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Elã
Célia Euvaldo
Eliane Prolik
Elizabeth Jobim
Julia Kater
Juliana Stein
Marina Weffort
Niobe Xandó
Yasmin Guimarães
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até 02 de abril
until april 02
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Inspirados pelo de 8 de março, celebramos nossas artistas mulheres com este recorte de trabalhos recentes, reconhecendo o significado e importância dessa data. Acreditamos na relevância e centralidade que a produção feminina teve e tem no cenário da arte moderna e contemporânea e, por isso, reunimos peças exemplares dentre as obras das artistas que compõem o corpo da Simões de Assis. Iniciativas como essa, de destaque e protagonismo às mulheres, contribuem para mudarmos a maneira como olhamos, valorizamos e circulamos a arte no Brasil.
Niobe Xandó é uma artista essencial no esforço de reescrita da história da arte brasileira, representando a inclusão de produções que escapam de definições temporais ou estilísticas. Sua obra desafia as narrativas correntes e revela uma artista singular e independente na lida entre figuração e abstração, espiritualidade e racionalismo, vocábulo e imagem.
Elizabeth Jobim, Célia Euvaldo e Eliane Prolik, assim como outras artistas do meio do século XX, compartilham de uma profunda filiação vanguardista, ancoradas em rigorosas pesquisas materiais; ao mesmo tempo, arriscam-se livremente em experimentações visuais entre a bi e a tridimensionalidade, atualizando e expandindo seus processos.
Já Julia Kater, Marina Weffort, Juliana Stein e Yasmin Guimarães – cada uma à sua maneira (e todas pertencentes a uma geração mais jovem) –, se aventuram por diferentes suportes, tensionando questões contemporâneas com materialidades variadas: da pintura a peças têxteis, da fotografia à colagem, do vídeo à instalação. O que une essas artistas não é um gênero, tema ou meio, mas sim um compromisso com a pesquisa, com a investigação visual e a expansão da arte. Juntas, formam um corpo diverso, vibrante e potente, e se apresentam como expoentes fundamentais de diferentes momentos da arte no país e de uma produção feminina.
Inspired by March 8th, we celebrate women artists, presenting a selection of the recent and exemplary works by the artists that are part of Simões de Assis. We believe in the relevance and vitality of feminine production in the context of modern and contemporary art. Such initiatives emphasize and shine the spotlight on women, contributing to changing the way we see, validate and promote art in Brazil.
Niobe Xandó, for example, is an essential name in the rewritings of Brazilian art history, representing the inclusion of works that escape rigid definitions. Her production challenges official narratives, revealing a singular and independent artist playing between figuration and abstraction, spirituality and rationality, word and image.
Elizabeth Jobim, Célia Euvaldo and Eliane Prolik, as well as other artists born in the mid 20th century, share a deep affiliation with avant-garde movements, anchored in rigorous material investigations; at the same time, they take risks in visual experimentations between two and three dimensional constructs, expanding their processes. Finally, Julia Kater, Marina Weffort, Juliana Stein and Yasmin Guimarães – each in their own way (but all belonging to a younger generation) –, venture out into different mediums, confronting contemporary issues and different materials: from painting to textiles, from photography to collage, from video to installation. What strings these artists together isn’t gender, theme or medium, but a strong commitment to their research, to advanced visual inquiry, and to a constant expansion of their artistic process. As a whole, they form a diverse, vibrant and powerful body, while asserting themselves as exponents from different generations within a feminine framework.
Célia Euvaldo (São Paulo, 1955) é pintora e desenhista. Com mais de quatro décadas de produção, suas telas e desenhos realizados demonstram o rigor com que a artista se dedica a explorar os recursos disponíveis, que, por auto-imposição, são mínimos. Tais meios tornam-se “variáveis” na ação da artista, na medida em que sua combinação define o objeto final. Entre rodos, vassouras e brochas, grandes e pequenas escalas, além do característico preto marfim (recentemente combinado com outras cores), o trabalho de Euvaldo não é expressionista ou gestual, mas o gesto em si.
Denominadas pela artista como “coisas”, as cores se inserem como matéria “densa” (preto) e matéria “diluída” (demais cores) no plano da tela, deixando ver-se o claro do tecido. Como afirma o curador e crítico Ronaldo Brito, “elas [as cores] irrompem no quadro, resolutas, instintivamente misturadas e diluídas. A sabedoria consiste em achar sua ‘temperatura’, o grau de intensidade que as confronte e aproxime aos pretos e brancos com os quais se estranham e convivem”.
A profusão de obras advindas da escassez de “variáveis” afirma a potência infinda da artista. O rigor característico de Euvaldo reitera o valor da arte de se apresentar como tal e não estar a serviço de outros meios. Apresenta-se, portanto, uma produção completamente a par de si.
Célia Euvaldo (São Paulo, 1955) is a painter and draftswoman. With more than four decades of production, her canvases and drawings demonstrate the rigor with which the artist is dedicated to while exploring the available resources, which, due to self-imposition, are minimal. Such means become “variable” in the artist’s action, insofar as their combination defines the final object. Between squeegees, brooms and brooches, large and small scales, in addition to the characteristic ivory black (recently combined with other colors), Euvaldo’s work is not expressionist or gestural, but the gesture itself.
Denominated by the artist as “things”, the colors are inserted as “dense” matter (black) and “diluted” matter (other colors) in the plane of the canvas, showing the clearness of the fabric. As curator and critic Ronaldo Brito says, “they [the colors] burst into the picture, resolute, instinctively mixed and diluted. Wisdom consists in finding your ‘temperature’, the degree of intensity that confronts them and brings them closer to the blacks and whites with whom they are strangers and live with”.
The profusion of works arising from the scarcity of “variables” affirms the artist’s endless power. Euvaldo’s characteristic rigor reiterates the value of the art of presenting itself as such and not being at the service of other means. Therefore, there is a production that is completely in tune with itself.
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Célia Euvaldo Sem título, 2018 óleo sobre tela oil on canvas 220 x 170 cm
Célia Euvaldo Sem título, 2018 óleo sobre tela oil on canvas 220 x 170 cm
Eliane Prolik (Curitiba, Paraná, 1960) trabalha com esculturas, objetos, instalações. Eliane Prolik inicia sua produção tridimensional em 1986, realizando esculturas com base na geometria, criando planos que se desdobram no espaço. Segundo, o crítico Paulo Herkenhoff, as esculturas de Prolik associam-se à produção de Lygia Clark e às esculturas de ferro de Amilcar de Castro.
Paralelamente a essas esculturas de filiação neoconcreta, realiza obras que se abrem a outras percepções, explorando o vazio, as reflexões de imagens e as formas de objetos cotidianos. Cria peças de cobre, que podem ter a forma de vaso, contidas uma dentro da outra, ou pêndulos, congelados em seu movimento, ou ainda objetos que fazem alusão a formas geométricas, como cones. Emprega formas curvas, volumes ocos, aparentemente flexíveis e sem peso, que estão em permanente tensão ou em delicado equilíbrio. Os trabalhos da década de 1990 resgatam formas de objetos cotidianos, que assumem outro caráter. Na opinião do crítico Ivo Mesquita, Prolik se apropria dessas formas para repotencializá-las. Nas peças de cobre, explora a superfície, que mantém os gestos da moldagem. Para o crítico Paulo Venâncio Filho, o trabalho com metal repuxado, empregado pela artista nos objetos de cobre, deriva de uma tradição cigana que utiliza essa técnica na fatura de objetos cotidianos. O procedimento, ao ser transposto para as formas escultóricas, impõe ao familiar uma substância poética que o torna subitamente estranho. O som do metal também é sugerido nessas formas, que parecem estar à espera de um toque que desperte nelas uma vibração.
Eliane Prolik (Curitiba, Paraná, 1960) works with sculptures, objects and installations. Eliane Prolik started her three-dimensional production in 1986, making sculptures based on geometry, creating plans that unfold in space. According to the critic Paulo Herkenhoff, Prolik’s sculptures are associated with the production of Lygia Clark and the iron sculptures of Amilcar de Castro.
Alongside these sculptures of neoconcrete affiliation, she creates works that open up to other perceptions, exploring the void, the reflections of images and the forms of everyday objects. Prolik creates copper pieces, which can be in the shape of a vase, contained within each other, or pendulums, frozen in their movement, or even objects that allude to geometric shapes, such as cones. It employs curved shapes, hollow volumes, apparently flexible and weightless, that are in permanent tension or in delicate balance.
The works of the 1990s rescue forms of everyday objects, which assume a different character. In the opinion of critic Ivo Mesquita, Prolik appropriates these forms in order to re-potentialize them. In copper pieces, it explores the surface, which maintains the molding gestures. For the critic Paulo Venâncio Filho, the work with spun metal, used by the artist in copper objects, derives from a gypsy tradition that uses this technique in making everyday objects. The procedure, when transposed to sculptural forms, imposes on the familiar a poetic substance that makes it suddenly strange. The sound of metal is also suggested in these shapes, which seem to be waiting for a touch that awakens a vibration in them.
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Eliane Prolik
Pra Que - Conjunto com 10 placas avulsas, 2007 - 2009 placa de veículo em alumínio
aluminum vehicle license plate 13 x 40 x 5 cm cada each
Eliane Prolik
Defórmica 96 A e B, 2020 fórmica e alumínio formica and aluminum 151 x 155 cm
Elizabeth Jobim (Rio de Janeiro, RJ, 1957) Desenhista, pintora e gravadora. Em seus trabalhos, Elizabeth Jobim apresenta formas aparentemente autorreferentes, mas que na verdade têm como ponto de partida o mundo concreto. A artista tem investigado uma ideia expandida de pintura, ao produzir objetos e instalações nos quais a ordem dos painéis pintados, de formatos e volumes variados, é alterada a cada exposição para se integrarem poeticamente aos espaços arquitetônicos onde são exibidos, fazendo emergir diferentes e específicos olhares e significados.
Nas pinturas de Elizabeth Jobim o vazio, o limite, ou simplesmente o branco em suas telas, nos levam à compreensão de que estamos diante de ou adentrando espaços arquitetônicos. Figura e fundo trabalham incessantemente, fazendo com que a pintura avance em direção ao espaço. São casas, quartos, salas, janelas ou portas metaforizadas por meio de uma economia de elementos regida por torções, deslocamentos, fraturas e passagens, todos viabilizados pelo diálogo profícuo entre cor, vazio e uma estrutura impregnada de um saber arquitetônico. Suas pinturas colocam em dúvida aquilo que está diante de nós. Linhas e fraturas se transformam rápida e sucessivamente em espaços a serem compreendidos como módulos, como habitações, e esse é um momento chave porque a pintura começa a exigir a presença do corpo. Os módulos criados por Elizabeth Jobim dialogam com os Objetos ativos de Willys de Castro, pois a experiência do olhar não se restringe a um exercício formalista de apreciação da obra mas fundamentalmente a um jogo de ativação de espaços e contradições, pois ora as obras desses dois artistas fabricam um elemento inclinado a enganar a ortogonalidade, ora apresentam uma adição que equilibra a simetria.
Elizabeth Jobim (Rio de Janeiro, RJ, 1957) Draftswoman, painter and engraver. In her work, Elizabeth Jobim presents forms that are apparently self-referential, but which actually have the concrete world as their starting point.The artist has investigated an expanded idea of painting, by producing objects and installations in which the order of the painted panels, of varying shapes and volumes, is changed at each exhibition to integrate poetically with the architectural spaces where they are displayed, making different and specific looks and meanings emerge.
In Elizabeth Jobim’s paintings, the void, the limit, or simply the white on her canvases, lead us to the understanding that we are facing or entering architectural spaces. Figure and background work incessantly, making the painting advance towards space. There are houses, rooms, windows or doors metaphorized through an economy of elements governed by twists, displacements, fractures and passages, all made possible by the fruitful dialogue between color, emptiness and a structure impregnated with architectural knowledge. Her paintings call into question what is before us. Lines and fractures are quickly and successively transformed into spaces to be understood as modules, as dwellings, and this is a key moment because painting begins to demand the presence of the body.
The modules created by Elizabeth Jobim dialogue with Willys de Castro’s Active Objects, as the experience of looking is not restricted to a formalistic exercise of appreciating the work but fundamentally to a game of activating spaces and contradictions, as sometimes the works of these two artists manufacture an element inclined to deceive orthogonality, sometimes they present an addition that balances symmetry.
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Elizabeth Jobim Sem título, 2020 óleo sobre tela oil on canvas 200 x 50 x 18 cm
A pesquisa da artista Julia Kater é orientada pela elaboração de um corpo de trabalho que possa tratá-lo de sua improbabilidade visual. Seja pela colagem provocada por diferentes impressões fotográficas sobrepostas ou por vídeos que trazem o rearranjo de um conjunto de ações e frases, cada trabalho, à sua maneira, prioriza a elaboração de corpos de cenas cotidianas que sugerem experiências compartilhadas simultâneas com a memória persistente, juntamente com sua luta pelo esquecimento, seu aliado e a causa da perda gradual de grande parte das verdades. As relações entre a fotografia e a paisagem são centrais na pesquisa de Julia Kater. A linguagem fotográfica aparece de forma insistente com um olhar que registra ambientes abertos nos quais a água é muitas vezes predominante. Em contraste, em outras obras vemos elementos que remetem a quintais, mesas e objetos domésticos. As situações recordam de maneira silenciosa férias e trocas afetivas que se dão com alguma rotina em um mesmo lugar. São fotografias que nascem da contemplação de algo maior que a escala humana: da natureza e de sua imensidão e, ao mesmo tempo, do vazio proporcionado pela passagem do tempo.
A maneira como a artista apresenta essas obras, porém, não a coloca na esteira da fotografia clássica; seu interesse está na sobreposição de camadas de imagem. A fotografia traz um volume e uma tridimensionalidade que transformam a imagem habitualmente vista como um espelho do real em uma massa de informações. O resultado não se trata de algo visceral; os recortes distribuídos, mesmo que irregulares, parecem pensados de maneira cirúrgica. As linhas sobrepostas a uma imagem remetem, por exemplo, às silhuetas de montanhas ou ao contorno do corpo humano. Desenha-se com a fotografia sobre a fotografia, e são sugeridas novas narrativas distribuídas nas imagens de uma mesma série.
A research by artist Julia Kater is guided by the elaboration of a body of work that can deal with its visual improbability. Whether by the collage caused by different overlapping photographic prints or by videos that bring or reorganize a set of actions and phrases, each work, in its own way, prioritizes the elaboration of bodies of everyday scenes that suggest simultaneous shared experiences with a persistent memory, only with its struggle for oblivion, its ally and the cause of the gradual loss of most of the truths.
The relationship between photography and the landscape is central to Julia Kater’s research. A photographic language appears insistently with a look that registers open environments in which water is often prevalent. In contrast, in other works, we see elements that refer to backyards, tables and household objects. The situations register a silent way of holidays and affective exchanges that can allow some routine in the same place. They are photographs that are born from the contemplation of something larger than the human scale: nature and its immensity and, at the same time, from the emptiness provided by the passage of time. The way in which the artist presents these works, however, does not put in the wake of classical photography; his interest is in the composition of image layers. A photograph brings a volume and a three-dimensionality that transforms an image usually seen as a real mirror into a mass of information. The result is not something visceral; the distributed cutouts, even if irregular, seem to be thought of in a surgical way. Like lines superimposed on a sender image, for example, the silhouettes of mountains or the outline of the human body. One draws with a photograph on photography, and new narratives are suggested distributed in the images of the same series.
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Julia Kater
Sem título, série Lugar do outro, 2020
recorte de fotografia impressa sobre papel algodão photo cutout printed on cotton paper
Julia Kater
Sem título, série Em torno, 2016
recorte de fotografia impressa sobre papel algodão photo cutout printed on cotton paper
Juliana Stein (Passo Fundo, RS – 1970) formou-se em Psicologia e, em seguida, viveu em Veneza e Florença por dois anos, onde estudou desenho, história da arte e aquarela. Começou a fotografar no final dos anos noventa.
Inicialmente, as séries fotográficas de Juliana Stein enunciam e documentam a crise em que submergiu a ideia de sujeito moderno, ancorada numa concepção de seres humanos uniformes e dotados de identidade fixa e autonomia plena. Em vez da afirmação da integridade desse sujeito, é o seu caráter fragmentado e difuso que seus trabalhos apontam. Em vez de identidades estáveis, é o efêmero e o múltiplo que assinalam. A postura afirmativa de cada um deles parece dar sentido comum e potência a desejos que se querem diferentes daquilo que é imposto como norma.
Mais recentemente, sua obra se transforma, colocando em xeque a representação dos territórios da arte, espaços e sujeitos. Curtos textos agora são impressos em placas de acrílico, que Stein denomina como autobiográficos. “Tudo se passa como se meu poder de acesso ao mundo e o de entrincheirar-me nos fantasmas não existissem um sem o outro. Assim, é justamente quando tento me aproximar que crio um afastamento.” Os questionamentos de Stein já estavam presentes em discursos anteriores, como imaginação, indignação e tempo presente. Ela se refere a um momento único e particular que já não existe e que se deixa marcar no tempo que já não é. Stein abandona o sujeito explícito de suas fases anteriores, para trabalhar com ficções do sujeito enigmático, lúdico, misterioso. Esta pesquisa é uma tentativa de articular espaços da fotografia em torno do sentido opaco das coisas que escapam, e que nos inscrevem mais do que podemos escrever sobre elas.
Juliana Stein (Passo Fundo, RS - 1970) graduated in Psychology and then lived in Venice and Florence for two years, where she studied drawing, art history and watercolor. She started shooting in the late nineties.
Initially, Juliana Stein’s photographic series enunciate and document the crisis in which the idea of the modern subject was submerged, anchored in a conception of uniform human beings, endowed with fixed identity and full autonomy. Instead of affirming the integrity of this subject, it is her fragmented and diffuse character that her works point out. Instead of stable identities, it is the ephemeral and the multiple that mark. The affirmative stance of each of them seems to give common sense and power to desires that want to be different from what is imposed as a norm.
More recently, her work has been transformed, putting into question the representation of the territories of art, spaces and subjects. Short texts are now printed on acrylic plates, which Stein calls autobiographical. “Everything happens as if my power to access the world and to entrench myself in ghosts did not exist without one another. So, it is precisely when I try to get closer that I create a distance”. Stein’s questions were already present in previous speeches, such as imagination, indignation and present time. It refers to a unique and particular moment that no longer exists and that allows itself to be marked in time that is no longer. Stein abandons the explicit subject of her previous phases, to work with fictions of the enigmatic, playful, mysterious subject. This research is an attempt to articulate spaces in photography around the opaque sense of things that escape, and that inscribe us more than we can write about them.
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Juliana Stein
A verdade é cheia de erros, 2017 acrílico e metal
acrylic and metal 120 x 154 cm
Juliana Stein
Sente mas não sabe que sente então não sente, 2017 acrílico e metal
acrylic and metal 120 x 90 cm
Marina Weffort (São Paulo, SP, 1978) lida com noções de movimento, gravidade, estaticidade, tensionamento e luz, em sua construção de formas. Trabalha, em especial, com esculturas, tecidos e desenho.
As esculturas produzidas a partir dos anos 2000 trazem objetos cotidianos que aludem a naturezas-mortas, em estruturas estáticas em aparente iminência de desequilíbrio. Seus tecidos, por sua vez, se valem de uma lógica construtiva a fim de explorar questões como cheio e vazio, superfície e profundidade. Sem maiores artifícios, inclusive na forma de apresentá-los, pois são presos com pequenos pregos diretamente à parede, a artista nos apresenta estruturas que se valem do rigor dos elementos estruturantes inerentes ao material escolhido. Seu fazer artístico, no entanto, difere fundamentalmente daquilo que é esperado de obras com tecido, em que há um exercício da construção pela adição. Sobre panos pré-fabricados, Marina pinça fios, retirando-os da trama e assim revelando imagens.
Ainda que preferido, o tecido não é a matéria-prima exclusiva da artista. Em paralelo a sua produção têxtil, Marina cria aquarelas monocromáticas, que dialogam com seu outro corpo de obras.
Marina Weffort (São Paulo, SP, 1978) deals with notions of movement, gravity, static, tension and light, in her construction of forms. She works, in particular, with sculptures, fabrics and design.
The sculptures produced from the 2000s bring everyday objects that allude to still lifes, in static structures in apparent imminence of imbalance. Her fabrics, in turn, make use of a constructive logic in order to explore issues such as full and empty, surface and depth. Without greater artifice, even in the way of presenting them, as they are attached with small nails directly to the wall, the artist presents us with structures that make use of the rigor of the structural elements inherent to the chosen material. Her artistic work, however, differs fundamentally from what is expected from works with fabric, in which there is an exercise in construction by addition. On pre-fabricated cloths, Marina pinches threads, removing them from the weave and thus revealing images.
Although preferred, the fabric is not the artist’s exclusive raw material. In parallel to her textile production, Marina creates monochromatic watercolors, which dialogue with her other body of works.
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Marina Weffort Sem título, 2019 aquarela sobre papel watercolor on paper 59 x 42 cm
Marina Weffort Sem título, 2019 aquarela sobre papel watercolor on paper 59 x 42 cm
Niobe Xandó (Campos Novos Paulista, São Paulo - 1915-2010) foi uma artista autodidata com mais de cinco décadas de trabalho consistente. O desvio de qualquer corrente artística ou movimento de contornos nítidos é possivelmente a única característica consistente na trajetória da artista. Sua pesquisa de maior destaque parece aterrar a produção de Xandó a um confronto existencial intrínseco ao indivíduo contemporâneo: o encontro da espiritualidade de um mundo arcaico com o progresso tecnológico da sociedade urbana. É na contra-mão das tendências da arte concreta e, logo, pela arte conceitual dos anos 1970 que Xandó crava sua independência estilística. Embora vertentes do dadaísmo e surrealismo sejam identificadas nas telas deste período, Xandó não se filia a qualquer movimento. A mutação do ser e seus signos lhe interessavam. A este jogo de forças perene entre a ideia de sacralidade de um mundo anterior e a velocidade imprimida nos corpos pela evolução tecnológica, Xandó deu o nome de Mecanicismo. É assim que surgem seus seres unicelulares, totêmicos, planares no espaço pictórico, além da investigação gráfica da palavra.
Niobe Xandó (Campos Novos Paulista, São Paulo - 1915-2010) was a self-taught artist with more than five decades of consistent work. The deviation from any artistic current or movement of clear contours is possibly the only consistent feature in the artist’s trajectory. Her most prominent research seems to ground Xandó’s production to an existential confrontation intrinsic to the contemporary individual: the encounter of the spirituality of an archaic world with the technological progress of urban society.
It is against the grain of concrete art trends and, therefore, for the conceptual art of the 1970s, that Xandó nails her stylistic independence. Although aspects of Dadaism and Surrealism are identified on the screens of this period, Xandó does not join any movement. The mutation of being and its signs interested her. To this perennial game of forces between the idea of ??the sacredness of a previous world and the speed imprinted on bodies by technological evolution, Xandó gave the name Mechanism. This is how her unicellular, totemic, planar beings appear in the pictorial space, in addition to the graphic investigation of the word.
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Niobe Xandó Sem título, 1988 óleo sobre tela oil on canvas 73,5 x 57 cm
Niobe Xandó Sem título, 1969
técnica mista sobre papel mixed media on paper 85,5 x 70 cm
Her pictorial work started on paper and developed to minute linen canvases. Guimarães deals with the planar quality of the canvas by inserting stains or brief suggestions of geometric forms, sporadic indications of landscapes that are autonomous as far as perspective axles, points of escape or the mathematics of light incidence. Some elements have their presence suggested through a game of proposition. As curator Douglas de Freitas said: “Among a proliferation of supports and techniques, drawing is a constancy in the pictorial production of the artist, and it is manifested in distinctive ways, as sophisticated drawing, scribbling, or schematic images, almost as rupestrian or children’s drawings”.
The artist’s freedom to do things manifests itself, depositing ink only on the edges and surroundings, leaving the canvas naked as the central theme, or even in the use of voile and tissue paper, which in turn create a kind of painting without ink, exploring the possibilities for expanding the limits of thinking and painting. The transcendence of the support, regardless of the intention to create an imaginary or abstract landscape, creates a poetics that translates feelings, sensations, lightness, and perhaps does so as a way of supporting the conflicts inherent in existence, as a way of ordering chaos, an order whose measure is instinct itself.
Niobe Xandó (Campos Novos Paulista, São Paulo - 1915-2010) was a self-taught artist with more than five decades of consistent work. The deviation from any artistic current or movement of clear contours is possibly the only consistent feature in the artist’s trajectory. Her most prominent research seems to ground Xandó’s production to an existential confrontation intrinsic to the contemporary individual: the encounter of the spirituality of an archaic world with the technological progress of urban society.
It is against the grain of concrete art trends and, therefore, for the conceptual art of the 1970s, that Xandó nails her stylistic independence. Although aspects of Dadaism and Surrealism are identified on the screens of this period, Xandó does not join any movement. The mutation of being and its signs interested her. To this perennial game of forces between the idea of ??the sacredness of a previous world and the speed imprinted on bodies by technological evolution, Xandó gave the name Mechanism. This is how her unicellular, totemic, planar beings appear in the pictorial space, in addition to the graphic investigation of the word.
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Yasmin Guimarães Sem título, 2020 óleo sobre linho oil on linen 130 x 150 cm
Yasmin Guimarães Sem título, 2020 óleo sobre linho oil on linen 30 x 24 cm
Curitiba
al. carlos de carvalho 2173a 80730-200 pr brasil +55 41 3232-2315 simoesdeassis .c om @simoesdeassis_ São Paulo rua sarandi 113a 01414-010 sp brasil +55 11 3063-3394
