuais e de estudo teórico sobre o valor da dança e seus variados benefícios. São vivenciadas experiências práticas, analisados contextos de aplicação das danças, estratégias de ensino e didática da dança como meios para os alunos poderem vir a abordar esta atividade em intervenções diversificadas.
Ao serem levados a dançar, visualizar danças, compreender o seu valor etnográfico,
patrimonial e artístico e a dinamizar danças, os alunos adquirem competências didáticas para o seu ensino, autonomia para gerir recursos materiais e humanos e são levados a intervir em contexto real, num evento de dança aberto a toda a comunidade.
Neste contexto, é ainda avaliada a “cooperação e interação com o docente e/ou colegas nas tarefas de grupo, a demonstração espírito crítico sobre a aprendizagem vivida, a intervenção na instrução de danças em contexto real e o domínio das componentes técnico-corporais das danças tradicionais e populares portuguesas e do mundo (Varregoso & Barroso, 2014-15). Palavras-chave: Dança, Ensino Superior, Programa
James Edward Armstrong
University of Surrey, United Kingdom
Towards the Influence of Space & Environment on a Musical Performance
Within Environmental Psychology, space and place have been widely acknowledged to influence human behaviour. However, musical performance studies have yet to establish an adequate scholarly discourse surrounding the impact of one’s environment on his or her performance, highlighting a large – and widely relevant – gap in current understanding. In this paper, I outline the methodology and early findings of an ongoing doctoral research project. The project investigates performance behaviour in three environments: firstly, the physical
environment; secondly, a simulated representation of the environment within a recording studio, and; thirdly, the environment and acoustical characteristics of the studio itself. The method used
expands upon previous research by Sato, E. (2011), Brereton, J. (2011), and Ueno, K. (2010) into the effects of room acoustics on a musical performance.
The study has indicated that performances are affected by the emotional influences of an environment in addition to its acoustical characteristics. Specifically, I have found a measurable difference in tempo, dynamic, and accentuation in repeated performances of multiple pieces in the three environments described. This research offers composers, performers, and studio engineers a greater understanding of the interrelationship between performer and venue, encouraging the use of both physical and simulated spaces as a performance tool. Increased attention to the role of space upon performance meets the need for a better understanding within environmental psychology of how environments are experienced and perceived aurally. Keywords: Music Performance, Audio Recording, Environmental Psychology
Jamie Corbett
Brown University, USA
Portuguese Sounds in American Spaces: Music of the Grandes Festas in New England How does public space become ethnically marked by sound? What work does genre do to include members of the Portuguese community, and exclude others, during the outdoor summer festival Grandes Festas do Espírito Santo? This paper explores the diversity of musical
performances in New England’s Lusophone community during the summer festival season as a sonic occupation of public space. Sonic occupation involves not only music, but also the sounds of crowds, floats, and speech amplified by sound systems. Following Katherine Brucher (2013, 2015), I understand that the music of the Grandes Festas can exclude and silence voices of Cabo Verdean and Brazilian communities of New England, servings as part and parcel of long-term discrimination in Lusophone New England. Building on fieldwork conducted in the
Portuguese neighborhoods of Cumberland, Rhode Island and Fall River, Massachusetts in 2015, I extend this inquiry into the constellation of Portuguese genres that contribute to the festa soundscape. In terms of genre, I focus on the music of ranchos folclóricos (multi-generational music and dance troupes that perform folk repertories) and bandas filarmónicas (marching wind bands) that contribute to music of festa processions, thus filling New England neighborhoods with Portuguese sounds. I also look to the dance music of the arraial, or open-air party that occurs after the procession has ended. Arraial genres encompass varying pop styles from Portugal, Brazil and the US. Genre, place and space create opportunities for inclusion and exclusion, such that Brazilian pop repertories may be appropriate for the dance space of the arraial, but not for the stately religious procession. I explore generic and place-based
hierarchies vis-à-vis linguistic, racial and cultural discrimination against Cabo Verdeans and Brazilians in the Lusophone community. Drawing on Fredrik Barth’s (1969) thesis on the necessity of boundaries in ethnicity-creating projects, I explore the shifting fissures and connections through music in the dynamics of New England’s Portuguese-speaking communities.
Keywords: Ethnicity, Genre, Processions, Public Space, Lusophone Communities, Grandes Festas
