Quando Buñuel corta o olho de uma mulher com uma navalha em êxtase, ele se abre ao oculto, às sombras do inconsciente. A ação radical que realiza revela o desejo pelo seu objeto, que se torna palpável através das fotografias e de suas histórias pessoais em forma de diário.
Paula Cabral 1
O apagamento de um dos rostos, bem como das máscaras utilizadas por “As Graças” de Witkin na composição pictórica, pode ser um símbolo da crítica da artista em relação ao lugar de escuridão, marginalidade e exclusão que as travestis ocupam em nossa tomada sociedade. , que geralmente habitam um certo limbo social. No entanto, como já mencionado, "As Graças" de Witikin carregam uma caveira de macaco nas mãos.
Hamish Fulton: muitas caminhadas e uma obra 1 Texto e Fotos de Susana Dobal 2
A fotografia aparece na obra de Hamish Fulton como um elemento adicional, que aparentemente, como em outros casos de arte conceitual, serviria apenas para registrar lugares. A experiência de corrida de Hamish Fulton também se torna uma experiência de manipulação de meios plásticos e verbais para expressar uma concepção particular da natureza. 3 O trabalho de Hamish Fulton segue um programa rigoroso que exige consistência no uso de informações precisas e algumas estratégias formais.
Hamish Fulton não recorre a uma copiosa associação de ideias, mas usa a caminhada como estímulo para mudar as normas convencionais de percepção. 4 Além das informações mínimas na maioria das imagens sobre o percurso, localização e duração das caminhadas, ver por exemplo a lista de palavras referentes ao cenário da caminhada no Texas (1997), dispostas em colunas sucessivas de letras, em uma trabalho reproduzido em seu site, www.hamish-fulton.com imagem nº Muitas das fotografias de Hamish Fulton empregam tomadas amplas, como é comum na pintura de paisagem e na fotografia para representar um grande espaço.
O aspecto político do trabalho de Hamish Fulton também transparece na sua defesa da natureza, um bem comum a ser preservado através do envolvimento colectivo. A atitude reverente da devoção religiosa transparece assim nesta série, que mais uma vez utiliza regras reduzidas e predeterminadas, de acordo com o procedimento geral da obra de Hamish Fulton.
Fernanda Grigolin
O Paraíso começa com a formação dos rios e sua flora exuberante, e com os peixes que habitam o paraíso, e termina com a sua destruição pela ação humana. O paraíso tem território; o encontro de todos os mares é numa grande cidade, na grandiosidade de uma megalópole. O símbolo do tempo materializa-se na imagem do relógio, que segue imediatamente uma imagem da cidade.
O que as imagens nos dizem refere-se à nossa condição humana, à nossa mortalidade; Tudo o que precisamos fazer é sair do paraíso e do curso dos dias. Poderíamos dizer que a obra de Lagarde se aproxima do conceito denominado contravisão por Joan Fontcuberta (2011). Isso porque Paraíso de Lagarde nos guia para um campo latino-americano presente nos seres imaginários de Jorge Luís Borges e seus textos da época, ou mesmo em Comala, de Rulfo, cuja narrativa fragmentada retorna ao primeiro e ao terceiro jogos.
São Isidoro, Pierre d'Ally aparece em textos com imagens de Adão e Eva (representados pelas placas do banheiro), mas os protagonistas da história são os Aloxotes e a Cidade do México. O tempo é um rio que me arrebata, mas eu sou o rio; você é um tigre que me destrói, mas eu sou o tigre; É um fogo que estou consumindo, mas eu sou o fogo.
Fábio Gatti
Estabelece o papel superior da ciência em relação à arte no tratamento da fotografia. 84 À semelhança do que Kuhn enfatizou em relação à ciência ao visitar a tese de Gombrich sobre a historiografia da arte, o mesmo acontece com a história da fotografia. Durante algum tempo – embora muito mais rapidamente do que na análise de Gombrich e do que na ciência – a história da fotografia apagou certos acontecimentos dos seus anais, mas num movimento paralelo ao da história da arte, recuperou-os para incluí-los em si. da profissão2.
Towson em seu artigo intitulado "A História da Fotografia até o Ano publicado nas Transações da Sociedade Histórica de Lancashire e Cheshire (Liverpool) em 1865 faz referência clara à ideia de progresso cumulativo: "Na intenção de traçar o progresso . da Ciência da Fotografia, é necessário falar da grande variedade de classes distintas de descobertas, cujas combinações são necessárias para elucidar seu progresso atual"3. 2 - Para saber mais sobre essas reflexões, veja a obra de Thomas Kuhn chamada The Estrutura das Revoluções Científicas e o texto de José Carlos Pinto de Oliveira intitulado História da Ciência e História da Arte – uma introdução à teoria de Kuhn A fotografia revolucionou a física, a química, a arte e a ciência em geral.
6 - Este conceito foi estudado por José Carlos Pinto de Oliveira no seu projeto de investigação intitulado Thomas Kuhn, História da Ciência e História da Arte. Este pequeno artigo pretendeu ser um ponto de partida para visitar a história da fotografia na perspectiva de Thomas Kuhn, observando as mudanças de paradigmas, a proposta de uma nova historiografia da ciência e a tensão entre ciência, arte e fotografia.
Gabriela Coppola 1
97 solidão, vida e vazio nas suas fotografias de Tóquio e até nos seus retratos de modelos e/ou amantes que ficam congelados nas imagens e presos em posições de submissão ou devoção ao fotógrafo e à sua imagem. 2 Procurando mais informações sobre esta revista, infelizmente não foram encontrados a periodicidade, tema ou anos de publicação da publicação, mas é possível adquirir uma publicação do mesmo autor, datada de 1985, através do site: http: // www .amazon .com/Nobuyoshi-Araki-Shashin-Import-special/dp/B0072VVAD6 Acessado em 11 de junho. Em 1976 abriu a Escola Privada de Fotografia de Araki, com cerca de dez alunos e continuou a publicar séries fotográficas em revistas.
110 Fragmentos da vida e obra do fotógrafo Nobuyoshi Araki foram condensados e contados no documentário Arakimentari, dirigido por Travis Klose, em 2004. Este filme discute aspectos de sua busca por imagens fotográficas e algumas das polêmicas em torno de seu impacto na cultura japonesa. e promovem uma forma de compreensão sobre o artista-personagem-sujeito-fotógrafo que constitui a figura profissional e pessoal de Araki. Enquanto a voz feminina narra as perguntas em japonês e elas aparecem em inglês em diferentes cantos da tela, mudando a expectativa lógica da legenda, as imagens que aparecem são de diversas fotografias de Araki: nus, pedaços de comida, bondages, orgasmos, fotos que parecem flagrantes, fotos que parecem encenadas, coloridas, manchadas, fotos azuladas, paisagens, modelos avulsas, modelos acompanhadas; sua esposa, seu jardim e seu gato permanecem visíveis por mais tempo do que as outras imagens.
A própria escolha das músicas privilegiou o ritmo e as possibilidades de Araki como algo vivo, rápido e percussivo. Biografia de Nobuyoshi Araki (compilada para publicação "Kukei, Kinkei' - Laments: Skyscapes / From Close Range edited) [online].
Por um manifesto pós-fotográfico 1
Joan Fontcuberta 2 (tradução de Gabriel Pereira)
O crítico Clément Chéroux escreve: “Do ponto de vista da sua utilização, é uma revolução comparável à instalação de água corrente nas casas no século XIX. Certamente as fissuras deste bestiário fotográfico – embora haja, para ser sincero, muita competência – são o cão Rufus e a gata Nancy Beans, que nos oferecem documentos pitorescos da perspectiva canina e felina da comunidade urbana dos seus donos. (Reiji Kanemoto e Christian Allen respectivamente). Isto provoca uma nova loucura na Internet: um safari em busca do aleatório, do surpreendente, do incomum.
Nas artes visuais buscou um lugar confortável, com a arte visual inglesa se espalhando pelo mundo como uma cobra venenosa – quase autoritária – impedindo muitas manifestações de criação artística e criação com a autoria fotográfica, ainda que enfatizada, para além dos retratos de Nadar. Não vale a pena lembrar o potencial uso que Lartigue fez do aparelho no início do século XX, já que seu trabalho não teve influência na época da produção, mas sim Atget, como mentor de um novo lugar de ação fotográfica. 134 Neste artigo pretendo centrar-me na produção artística espanhola, partindo de um estudo de reconhecidos artistas espanhóis, desde Joan Fontcuberta e do uso que fez da fotografia para expressar e compor as suas obras, como uma primeira inflexão na arte espanhola onde a fotografia foi uma experimentar, além de apenas uma expansão das percepções visuais, mas principalmente a busca por novas linguagens hibridizadas que influenciarão a geração do movimento madrileno e os atuais fotógrafos modernos.
O artigo centra-se na investigação que resultou numa exposição com curadoria de Joan Foncuberta na década de noventa e que trouxe à luz obras de conhecidos artistas espanhóis associados à vanguarda europeia com a fotografia, para além de um uso puramente instrumental, mas antes como processo criativo e experiência. Diferentemente do uso instrumental do dispositivo óptico, López estende o tempo de pintura em décadas para completar uma obra.
Érico Elias
Segundo seu ponto de vista ontogenético, o cinema nasceu sob a influência de uma vertente documental, representada pelos filmes dos irmãos Lumière, e de uma vertente ficcional, inspirada nas artimanhas de Georges Meliès. É uma interpretação do mundo filtrada por uma subjetividade ativa e explícita, mais uma entre muitas interpretações possíveis, uma bela mistura de pensamentos, reflexões, análises e memórias5. O marcador expõe ao espectador o procedimento específico de construção de significados e de direcionamento da leitura de uma imagem.
A narrativa, montada em forma de conversa, remete ao dialogismo platônico, embora não seja um jogo de perguntas e respostas que domine, mas uma sobreposição de comentários que se complementam ou se chocam. Mas a fotografia não pertence ao mundo, quando se ultrapassa a fronteira entre o que se vê e o que se regista, já não se trata da realidade, mas sim de uma imagem, de uma entidade que toma o seu lugar. Os interlocutores apoiam a hipótese de uma verdadeira comunidade internacional subjacente a todas as divisões políticas, formada por todas as crianças do mundo.
Si J'Avais 4 Dromadaires é um filme de embates, embates entre diferentes vozes, entre imagens de diferentes origens e naturezas, entre posições reacionárias que defendem privilégios e a necessidade de uma revolução emancipatória. É uma obra que expressa o pensamento de décadas de contrastes, uma mistura de filme fotográfico de apropriação com filme de formação, fotografia como cinema.
Expediente Studium 36
Apoio: Unicamp / IA / FAEPEX
Laboratório de Media e Tecnologias de Comunicação Dpto. de Multimeios / Instituto de Artes da Unicamp
