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Orquestra
Orquestra
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Música
Música
STUDIO STUDIO NO NO REREMaestro
Maestro
Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre. Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.
O papel do
O papel do maestromaestro,, regenteregente ouou condutorcondutor é dar uniformidade a um grande é dar uniformidade a um grande contingente instrumental ou vocal para que todas sigam o tempo, a dinâmica e o contingente instrumental ou vocal para que todas sigam o tempo, a dinâmica e o andamento indicado na partitura, pois sem ele cada músico ou cantor perderia a andamento indicado na partitura, pois sem ele cada músico ou cantor perderia a marcação do tempo em relação aos outros. Em síntese, ele é o chefe do grupo, aquele marcação do tempo em relação aos outros. Em síntese, ele é o chefe do grupo, aquele que dita as ordens, impondo na maioria das vezes a sua "interpretação" à obra musical. que dita as ordens, impondo na maioria das vezes a sua "interpretação" à obra musical. Porém a figura do maestro ditador, prepotente e arrogante vem entrando em decadência Porém a figura do maestro ditador, prepotente e arrogante vem entrando em decadência há um bom tempo, e as grandes orquestras do mundo vêm preferindo assim regentes há um bom tempo, e as grandes orquestras do mundo vêm preferindo assim regentes que se coloquem no mesmo nível dos outros integrantes da orquestra, sabendo que eles que se coloquem no mesmo nível dos outros integrantes da orquestra, sabendo que eles estão ali juntos para fazer música e não impor ordens.
estão ali juntos para fazer música e não impor ordens.
História
História
O maestro O maestro O
O MaestroMaestro como conhecemos hoje surgiu no Romantismo musical, quando a como conhecemos hoje surgiu no Romantismo musical, quando a massa orquestral ou coral tomou grandes proporções. Antes disto, no barroco e no massa orquestral ou coral tomou grandes proporções. Antes disto, no barroco e no período
período clássico, clássico, a a figura figura do do maestro maestro não não era era materializada. materializada. Os Os grupos grupos eram eram pequenospequenos (orquestras de câmara) e todos os músicos podiam se entreolhar para analisar dinâmicas (orquestras de câmara) e todos os músicos podiam se entreolhar para analisar dinâmicas e entradas. Porém, já no classicismo, com o início do crescimento da massa orquestral e entradas. Porém, já no classicismo, com o início do crescimento da massa orquestral (ou coral), quem "coordenava" era o músico mais visível: o primeiro violinista ou algum (ou coral), quem "coordenava" era o músico mais visível: o primeiro violinista ou algum instrumentista de sopro. Em composições com acompanhamento por instrumento de instrumentista de sopro. Em composições com acompanhamento por instrumento de teclado, o cravo na época e depois o piano, quem tocava este instrumento "regia" a teclado, o cravo na época e depois o piano, quem tocava este instrumento "regia" a orquestra.
orquestra.
Uma evolução deste estado inicial foi a marcação do tempo (métrica musical) Uma evolução deste estado inicial foi a marcação do tempo (métrica musical) através de batidas de um bastão no chão. Porém este ruído produzido pela batida, através de batidas de um bastão no chão. Porém este ruído produzido pela batida, afetava diretamente a música, pois todos os musicos precisavam ouvir a marcação afetava diretamente a música, pois todos os musicos precisavam ouvir a marcação (batidas) e assim todo o público também ouvia. Alguns músicos decidiram apenas (batidas) e assim todo o público também ouvia. Alguns músicos decidiram apenas marcar o tempo com as mãos e braços e ainda outros, enrolavam as partituras e marcar o tempo com as mãos e braços e ainda outros, enrolavam as partituras e marcavam o tempo.
marcavam o tempo.
Carl Maria von Weber foi quem introduziu uma vareta ou pequeno bastão para Carl Maria von Weber foi quem introduziu uma vareta ou pequeno bastão para substituir o rolo de partitura. A esta vareta deu-se o nome de batuta.
substituir o rolo de partitura. A esta vareta deu-se o nome de batuta.
Os Grandes Maestros
Os Grandes Maestros
Entre os maestros do século XIX e inícios do século XX, citam-se Mendelssohn, Entre os maestros do século XIX e inícios do século XX, citam-se Mendelssohn, Wagner, Berlioz, Mahler, Louis-Antoine Jullien, Richard Strauss.
Bons exemplos no século XX: Wilhelm Furtwängler, Victor de Sabata, Arturo Bons exemplos no século XX: Wilhelm Furtwängler, Victor de Sabata, Arturo Toscanini, Hans Knappertsbusch, Otto Klemperer, Bruno Walter, Erich Kleiber, Toscanini, Hans Knappertsbusch, Otto Klemperer, Bruno Walter, Erich Kleiber,
Leopold Stokowski (que preferia não usar batuta), Sergiu Celibidache, Charles Munch, Leopold Stokowski (que preferia não usar batuta), Sergiu Celibidache, Charles Munch, Pierre Monteux, Ernest Ansermet, Karl Böhm, Carlos Kleiber (filho de Erich Kleiber), Pierre Monteux, Ernest Ansermet, Karl Böhm, Carlos Kleiber (filho de Erich Kleiber), Herbert von Karajan, Evgeny Mravinsky, Jayme Amatnecks, Georg Solti, Leonard Herbert von Karajan, Evgeny Mravinsky, Jayme Amatnecks, Georg Solti, Leonard Bernstein, Lorin Maazel, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, Claudio Abbado, Seiji Bernstein, Lorin Maazel, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, Claudio Abbado, Seiji Ozawa, Bernard Haitink, Simon Rattle, Pierre Boulez, Nikolaus Harnoncourt, Valery Ozawa, Bernard Haitink, Simon Rattle, Pierre Boulez, Nikolaus Harnoncourt, Valery Gergiev, entre tantos outros.
Gergiev, entre tantos outros.
Outros grandes maestros brasileiros, também compositores são Carlos Gomes, Outros grandes maestros brasileiros, também compositores são Carlos Gomes, Villa-Lobos, Cláudio Santoro, Camargo Guarnieri e Jayme Amatnecks. Entre os
Villa-Lobos, Cláudio Santoro, Camargo Guarnieri e Jayme Amatnecks. Entre os maestros de coros cita-se Alfredo Pozoco.
Orquestração
Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.
Uma Orquestra Sinfônica
Orquestração, é :
1) o estudo ou a prática de escrever música para orquestra (ou, mais liberalmente, qualquer grupo musical) ou.
2) a adaptação de música para orquestra, composta originalmente para outra instrumentação. Gradualmente, na sucessão da História da Música, só recentemente este termo foi aceito como parte da arte de Composição musical.
3) No uso figurativo, orquestração significa uma combinação harmoniosa, ou de outras facções.
Escrevendo para Orquestra
Orquestrador é aquele que escreve ou adapta música para orquestra. Escrever para orquestra é um processo complexo . Pessoas que querem escrever música para orquestra precisam estudar orquestração. Quem estuda orquestração precisa ter um certo conhecimento avançado de: Teoria e Harmonia musical; conhecer bem os intervalos, acordes e rítmos diferentes; e estudar Literatura musical dos diferentes períodos históricos; Forma e Análise; Contraponto; Instrumentação; Arranjo além de ter aulas regulares da prática instrumental, e ainda participar em grupos musicais, incluindo uma agenda de recitais. A leitura de literatura especializada sobre orquestração é essencial, e estudar partituras de orquestra também é necessário. Regência não é especificamente uma matéria necessária para quem só vai escrever ou transcrever música para uma editora, por exemplo, mas todo músico com um conhecimento aberto aproveitaria muito com práticas de regência, tanto teórica como, regência coral e instrumental. Uma prática boa é iniciar a escrever para grupos menores, trio de cordas e quarteto de sopros ou de cordas, por exemplo. Aos poucos, com experiência, outros instrumentos podem ser adicionados. Vários instrumentos são chamados de "instrumentos de transposição"; escrever para estes instrumentos exige muita prática na literatura musical, mais precisamente nas notações dos instrumentos. Conhecer cada instrumento, sua tessitura, sua técnica de execução e seu vocabulário de instruções é outro requisito. Estudar regência instrumental faz também com que a pessoa se familiarize com:
• com muitas obras literárias de Música, e • instrumentações variadas, além da
• prática com a leitura de partituras e seu idioma
---tudo que é preciso saber para poder escrever para um grupo, pequeno ou grande.
Adaptação de música para orquestra
Existe dois tipos de adaptação para orquestra:
• Transcrição e • Arranjo musical
Na prática, os termos transcrição e arranjo são freqüentemente usados intercambiavelmente. Mas existe uma distinção entre os dois.
Transcrição Musical
Na transcrição musical, a peça orquestrada segue bem aproximadamente a obra original. Como exemplo, podemos citar a Tocata e Fuga em ré menor (BWV565), orquestrada por Leopold Stokowski (cir1927), escrito originalmente para órgão por Johann Sebastian Bach entre 1703 e 1707. Apesar do resultado final da obra ser distintamente diferente na versão orquestrada, em que o som de cada frase é representado por um grupo de instrumentos de timbres diferentes---ao contrário da versão ao órgão, de Bach, com o timbre todo mais homogêneo---, a obra ainda é a mesma, praticamente nota por nota.
A primeira frase na Tocata e Fuga em ré menor, BWV565, para o órgão, de Bach Neste exemplo, na versão transcrita para orquestra de Stokowski, ele dobra o valor das notas, mas ainda dentro do mesmo andamento; de maneira que, os dois primeiros compassos de Bach (acima, ilustrado) se transformam em quatro, na versão de
Stokowski. Os violinos (2), juntos com as violas e os violoncelos iniciam o tema com a primeira frase (o primeiro compasso na escrita de Bach; ou seja, os dois primeiros
compassos de Stokowski). Em seguida, o compasso três e o quatro (Stokowski) são tocados pelas flautas (4), oboés (3), corne inglês, clarinetas (3), clarineta baixo e fagotes (3); todas as partes dos devidos instrumentos escritas separadamente em sua própria pauta, numa partitura de orquestra, obviamente.
Arranjo Musical
No arranjo musical, a orquestração tende a mudar aspectos significativos da composição original, especialmente na notação musical. Entre arranjos de obras eruditas que se tornaram populares, hoje em dia, encontramos o Ave Maria de Charles Gounod que é um arranjo do prelúdio Nº1, em dó maior, do livro "Cravo Bem-Temperado", para teclado solo de Bach (BWV846) e que Gounod adicionou uma melodia (inexistente na obra de Bach) que entra após uma adaptada introdução do primeiro motivo de Bach. O Ave Maria de Gounod se tornou uma composição para o uso do texto litúrgico em
Latim com uso freqüente na Igreja Católica e ainda com variadas instrumentações. Quanto as obras da música barroca, da Idade Média e de eras mais antigas quando são executadas ao vivo, ou gravadas em estúdios, hoje em dia, tem que haver uma certa dose de transcrição e arranjo com adaptação instrumental nas partituras, pois os próprios instrumentos da época eram outros e muitos já não se praticam mais no uso cotidiano. A viola da gamba, por exemplo, o alaúde, vários tipos de cornes de madeira ou metal, em fim, existia uma série de instrumentos noutrora que, para as execuções destas obras com orquestras atuais é necessário fazer uma adaptação na partitura para que os instrumentos modernos possam tocar músicas de outras épocas.
Do livro de Michael Praetorius, Syntagma musicum (1618), vários tamanhos diferentes da antiga Viola de Gamba---sendo a maior de todas a mais parecida com o violoncelo
dos dias de hoje.
Variação no tem
Outra prática, a parte, muito usada em música é a variação no tema que não deixa de ser uma forma de arranjo e transcrição usados, simultaneamente, sobre um tema original, mas com muito mais material original na variação do que existente na melodia original. Johannes Brahms (1833-1897), compositor alemão, escreveu as Variações (28) em um Tema de Paganini, para Piano, em lá menor, opus 35 . Brahms usa o tema melódico do Caprice nº24 em lá menor, de Paganini (1782-1840), escrito originalmente para violino, para criar uma composição nova, basicamente arranjando e transcrevendo o tema original de formas diferentes, noutro instrumento; uma prática comum na música erudita, inclusive que Franz Liszt e Robert Schumann empregaram e também usando Caprices de Paganini.
Instrumentação
Orquestração aplica-se, falando restritamente, somente à orquestra, enquanto o termo instrumentação aplica-se a todos grupos instrumentais. Em instrumentação, portanto, inclui-se orquestração. No estudo de orquestração---em contraposição à prática---o termo instrumentação pode também referir-se à consideração das características definidas de instrumentos individuais, oposto à arte de combinar instrumentos.
Em música comercial, especialmente música para cinema (filmes) e teatro (drama), orquestradores independentes são empregados para que o projeto seja preparado dentro do prazo da produção devido a dificuldade que é para uma mesma pessoa compor e orquestrar um material dentro de um prazo curto como demanda as produções cinematográficas e teatrais.
• Orquestradores da indústria cinematográfica costumam usar partituras de
orquestra---na qual cada voz de instrumento é escrita individualmente em sua própria pauta e todas as pautas dos instrumentos ativos na gravação são agrupadas de maneira que o orquestrador acompanhe o desenvolvimento de cada instrumento simultaneamente, mas ainda separadamente.
• Por outro lado, orquestradores da Broadway costumam usar partituras
reduzidas---na qual todas as vozes são escritas nas pautas de uma partitura para piano que inclui a pauta da mão direita, com a clave de sol; e a pauta da mão esquerda, com a clave de fa. Neste caso, tanto a técnica de arranjo como a de orquestração são usadas, pois além das notas estarem arranjadas para o piano (para uso durante ensaios da peça teatral), o orquestrador precisa levar em consideração que outros instrumentos vão interpretar cada voz escrita na partitura reduzida para ensaios.
Literatura sobre orquestração
Autores de literaturas, historicamente importantes, sobre orquestração:
• Michael Praetorius (1619): Syntagma musicum volume 2. De Organographia . • Valentin Roeser (1764): Essai de l'instruction à l'usage de ceux, qui composent
pour la clarinette et le cor.
• Hector Berlioz (1844): Grand traité d’instrumentation et d’orchestration
modernes (Treatise on Instrumentation).
• François-Auguste Gevaert (1863): Traité general d’instrumentation.
• Charles-Marie Widor (1904) : Technique de l’orchestre moderne (Manual of
Practical Instrumentation).
• Nikolay Rimsky-Korsakov (1912): Основы оркестровки ( Principles of
Orchestration ---"Princípios de Orchestração, em Português).
• Cecil Forsyth (1914): Orchestration.
• Charles Koechlin (1954–9): Traité de l'Orchestration (4 vols). • Walter Piston (1955): Orchestration.
p r c d t p " t t Na notaç ulsos e repouso ck tipicamente Os comp ompassos são d entro de um co Em uma mpo (na notaç ara as demais d quatro por quat
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órmula de com o atual, a semi rações). O nu o". Isso signifi o, uma semibre nunca pode se de compasso é so esta mudança ompasso é um s musicais tradi os 4/4,12/8 ou 3 a execução mu itura a partir d igual à duração asso, o denomi reve é a medid erador define q a que a unidad e iria ocupar to menor nem ma escrita no iníci é escrita direta
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Origem: Wik Exemplo de tre forma de divid cionais já presu /4. ical, ao definir e linhas vertica definida pela f Fórm nador indica e com maior du antas unidades e de tempo tem do o compasso. ior que quatro uo da composiçã ente no comp
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ipédia, a enci ho musical co ir quantizadame mem um deter a unidade de s desenhadas s rmula de com la de co quantas partes ração possível de tempo o co duração de 1/4 Cada compass nidades de tem o ou de cada u sso que tem a núsica)
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Compassos complexos particulares
Um interessante tipo de compasso complexo é a justaposição 3/X + 3/X + 2/X, formando um compasso teoricamente 8/X. Essa subdivisão é muito comum na música de todo o mundo ocidental e também de diversos outros povos (é a divisão utilizada, por exemplo, na rumba). Por ter um uso tão amplo, a grafia 8/X nas partituras deu lugar a grafias mais simples, relacionadas mais ao estilo de cada caso que à correção meticulosa da notação. Em alguns casos o que aparece na partitura é 2/4 (na verdade 3/16 +3/16 + 2/16); em outros, 4/4 (na verdade 3/8 + 3/8 + 2/8) ou 2/2 (igualmente, mas com divisão binária).
Combinações de compassos complexos
Vastamente utilizado por bandas de rock progressivo, dão grande complexidade e unicidade às músicas. Exemplos: 4/4, 3/4 (dando a idéia de 7/4); 15/16, 4/4, 7/8, 19/16 (de maior complexidade); 6/8, 6/8, 6/8, 5/8; etc. Permitindo qualquer combinação de compassos, mesmo sendo apenas entre os mais simples, amplia-se a concepção de compassos não apenas como divisões facilitadoras, mas como unidades básicas de uma composição musical.
Compassos mais utilizados em rock progressivo x / y 1 / y 2 / y 3 / y 4 / y 5 / y 6 / y 7 / y 8 / y 9 / y 10 / y 11 / y 12 / y 13 / y 14 / y 15 / y 16 / y 17 / y 18 / y 19 / y x / 2 1 / 2 2 /2 3 /2 4 /2 25 / 6 /2 7 /2 8 /2 9 /2 210 / 11 /2 12 /2 13 /2 14 /2 15 /2 16 /2 17 /2 18 /2 19 /2 x / 4 1 / 4 2 / 4 3 / 4 4 / 4 5 / 4 6 / 4 7 / 4 8 / 4 9 / 4 10 / 4 11 / 4 12 / 4 13 / 4 14 / 4 15 / 4 16 / 4 17 / 4 18 / 4 19 / 4 x / 8 1 / 8 2 / 8 3 / 8 4 / 8 5 / 8 6 / 8 7 / 8 8 / 8 9 / 8 10 / 8 11 / 8 12 / 8 13 / 8 14 / 8 15 / 8 16 / 8 17 / 8 18 / 8 19 / 8 x / 16 1 / 16 2 / 16 3 / 16 4 / 16 5 / 16 6 / 16 7 / 16 8 / 16 9 / 16 10 / 16 11 / 16 12 / 16 13 / 16 14 / 16 15 / 16 16 / 16 17 / 16 18 / 16 19 / 16
Choro
Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.
Instrumentos musicais típicos do choro brasileiro:
Violão de 7 cordas, violão, bandolim, flauta, cavaquinho e pandeiro
O Choro, popularmente chamado de chorinho, é um gênero musical, uma música popular e instrumental brasileira, com mais de 130 anos de existência. Os conjuntos que o executam são chamados de regionais e os músicos, compositores ou instrumentistas, são chamados de chorões. Apesar do nome, o gênero é em geral de ritmo agitado e alegre, caracterizado pelo virtuosismo e improviso dos participantes, que precisam ter muito estudo e técnica, ou pleno domínio de seu instrumento. O choro é considerado a primeira música popular urbana típica do Brasil e difícil de ser executado.
O conjunto regional é geralmente formado por um ou mais instrumentos de solo, como flauta, bandolim e cavaquinho, que executam a melodia, o cavaquinho faz o centro do ritmo e um ou mais violões e o violão de 7 cordas formam a base do conjunto, além do pandeiro como marcador de ritmo.
Surgiu provavelmente em meados de 1870, no Rio de Janeiro, e nesse início era considerado apenas uma forma abrasileirada dos músicos da época tocarem os ritmos estrangeiros, que eram populares naquele tempo, como os europeus xote, valsa e principalmente polca, além dos africanos como o lundu. O flautista Joaquim Calado é
considerado um dos criadores do Choro, ou pelo menos um dos principais colaboradores para a fixação do gênero, quando incorporou ao solo de flauta, dois violões e um cavaquinho, que improvisavam livremente em torno da melodia, uma característica do Choro moderno, que recebeu forte influência dos ritmos que no início eram somente interpretados, demorando algumas décadas para ser considerado um gênero musical.
Alguns dos chorões mais conhecidos são Chiquinha Gonzaga, Ernesto Nazareth e Pixinguinha. Alguns dos choros mais famosos são
• “Tico-Tico no Fubá”, de Zequinha de Abreu • “Brasileirinho”, de Waldir Azevedo
• “Noites Cariocas”, de Jacob do Bandolim • “Carinhoso”, de Pixinguinha
• “O violão e a flor”, de Toninho Ramos
Dentre as composições de Heitor Villa-Lobos, o ciclo dos Choros é considerado a mais significativa. O chorão mais conhecido e ativo na atualidade é o virtuoso flautista e compositor Altamiro Carrilho, que já se apresentou em mais de 40 países difundindo o gênero.
História do Choro
Século XIX
A história do Choro provavelmente começa em 1808, ano em que a Família Real portuguesa chegou ao Brasil. Em 1815 a cidade do Rio de Janeiro foi promulgada capital do `Reino Unido do Brasil, Portugal e Algarves´. Em seguida passou por uma reforma urbana e cultural, quando foram criados cargos públicos. Com a corte portuguesa vieram instrumentos de origem européia como o piano, clarinete, violão, saxofone, bandolim e cavaquinho e também músicas de dança de salão européias, como a valsa, quadrilha, mazurca, modinha, minueto, xote e principalmente a polca, que viraram moda nos bailes daquela época. Esta última foi apresentada ao público em Julho de 1845.
A reforma urbana, os instrumentos e as músicas estrangeiras, juntamente com a abolição do tráfico de escravos no Brasil em 1850, podem ser considerados uma “receita” para o surgimento do Choro, já que possibilitou a a emergência de uma nova classe social, a classe média, composta por funcionários públicos, instrumentistas de bandas militares e pequenos comerciantes, geralmente de origem negra, nos subúrbios do Rio de Janeiro. Essas pessoas, sem muito compromisso, passaram a formar conjuntos para tocar de “ouvido” essas músicas, que juntamente com alguns ritmos africanos já enraizados na cultura brasileira, como o batuque e o lundu, passaram a ser tocadas de maneira a brasileirada pelos músicos que foram então batizados de chorões.
Embora não se possa fixar uma música ou uma data para o surgimento de um gênero musical, pois se trata de um processo lento e contínuo, dentre esses músicos se destacou o flautista Joaquim Antônio da Silva Calado e seu conjunto, surgido por volta de 1870, que ficou conhecido como "O Choro de Calado". Esse flautista era professor da cadeira de flauta do Conservatório Imperial, portanto tinha grande conhecimento musical e reunia os melhores músicos da época, que tocavam por simples prazer. O conjunto de Calado era composto de dois violões, um cavaquinho e sua flauta, que era o instrumento de solo. Devido ao fato das flautas serem de ébano, essa formação era também chamada de “pau-e-corda”. No conjunto de Calado os instrumentistas de cordas tinham liberdade e todos eram bons em fazer, de propósito, improvisos sobre o acompanhamento harmônico e modulações complicadas com o intuito de "derrubar" os outros músicos. Ou seja, foi desenvolvido um novo diálogo entre solo e acompanhamento, uma característica do Choro atual. Logo, outros conjuntos com essa mesma formação apareceram.
Desse modo, Joaquim Calado é considerado um dos criadores do Choro, ou pelo menos um dos principais colaboradores para o surgimento do gênero.
A polca “Flor Amorosa”, composta por Calado e Catulo da Paixão Cearense em 1867, é tocada até hoje pelos chorões e tem características do choro moderno, portanto é considerada a primeira composição do gênero. Desse conjunto fez parte Viriato Figueira, seu aluno e amigo e também sua amiga, a maestrina Chiquinha Gonzaga, uma pioneira como a primeira chorona, compositora e pianista do gênero. Em 1897,
Chiquinha compôs “Gaúcho” ou “Corta-Jaca”, uma grande contribuição ao repertório do gênero. Outras composições de destaque foram “Atraente” e “Lua Branca”.
O Choro, nesse início, era considerado apenas uma maneira mais emotiva ou chorosa de se interpretar aquelas músicas, portanto recebeu forte influência das mesmas, porém aos poucos a música gerada sob o improviso dos chorões foi perdendo as características dos seus países de origem e os conjuntos de choro proliferaram na cidade, estendendo-se ao Brasil. No final do século XIX e início do século XX outros
instrumentos de sopro e cordas, como o bandolim, o clarinete, o oficlide e o flautim foram incorporados aos conjuntos e utilizados também pelos solistas. As primeiras composições de Choro com características próprias foram compostas por Joaquim Calado, Chiquinha Gonzaga, Anacleto de Medeiros e Ernesto Nazareth, dentre outros. Porém, o Choro só começou a ser considerado como gênero musical na primeira década do século XX.
Origem do termo
Existe controvérsia entre os pesquisadores sobre a origem da palavra “choro”, porém essa palavra pode significar várias coisas.
• Choro pode derivar da maneira chorosa de se tocar as músicas estrangeiras no
final do século XIX e os que a apreciavam passaram a chamá-la de música de fazer chorar. Daí o termo Choro. O próprio conjunto de choro passou a ser denominado como tal, por exemplo, “Choro do Calado”.
• O termo pode também derivar de “xolo”, um tipo de baile que reunia os escravos
das fazendas, expressão que, por confusão com a parônima portuguesa, passou a ser conhecida como "xoro" e finalmente, na cidade, a expressão começou a ser grafada com "ch".
• Outros defendem que a origem do termo é devido à sensação de melancolia
transmitida pelas “baixarias” do violão.
•
Século XX
Os conjuntos de choro foram muito requisitados nas gravações fonográficas (de LPs de 78 rotações) que tiveram início em 1902, o compositor Anacleto de Medeiros foi um dos pioneiros ao participar das primeiras gravações do gênero e de um dos primeiros discos impressos no Brasil em 1902. Misturou a xote e a polca com as sonoridades brasileiras. Como grande orquestrador, traduziu a linguagem das bandas para as rodas
de choro.
O virtuoso da flauta Patápio Silva, considerado o sucessor de Joaquim Calado, ficou famoso por ser o primeiro flautista a fazer um registro fonográfico.
O violonista João Pernambuco, autor de “Sons de Carrilhões”, trouxe do sertão sua forma típica de canção e enriqueceu o gênero com elementos regionais, colaborando para que o violão deixasse de ser um mero acompanhante na música popular.
Ernesto Nazareth, músico de trajetória erudita e ligado à escola européia de interpretação, compôs “Brejeiro” (1893), “Odeon” (1910) e “Apanhei-te Cavaquinho” (1914), que romperam a fronteira entre a música popular e a música erudita, sendo vitais para a formação da linguagem do gênero.
Pixinguinha, um dos maiores compositores da música popular brasileira, que também era tenor, arranjador, saxofonista e flautista, contribuiu diretamente para que o choro encontrasse uma forma musical definitiva.
Em 1919, Pixinguinha formou o conjunto Oito Batutas, formado por Pixinguinha na flauta, João Pernambuco e Donga no violão, dentre outros músicos. Fez sucesso entre a elite carioca, tocando maxixes e choros e utilizando instrumentos até então só conhecidos nos subúrbios cariocas. Quando compôs “Carinhoso”, entre 1916 e 1917 e “Lamentos” em 1928, que são considerados dois dos choros mais famosos, Pixinguinha foi criticado e essas composições foram consideradas como tendo uma inaceitável influência do jazz. Mas na verdade elas eram avançadas demais para a época. Além disso, “Carinhoso” na época não foi considerado choro e sim polca. Outras composições, entre centenas, são “Rosa”, “Vou vivendo”, “Lamentos”, “1X0”, “Naquele tempo” e “Sofres porque Queres”.
Zequinha de Abreu
Na década de 1920, o maestro Heitor Villa-Lobos compôs uma série de 16 composições dedicadas ao Choro, mostrando a riqueza musical do gênero e fazendo-o presente na música erudita. A série é composta de 14 choros para diversas formações, um Choros Bis e uma Introdução aos Choros. O nome das composições é sempre no plural. O Choros nº 1 foi composto para violão solo. Também há Choros para conjuntos
de câmara e orquestra. O Choros nº 13 foi composto para duas orquestras e banda e o nº 14 para orquestra, coral e banda. A composição mais conhecida e executada desta série é o Choros nº 10 para coro e orquestra, que inclui o tema "Rasga o Coração" de Catulo da Paixão Cearense. Devido à grande complexidade e à abrangência dos temas regionais utilizados pelo compositor, esta série é considerada por muitos como a sua obra mais significativa.
Também a partir da década de 20, impulsionado pelas gravadoras de discos e pelo advento do rádio, o Choro fez sucesso nacional com o surgimento de músicos como Luperce Miranda e do pianista Zequinha de Abreu, autor de Tico-Tico no Fubá, além de grupos instrumentais que, por dedicar-se à música regional, foram chamados de regionais, como o Regional de Benedito Lacerda, que tiveram como integrantes Pixinguinha e Altamiro Carrilho e Regional do Canhoto, que tiveram como integrantes Altamiro e Carlos Poyares.
Luiz Americano
Um solista de destaque, nos anos 20 e 30, foi o clarinetista e saxofonista sergipano Luiz Americano, que em 1937 integrou o inovador Trio Carioca ao lado do pianista e maestro Radamés Gnattali.
A partir de 1930, os conjuntos regionais, formaram uma base de sustentação às nascentes estações de rádio, devido à sua versatilidade em acompanhar, com facilidade e sem muitos ensaios, os diversos estilos de música vocal que surgiram.
Severino Araújo
Um dos exemplos de união entre o choro e o jazz foi realizado por Severino Araújo, que, em 1944, adaptou choros à linguagem das big bands. Como maestro da Orquestra Tabajara, Severino Araújo gravou vários choros de sua autoria, como “Espinha de Bacalhau”. Esse exemplo foi seguido por outras orquestras ou compositores como K-Ximbinho.
Waldir Azevedo
Em 1947, Waldir Azevedo, o mais popular artista do choro e virtuoso do cavaquinho, compôs “Brasileirinho” o maior sucesso da história do gênero, gravado por Carmen Miranda e, mais tarde, por músicos de todo o mundo. Waldir Azevedo foi um pioneiro que retirou o cavaquinho de seu papel de mero acompanhante e o colocou em destaque como instrumento de solo, explorando de forma inédita as potencialidades do instrumento.
Jacob do Bandolim
Jacob do Bandolim foi um virtuoso no seu instrumento que promovia famosas rodas de choro em sua casa, nos anos 50 e 60, além de grande compositor. “Doce de Coco”, de 1951 e “Noites Cariocas”, de 1957, são parte do repertório clássico do gênero. Jacob também promoveu o resgate de compositores antigos e fundou o famoso conjunto Época de Ouro, com César Faria e Dino 7 Cordas.
O Choro perdeu grande parte de sua popularidade devido ao surgimento da Bossa Nova nas décadas de 50 e 60, quando foi considerado “fora de moda”. Mas o gênero manteve-se presente no ritmo de vários músicos, como Paulinho da Viola e Arthur Moreira Lima.
Radamés Gnattali
Em 1956 Radamés Gnattali compôs a Suíte "Retratos", homenageando quatro compositores que considerava fundamentais para a música brasileira, Chiquinha Gonzaga, Anacleto de Medeiros, Ernesto Nazareth e Pixinguinha.
Década de 70
Ocorreu uma revitalização do gênero na década de 70. Em 1973, uniram-se o Conjunto Época de Ouro e Paulinho da Viola no show Sarau. Foram criados os Clubes do Choro em Brasília, Recife, Porto Alegre, Belo Horizonte, Goiânia e São Paulo, dentre outras cidades. Surgiram grupos jovens dedicados ao gênero, como Galo Preto e Os Carioquinhas. O novo público e o novo interesse pelo gênero propiciou também a redescoberta de veteranos chorões, como Altamiro Carrilho, Copinha e Abel Ferreira, além de revelar novos talentos, como os bandolinistas Joel Nascimento e Déo Rian e o violonista Rafael Rabello.
Festivais do gênero ocorreram no ano de 1977. A TV Bandeirantes de São Paulo promoveu duas edições do Festival Nacional do Choro e a Secretaria de Cultura do Rio
de Janeiro promoveu o Concurso de Conjuntos de Choro.
Em 1979 com o LP “Clássicos em Choro”, o flautista Altamiro Carrilho fez sucesso tocando músicas eruditas em ritmo de Choro. Altamiro é uma lenda viva do Choro, já gravou mais de 100 discos, fez mais de 200 composições e já se apresentou em mais de 40 países difundindo o gênero.
Também em 1979, por ocasião do evento intitulado "Tributo a Jacob do Bandolim", em homenagem aos dez anos do falecimento do bandolinista, é criado o grupo Camerata Carioca, formado por Radamés Gnatalli, Joel Nascimento e Raphael Rabello, dentre outros músicos.
Década de 80
A década de 1980 foi marcada por inúmeras oficinas e seminários de Choro. Importantes instrumentistas se reuniram para discutir e ensinar o gênero às novas gerações. Em 1986, realizou-se o primeiro Seminário Brasileiro de Música Instrumental, em Ouro Preto, uma proposta ampla que ocasionou uma redescoberta do
Choro.
A partir de 1995 o gênero foi reforçado por grupos que se dedicaram à sua divulgação e modernização e pelo lançamento de CDs.
Século XXI
O Choro entra no terceiro século da sua existência, com uma bagagem de mais de 130 anos, completamente firmado como um dos principais gêneros musicais do Brasil. São milhares de discos gravados e centenas de chorões que marcaram presença. O choro além de ser um gênero musical rico e complexo, é também um fenômeno artístico, histórico e social.
No entanto falta divulgação, pois enquanto o Dia Nacional do Choro é comemorado em outros países, como a França e o Japão, no Brasil a maioria da população nem sabe que existe essa data comemorativa. Sobre isso, Hermínio Bello de Carvalho escreveu: “Ao defender a tese de que a cultura deveria ser tratada como matéria de segurança nacional, penso traduzir a necessidade cada vez mais premente de abrasileirar o brasileiro, como advertiu Mário de Andrade...”
Dia do Choro
No dia 23 de abril se comemora o Dia Nacional do Choro, trata-se de uma homenagem ao nascimento de Pixinguinha. A data foi criada oficialmente em 4 de setembro de 2000, quando foi sancionada lei originada por iniciativa do bandolinista Hamilton de Holanda e seus alunos da Escola de Choro Raphael Rabello.
O conjunto regional e os instrumentos do choro
Cavaquinho em exposição. Waldir Azevedo
Flauta tr Patápio O E O Violão foi introdu ansversal, i ilva, Bene virtuoso Ja conhecido emplo de de marca iolão junt forma de 7 corda ido no cho nstrumento ito Lacerd ob do Ban bandolinis andeiro, q or de ritm com o vio a base do c em exposi ro para se de Joaqui e Altamir olim é o ta de choro e faz o pa no choro lão de 7 co onjunto ção. O inst bter notas Calado, Carrilho ais el das umento ais grave
Abel Ferreira e Paulo Moura são exemplos de clarinetistas
Pixinguinha e Luiz Americano são exemplos de saxofonistas
O Piano, instrumento dos chorões Chiquinha Gonzaga, Ernesto Nazareth e Arthur Moreira Lima, dentre outros
Trombone, o instrumento de Raul de Barros
O nome provavelmente surgiu na década de 1920 por dedicarem-se à música regional. Os conjuntos regionais são compostos por instrumentos musicais de sopro, cordas e percussão. Geralmente um ou mais instrumentos de solo, como flauta, bandolim, cavaquinho ou ainda clarinete e saxofone, executam a melodia, enquanto o cavaquinho faz o papel de centralizador de ritmo e um ou mais violões e violão de 7 cordas improvisam modulações como acompanhamentos, harmonizando e formando a base do conjunto com a chamada “baixaria” de sons graves. Além desses, há os instrumentos de percussão como o pandeiro. O piano e o trombone eventualmente fazem parte dos regionais. Os chorões são versáteis e revezam-se no solo com facilidade.
Conjuntos Regionais em ordem cronológica
• O Choro de Calado (aproximadamente 1870) • Oito Batutas (1919)
• Regional de Benedito Lacerda (1934) • Regional do Canhoto (1951)
• Quinteto Villa-Lobos (1962) (não é regional, mas o grupo toca choros) • Época de Ouro (1964)
• Isaías e seus Chorões (aprox. 1970) • Galo Preto (1975)
• Os Carioquinhas (1977) • Nó em Pingo D'Água (1979) • Camerata Carioca (1979) • Água de Moringa (1989) • Grupo Bola Preta (1990)
• Rabo de Lagartixa (aprox. 1990) • Quebrando Galho (1993) • Choronas (1994) • Grupo Sarau (1996) • Choro na Feira (2000) • Grupo Cordaviva (2001) • Trio Quintessência (2001) • Choro das 3 (2002) • Resumo do Choro (2002) • Trio Madeira Brasil • Camerata Brasileira
• Grupo Choro Rasgado (2002) • Trio Mandando Bala (2004)
• Grupo Chorando as Pitangas (2004) • Grupo Ó do Borogodó (2005)
Chorões
Os chorões geralmente são compositores e também instrumentistas do gênero. Afirma-se que os bons chorões precisam ter grande capacidade de improviso e domínio dos instrumentos.
Lista de Chorões em ordem cronológica
• Chiquinha Gonzaga (1847-1935) • Joaquim Calado (1848-1880) • Viriato Figueira (1851-1883) • Juca Kallut (1858-1922) • Sátiro Bilhar (1860-1927) • Ernesto Nazareth (1863-1934)
• Catulo da Paixão Cearense (1863-1946) • Anacleto de Medeiros (1866-1907) • Irineu de Almeida (1873-1916) • Quincas Laranjeiras (1873-1935) • Patápio Silva (1880-1907) • Zequinha de Abreu (1880-1935) • João Pernambuco (1883-1947) • Heitor Villa-Lobos (1887-1959) • Donga (1890-1974) • Bonfiglio de Oliveira (1894-1940) • Pixinguinha (1897-1973) • Luiz Americano (1900-1960) • Benedito Lacerda (1903-1958) • Luperce Miranda (1904-1977) • Radamés Gnattali (1906-1988) • Copinha (1910-1984) • Abel Ferreira (1915-1980) • Garoto (1915-1955) • Raul de Barros (1915- ) • Dilermando Reis (1916-1977) • K-Ximbinho (1917-1980) • Jacob do Bandolim (1918-1968) • Dino 7 Cordas (1918-2006) • Rossini Ferreira (1919 - ?) • Ademilde Fonseca (1921- ) • Orlando Silveira (1922-1993) • Waldir Azevedo (1923-1980)
• Álvaro Brochado Hilsdorf (1923-1997) • Altamiro Carrilho (1924- )
• Carlos Poyares (1928- )
• Antônio da Silva Torres, o Jacaré (1930-2005) • Evandro do Bandolim (1932-1994)
• Paulo Moura (1933- ) • Joel Nascimento (1937- ) • Canhotinho (1938- ) • Ventura Ramirez (1939- ) • Arthur Moreira Lima (1940- ) • Paulinho da Viola (1942- )
• Déo Rian (1944- ) • Pedro Amorim (1958- ) • Raphael Rabello (1962-1995) • Aleh Ferreira (1966- ) • Maurício Carrilho(?) • Nilze Carvalho (1969- ) • Hamilton de Holanda (1976- ) • Danilo Brito (1985- ) • Mestre Zé Paulo(?)
• Valter Silva - 7 cordas(?)
Trombone e Cia - 2004 (acesse www.tromboneecia.com)
Curiosidades
Choro ou Chorinho?
O nome do gênero é Choro, mas popularmente é chamado de Chorinho. Muitos chorões, ou mesmo apreciadores do gênero, não gostam desta última denominação, alegando que não se chama samba de “sambinha” ou jazz de “jazzinho”. Outros consideram o chorinho como um aspecto do choro ou o ambiente proporcionado pelo gênero.
Sucesso internacional
O choro faz sucesso em países muito distantes do Brasil, como o Japão, França, Itália e Estados Unidos. Já em 1985, quando a Camerata Carioca esteve no Japão, constatou a existência de músicos que tocavam e estudavam música brasileira, como o Choro Club que faz uma fusão da linguagem do choro com as tendências contemplativas da música oriental, com um repertório de composições próprias e de Ernesto Nazareth e Jacob do Bandolim. Em outubro de 2006 houve uma Roda do Choro da Camerata do Choro ( direção: Paulo Gouveia, flauta) em Hamburgo/Alemanha que contou com participação entre outros de Wilfried Berk (Rio de Janeiro/Hannover), com sua clarineta chorona, e de Fabiano Borges (Brasília) no violão de 7 cordas. Em Novembro de 2007, o Trio Madeira Brasil atuou em Berlim e Munique tocando com
convidados (Yamandú Costa, Zé da Velha) os highlights do filme "Brasileirinho" de Mika Kaurismäki. Em Dezembro de 2007 foi fundado em Turim (Itália) o Clube do Choro de Turim, que realiza periodicamente Rodas de Choro e pouco a pouco se torna uma referência do gênero no Norte da Itália.
Violão de 7 cordas
No choro, além do violão de seis cordas, existe o violão de 7 cordas, introduzido nos regionais provavelmente pelo violonista Tute, quando procurava notas mais graves para a chamada baixaria.
”Jazz Brasileiro”?
Muitas pessoas dizem que o choro é o “jazz brasileiro”, mas ocorre que, apesar de ambos terem em comum a improvisação, o choro surgiu antes do jazz, portanto este último é que deveria chamar-se “choro estadunidense”. Além disso, a origem dos mesmos é diferente, o jazz provém da cultura negra estadunidense e o choro tem origem européia, da polca principalmente. Uma comparação muito mais apropriada entre dois gêneros musicais brasileiro e estadounidense é a feita entre o Jazz e a Bossa Nova, essa sim, diretamente influenciada pelo ritmo criado nos EUA.
Opiniões
• Radamés Gnattali reconhecia o choro como a mais sofisticada forma de música
instrumental popular.
• “A verdadeira encarnação da alma brasileira”, disse Heitor Villa-Lobos.
• “O choro está para o brasileiro como o tango está para o argentino.”; “O
chorinho é música clássica tocada com pé no chão, calo na mão, alma no céu.” (Aquiles Rique Reis, vocalista do conjunto MPB-4.
Letra
Uma das principais discussões sobre o Choro é se deve ou não ter letra. Essa polêmica sempre foi discutida entre os chorões, que tem opiniões diversas, já que o gênero é puramente instrumental, mas de vez em quando algum compositor coloca letra. Um exemplo famoso é o de “Carinhoso” de Pixinguinha que recebeu letra de João de Barro e foi gravado com sucesso por Orlando Silva. As interpretações de Ademilde Fonseca a consagraram como a maior intérprete do choro cantado, sendo considerada a "Rainha do choro".
Filme “Tico-Tico no Fubá”
Em 1952, a Companhia Cinematográfica Vera Cruz produziu o filme Tico-Tico no Fubá, baseado na vida de Zequinha de Abreu.
Filme “Brasileirinho”
Em 2005 foi lançado o filme documentário Brasileirinho, um tributo ao gênero choro, do cineasta e diretor finlandês Mika Kaurismäki. Alguns músicos que participaram do filme foram Yamandú Costa, Paulo Moura e Trio Madeira Brasil,
Samba
Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.
O Samba é a principal forma de música de raízes africanas surgida no Brasil. O
nome "samba" é, provavelmente, originário do nome angolano semba, um ritmo religioso, cujo nome significa umbigada, devido à forma como era dançado.
História
O primeiro registro da palavra "samba" aparece na Revista O Carapuceiro, de Pernambuco, em 3 de fevereiro de 1838, quando Frei Miguel do Sacramento Lopes Gama, escreve contra o que chamou de "samba d'almocreve".
Em meados do século 19, a palavra samba definia diferentes tipos de música introduzidas pelos escravos africanos, desde o Maranhão até São Paulo.
O samba carioca provavelmente recebeu muita influência de ritmos da Bahia, com a transferência de grande quantidade de escravos para as plantações de café no Estado do Rio, onde ganhou novos contornos, instrumentos e histórico próprio, de forma tal que, o samba moderno, como gênero musical, surgiu no início do século 20 na cidade do Rio de Janeiro (a capital brasileira de então). Muitos pesquisadores apontam para os ritmos do maxixe, do lundu e da modinha como fontes que, quando sintetizadas,
deram origem a ao samba moderno.
O termo "escola de samba" é originário deste período de formação do gênero. O termo foi adotado por grandes grupos de sambistas numa tentativa de ganhar aceitação para o samba e para a suas manifestações artísticas; o morro era o terreno onde o samba nascia e a "escola" dava aos músicos um senso de legitimidade e organização que permitia romper com as barreiras sociais.
O samba-amaxixado Pelo telefone, de domínio público mas registrado por Donga e Mauro Almeida, é considerado o primeiro samba gravado, embora Bahiano e Ernesto Nazaré tenham gravado pela Casa Édison desde 1903. É deles o samba " A viola está magoada". Há registros também do samba " Em casa de Baiana" (1913), de autoria de Alfredo Carlos Brício. Porém ambos não fizeram muito sucesso, e foi a composição registrada por Donga que levou o gênero para além dos morros. Donga chegou a anunciar "Pelo telefone" como "tango-samba", no Jornal do Brasil de 8 de janeiro de 1917.
Nos anos trinta, um grupo de músicos liderados por Ismael Silva fundou, na vizinhança do bairro de Estácio de Sá, a primeira escola de samba, Deixa Falar . Eles transformaram o gênero, dando-lhe os contornos atuais, inclusive coma introdução de novos instrumentos, como o surdo e a cuíca, para que melhor se adequasse ao desfile de carnaval. Nesta mesma época, um importante personagem também foi muito importante para a popularização do samba: Noel Rosa. Noel é responsável pela união do samba do morro com o do asfalto. É considerado o primeiro cronista da música popular brasileira.
Nesta época, a rádio difundiu a popularidade do samba por todo o país, e com o suporte do presidente Getúlio Vargas, o samba ganhou status de "música oficial" do Brasil.
Nos anos seguintes o samba se desenvolveu em várias direções, do samba canção às baterias de escolas de samba. Um dos novos estilos foi a bossa nova, criado por membros da classe média, dentre eles João Gilberto e Antonio Carlos Jobim.
Nos anos sessenta os músicos da bossa nova iniciaram um movimento de resgate dos grandes mestres do samba. Muitos artistas foram descobertos pelo grande público
neste momento. Nomes como Cartola, Nelson Cavaquinho, Zé Keti e Clementina de Jesus gravaram os seus primeiros discos.
Nos anos setenta o samba era muito tocado nas rádios. Compositores e cantores como Martinho da Vila, Bezerra da Silva, Clara Nunes e Beth Carvalho dominavam as paradas de sucesso.
No início da década de 1980, depois de um período de esquecimento onde as rádios eram dominadas pela Disco Music e pelo rock brasileiro, o samba reapareceu no cenário brasileiro com um novo movimento chamado de pagode. Nascido nos subúrbios cariocas, o pagode era um samba renovado, que utilizava novos instrumentos, como o banjo e o tantã, e uma linguagem mais popular. Os nomes mais famosos foram Zeca
Pagodinho, Almir Guineto, Grupo Fundo de Quintal, Caras de Pau, Jorge Aragão e Jovelina Pérola Negra.
Em meados de 1998 surgiu uma tendência para o samba que agora seguiria para
direção das influências das músicas caribenhas. Nesse tempo, bandas baianas e também cariocas laçaram novidades como o Samba-reggae, hoje a principal variante do Pagode baiano. Assim, tanto o Samba de Roda quanto a Axé Music, estavam caminhando para a
decadência e com pouca vendagem de discos. No início do Século XXI, em concorrência com a popularidade dos Pagodes carioca e paulista, o Samba-reggae, um gênero originalíssimo, tem ganhado popularidade. Grandes bandas tem mantido o estilo como Olodum, Terra Samba, Refla, Cidade Negra e até o Só Pra Contrariar.
Atualmente o Samba é o gênero musical mais popular no Brasil e também
popular em outras regiões do mundo como no Japão. Alguns artistas brasileiros como Nelson Sargento, Monarco e Wilson Moreira produzem Samba para japoneses.
Subgêneros
Samba comum
O samba é caracterizado por uma seção de ritmo contendo a marcação, geralmente surdo ou tantan, o 'coração do samba'; e seu núcleo mais importante é geralmente reconhecido como cavaco e pandeiro. O cavaquinho é a conexão entre a seção de harmonia e a seção de ritmo, e costuma ser reconhecido como um dos instrumentos harmônicos mais percussivos existentes; sua presença, via de regra, diferencia o verdadeiro samba de variações mais suaves como a Bossa Nova (embora haja algumas gravações de samba que não usem o cavaco, e.g. de Chico Buarque). O pandeiro é o instrumento percussivo mais presente, aquele cuja batida é a mais
completa. Um violão está sempre presente, e a maneira de tocar violão no samba popularizou o violão de 7 cordas, por causa das sofisticadas linhas de contraponto
utilizadas no gênero nas cordas mais graves. As letras falam basicamente de qualquer coisa, já que o samba é o ritmo nacional brasileiro. Esse subgênero engloba todos os outros.
Artistas Famosos: Beth Carvalho, Paulinho da Viola, Zeca PagodinhoFundo de quintal , Wilson Moreira, Dudu Nobre, entre outros.
Partido alto
Esse termo é utilizado para denominar um tipo de samba que é caracterizado por uma batida de pandeiro altamente percussiva, com uso da palma da mão no centro do instrumento para estalos. A harmonia do partido alto é sempre em tom maior. Geralmente tocado por um conjunto de instrumentos de percussão (normalmente surdo, pandeiro e tamborim) e acompanhado por um cavaquinho e/ou por um violão, o partido
alto costuma ser dividido em duas partes, o refrão e os versos. Partideiros costumam improvisar nos versos, com disputas comuns, e improvisadores talentosos fizeram sua fama e carreira no samba, como Zeca Pagodinho, que é não só um grande sambista de propósito geral como um dos melhores improvisadores.
Artistas Famosos: Candeia, Jovelina Pérola Negra, Martinho da Vila, Zeca Pagodinho, Arlindo Cruz, Aniceto do Império, Sombrinha, Nei Lopes, Almir Guinéto, Camunguelo, Xangô da Mangueira, Nilton Campolino.[fundo de quintal]Bezerra da Silva
Pagode
Hoje é a forma de samba que se difunde entre as periferias dos centros urbanos do Brasil, surgida nos anos 80 com a introdução de três novos instrumentos, o banjo, o tantan e o repique de mão. Usualmente é cantado por uma pessoa acompanhada por cavaquinho, violão e pelo menos por um pandeiro. As letras são descontraídas, falam normalmente de amor ou qualquer situação engraçada. Quase sempre as letras não tem grande expressão, sendo maior preocupação a aliteração do que o conteúdo.
Artistas famosos:Raça Negra, Caras de Pau, Katinguelê, Sorriso Maroto, Revelação, Jeito Moleque.
Neo-pagode: Swingueira
É uma nova modalidade de Pagode surgida nos anos 1990 que se mistura com Axé Music. Este derivado do Samba, portanto, apresenta elementos do Axé como
tamborins baianos, agogô e às vezes berimbal metalizado, apesar de manter os instrumentos do Pagode. Alguns grupos, como Gera Samba, continuaram a tocar Pagode tradicional, já outros apresentam o Neo-pagode tipificado como Olodum & Samba.
Grupos / Artistas famosos: É o Tchan, Gera Samba, Terra Samba, Kiloucura, Molejo, Inimigos da Hp,Jeito Moleque,Exaltasamba.
Samba de Breque
Hoje um gênero morto, as músicas do samba de breque eram intercaladas com partes faladas, ou diálogos. Os cantores, necessariamente, tinham um excelente dom vocal e habilidade de fazer vozes diferentes. As letras contavam histórias e eram jocosas.
Artistas famosos: Moreira da Silva, Germano Mathias. Samba-Canção
O samba-canção foi muito executado nas rádios, com grande influências do estilo e da melodia do Bolero e ballad americano. As canções deste gênero são românticas e de ritmo mais lento. Os temas variam do puramente lírico ao trágico.
Artistas famosos: Noel Rosa, Heitor dos Prazeres, Ângela Maria, Alexandre Pires, Nora Ney, Nelson Gonçalves, Cauby Peixoto, Agnaldo Rayol, Dolores Duran, Maysa Matarazzo, Lindomar Castilho. As intérpretes desse gênero ficaram conhecidas como as divas da Era de Ouro do Rádio.
Samba-Exaltação
O samba-exaltação, é caracterizado por composições "meta-regionais", o ufanismo observado nas composições exalta por assim dizer a cultura do país e não um folclore específico, constituindo o primeiro momento de exportação da música popular
sem precedentes na história, apresentando as cores, a aquarela do país ao resto do mundo. Aquarela do brasil, de Ary Barroso, é a composição que inaugura esse estilo de samba. Carmen Miranda destaca-se como uma das grandes expoentes.
Samba-Enredo
O samba enredo é o estilo cantado pelas escolas de samba durante os desfiles de carnaval. A letra do samba-enredo, normalmente, conta uma história que servirá de enredo para o desenvolvimento da apresentação da escola de samba. Em geral, a música é cantada por um homem, acompanhado sempre por um cavaquinho e pela bateria da escola de samba, produzindo uma textura sonora complexa e densa, conhecida como batucada.
Bossa Nova
A bossa nova é um estilo originalíssimo de samba brasileiro que surgiu na década de 1960. Este estilo é uma fusão dos estilos do jazz com o samba. Durante muitos anos foi o samba das praias e bares do Rio de Janeiro. A Bossa Nova foi bem original no seu estilo criativo, pois introduziu a viola eletrônica, imitando a guitarra nos tons mais agudos, fazendo uma melodia com forte influência das melodias americanas mescladas com batidas abrasileiradas. As interpretações são marcadas por um tom suave, intimista ou sussurrado. Gravado em 1958 o LP Canção do Amor Demais, é considerado axial para a inauguração deste movimento, surgido em 1957. O antológico LP trazia ainda, também da autoria de Vinícius de Moraes e Tom Jobim, Chega de saudade, Luciana, Estrada branca, Outra vez. A melodia ao fundo foi composta com a participação de um jovem baiano que tocava seu violão de maneira original, inédita: o jovem João Gilberto.
Samba Reggae
É um dos gêneros do Samba que surgiu no final da década de 1990, a partir de
manifestação de grupos baianos, cariocas e paulistas em modificar o Pagode tradicional e transformá-lo em samba swingado. Nesta transformação apareceu cada vez mais um Pagode tipo swuingueira. Por não ter durado muito tempo, o Swigueira foi novamente reformado e com a volta de alguns aspectos, deixados de lado, de Samba & Pagode,
artistas e bandas brasileiras começaram a introduzir a guitarra, na melodia, no lugar do cavaquinho e influências da batida jamaicana. Este conjunto faz um swing, que é parte da dança do Samba-reggae. Hoje, durante a execução deste tipo de música, os artistas costumam intercalar a melodia típica do Reggae modificado por artistas modernos, com as batidas,"levadas", do Samba-pagode e alguns elementos latinos variados, sendo que
alguns artistas reintroduziram também o violão e o Tantan. A Banda Oludum exerceu influência sobre este gênero, mas não o tem definido. Atualmente as influências são diversas. Os artistas e bandas famosas são: Terra Samba, Seu Jorge, Patrulha do Samba, Paula Morelembau, Trio do Samba, Só Pra Contrariar, Refla e Martinho da Vila e sua filha Mart'nália.
Samba-rap
É um renovado gênero do Samba, criado nas favelas e presídios paulistas e cariocas, que trata de misturar a marcação do Pagode com as do Hip hop e Funk Music, além de apresentar melodia falada durante o samba e elementos pesados na música. Os
artistas mais famosos deste gênero são: Gabriel O Pensador,Marcelo D2, Sampa Crew e o Rappa.
Outras variantes
• Samba de roda é uma dança ritual preservada em algumas cidades baianas. • Samba rock
Principais sambistas
• Adoniran Barbosa • Agepê • Alcione • Anjos do Inferno • Arlindo Cruz • Aracy de Almeida • Ary Barroso • Benito di Paula • Beth Carvalho • Bezerra da Silva • Candeia • Caras de Pau • Carmen Miranda • Cartola • Chico Buarque • Clara Nunes • Clementina de Jesus • Demônios da Garoa• Dona Ivone Lara
• Donga • Dorival Caymmi • Elza Soares • Elizeth Cardoso • Francisco Alves • Germano Matias • Ismael Silva • Jair Rodrigues • Jamelão • João Bosco • João Nogueira • Jorge Aragão • Jorge Ben Jor • Jorge Veiga • Leci Brandão • Lupicínio Rodrigues • Maria Rita • Marisa Monte • Martinho da Vila • Milton Banana -Baterista • Moraes Moreira • Moreira da Silva • Neguinho da Beija-Flor • Nelson Cavaquinho • Noel Rosa • Novos Baianos • Paulinho da Viola • Pixinguinha • Roberto Paiva • Roberto Roberti • Roberto Ribeiro • Rodrigo Carioca • Silas de Oliveira • Simone • Teresa Cristina • Tom Jobim • Wilson Batista • Zeca Pagodinho • Zé Ketti
Frevo
Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.
Dançarino de Frevo com a tradicional sombrinha.
A Capoeira é uma luta que influenciou diretamente as origens doFrevo.
O Frevo é um ritmo pernambucano [1] derivado da marcha e do maxixe. Surgido no Recife no final do Século XIX, o frevo se caracteriza pelo ritmo extremamente acelerado. Muito executado durante o carnaval, eram comuns conflitos entre blocos de frevos, em que capoeiristas saíam à frente dos seus blocos para intimidar blocos rivais e proteger seu estandarte. Da junção da capoeira com o ritmo do frevo nasceu o passo, a
dança do frevo.
Até as sombrinhas coloridas seriam uma estilização das utilizadas inicialmente como armas de defesa dos passistas.
A dança do frevo pode ser de duas formas, quando a multidão dança, ou quando passistas realizam os passos mais difíceis, de forma acrobática. O frevo possui mais de
120 passos catalogados.[2][3]
Pode-se afirmar que o frevo é uma criação de compositores de música ligeira, feita para o carnaval. Os músicos pensavam em dar ao povo mais animação nos folguedos. No decorrer do tempo, a música ganha características próprias acompanhadas por um bailado inconfundível de passos soltos e acrobáticos.
Origem da palavra
A palavra frevo vem de ferver , por corruptela, frever , que passou a designar: efervescência, agitação, confusão, rebuliço; apertão nas reuniões de grande massa popular no seu vai-e-vem em direções opostas, como o Carnaval, de acordo com o
Vocabulário Pernambucano, de Pereira da Costa.[4]
Divulgando o que a boca anônima do povo já espalhava, o Jornal Pequeno, vespertino do Recife que mantinha uma detalhada seção carnavalesca da época,
assinada pelo jornalista "Oswaldo Oliveira", na edição de 12 de fevereiro de 1907, fez a primeira referência ao ritmo, na reportagem sobre o ensaio do clube Empalhadores do Feitosa, do bairro do Hipódromo, que apresentava, entre outras músicas, uma denominada O frevo. E, em reconhecimento à importância do ritmo e a sua data de origem, em 09 de Fevereiro de 2007, a Prefeitura da Cidade do Recife comemorou os 100 anos do Frevo durante o carnaval de 2007.
Instrumento e letra
De instrumental, o gênero ganhou letra no frevo-canção e saiu do âmbito pernambucano para tomar o resto do Brasil. Basta dizer que O Teu Cabelo Não Nega, de 1932, considerada a composição que fixou o estilo da marchinha carnavalesca carioca, é uma adaptação do compositor Lamartine Babo do frevo Mulata, dos pernambucanos Irmãos Valença.[5]
A primeira gravação com o nome do gênero foi o Frevo Pernambucano (Luperce Miranda/Oswaldo Santiago) lançada por Francisco Alves no final de 1930. Um ano depois, Vamo se Acabá, de Nelson Ferreira pela Orquestra Guanabara recebia a classificação de frevo.
Dois anos antes, ainda com o codinome de "marcha nortista", saía do forno o pioneiro Não Puxa Maroca (Nelson Ferreira) pela orquestra Victor Brasileira
comandada por Pixinguinha.
Ases da era de ouro do rádio como Almirante (numa adaptação do clássico Vassourinhas), Mário Reis (É de Amargar , de Capiba), Carlos Galhardo ( Morena da Sapucaia, O Teu Lencinho, Vamos Cair no Frevo), Linda Batista (Criado com Vó), Nelson Gonçalves (Quando é Noite de Lua), Cyro Monteiro ( Linda Flor da Madrugada), Dircinha Batista ( Não é Vantagem), Gilberto Alves ( Não Sou Eu Que Caio Lá, Não Faltava Mais Nada, Feitiço), Carmélia Alves (É de Maroca) incorporaram frevos a seus repertórios.
Em 1950, inspirados na energia do frevo pernambucano, a bordo de uma pequena fubica, dedilhando um cepo de madeira eletrificado, os músicos Dodô & Osmar fincavam as bases do trio elétrico baiano que se tornaria conhecido em todo o país a partir de 1969, quando Caetano Veloso documentou o fenômeno em seu Atrás do
Trio Elétrico.
O frevo no carnaval
Em 1957, o frevo Evocação No. 1, de Nelson Ferreira, gravado pelo Bloco Batutas de São José (o chamado frevo de bloco) invadiria o carnaval carioca derrotando a marchinha e o samba. O lançamento era da gravadora local, Mocambo, que se destacaria no registro de inúmeros frevos e em especial a obra de seus dois maiores compositores, Nelson (Heráclito Alves) Ferreira (1902-1976) e Capiba. Além de
prosseguir até o número 7 da série Evocação, Nelson Ferreira teve êxitos como o frevo Veneza Brasileira, gravado pela sambista Aracy de Almeida e outros como No Passo, Carnaval da Vitória, Dedé , O Dia Vem Raiando, Borboleta Não É Ave, Frevo da Saudade. A exemplo de Nelson, Capiba também teve sucessos em outros estilos como o clássico samba canção Maria Bethânia gravado por Nelson Gonçalves em 1943, que inspiraria o nome da cantora. Depois do referido É de Amargar , de 1934, primeiro lugar no concurso do Diário de Pernambuco, Capiba emplacou Manda Embora Essa Tristeza (Aracy de Almeida, 1936), e vários outros frevos que seriam regravados pelas gerações seguintes como De Chapéu de Sol Aberto, Tenho uma Coisa pra lhe Dizer , Quem Vai pro Farol é o Bonde de Olinda, Linda Flor da Madrugada, A pisada é essa, Gosto de
Te Ver Cantando.
Cantores como Claudionor Germano e Expedito Baracho se transformariam em especialistas no ramo. Um dos principais autores do samba-canção de fossa, Antônio Maria (Araújo de Morais, 1921-1964) não negou suas origens pernambucanas na série de frevos (do número 1 ao 3) que dedicou ao Recife natal. O gênero esfuziante sensibilizou mesmo a intimista bossa nova. De Tom Jobim e Vinicius de Moraes (Frevo) a Marcos e Paulo Sérgio Valle (Pelas Ruas do Recife) e Edu Lobo ( No Cordão da Saideira) todos investiram no (com)passo acelerado que também contagiou Gilberto Gil a munir de guitarras seuFrevo Rasgado em plena erupção tropicalista.
Blocos de rua brincam nas ladeiras de Olinda
A baiana Gal Costa misturou frevo, dobrado e tintura funk (do arranjador Lincoln Olivetti) num de seus maiores sucessos, Festa do Interior (Moraes Moreira/Abel Silva) e a safra nordestina posterior não deixou a sombrinha cair. O pernambucano Carlos Fernando, autor do explosivo Banho de Cheiro, sucesso da paraibana Elba Ramalho, organizou uma série de discos intitulada Asas da América a partir do começo dos 1980.[6]
Botou uma seleção de estrelas para frevar: de Chico Buarque, Alcione, Lulu Santos e Gilberto Gil a Jackson do Pandeiro, Elba e Zé Ramalho, Geraldo Azevedo, Fagner e Alceu Valença. Entre os citados, Alceu, Zé e Geraldo mais o Quinteto Violado, Lenine, o armorial Antônio Nóbrega e autores como J. Michiles, mantêm no ponto de fervura o frevo pernambucano. Mesmo competindo com os decibéis – e o poder de sedução – do congênere baiano. As pessoas enfrentaram e competiram
A importância do Galo da Madrugada
na preservação do frevo
O Galo da Madrugada é um bloco carnavalesco que preserva as tradições locais. Eles tocam ritmos pernambucanos e desfilam sem cordões de isolamento. O desfile do galo da madrugada é um dos momentos para se ouvir e se dançar frevo no carnaval.
O levante de Vassourinhas
Quando as primeiras notas de Vassourinhas são executadas no carnaval pernambucano, a multidão ergue os braços e grita junto e dança freneticamente.
Os novos intérpretes do Frevo de Pernambuco
No Galo da Madrugada os foliões também têm a oportunidade de conhecer novos intérpretes de Frevo de Pernambuco como: Gustavo Travassos, Almir Rouche, Nena Queiroga, André Rio, entre muitos outros que fazem a voz do frevo
contemporâneo acontecer nas Ruas do Recife.
Tipos de frevo
Na década de 30, surge a divisão do frevo em três tipos[7]
• Frevo de rua • Frevo canção • Frevo de bloco •
Referências
1. ↑Sobre a origemdo frevo, ver: *FREVO - Origem e dança
o IPHAN - Registro do frevo
o Diário do Comércio - 100 anos de coreografia
2. ↑ http://jc.uol.com.br/jornal/2007/02/14/not_219579.php 3. ↑ http://www.opovo.com.br/opovo/vidaearte/669846.html
4. ↑ http://jornalmusical.com.br/textoDetalhe.asp?iidtexto=876&iqdesecao=1
5. ↑ A composição original, dos Irmãos Valença, foi apresentada por Lamartine Babo como de sua autoria, o que gerou uma ação judicial contra o mesmo, ganha pelos autores originais. A ação resultou em acordo, por serem os compositores ainda desconhecidos e Lamartine já famoso no Brasil. Pelo acordo, foi colocado o nome de Lamartine Babo como coautor. Ver [1]
6. ↑ http://inventabrasilnet.t5.com.br/trioel.htm
Forró
Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.
Escultura em barro pintado de um sanfoneiro, um dos músicos que integram as bandas de forró.
Caruaru, Pernambuco
Denomina-se forró uma festa popular brasileira, de origem nordestina, e a dança
praticada nestas festas, conhecida também por arrasta-pé, bate-chinela, fobó, forrobodó. No forró, vários ritmos musicais daquela região, como baião, o coco, a quadrilha, o rojão, o xaxado e o xote, são tocados, tradicionalmente, por trios, compostos de um sanfoneiro (tocador de acordeão -- que no forró é tradicionalmente a sanfona de oito baixos), um zambumbeiro e um tocador de triângulo.
O forró possui semelhanças com o toré e o arrastar dos pés do índios, com os ritmos binários portugueses e holandeses e com o balançar dos quadris dos africanos. A dança do forró têm influência direta das danças de salão européia.
Conhecido e praticado em todo o Brasil, o forró é especialmente popular nas cidades brasileiras de Juazeiro do Norte, Caruaru, Mossoró, São Miguel e Campina Grande, onde é símbolo da Festa de São João, e nas capitais Aracaju, Fortaleza, João Pessoa, Natal, Maceió e Recife, onde são promovidas grandes festas.
História
Origem do nome
O termo "forró", segundo o folclorista potiguar Luís da Câmara Cascudo, notável estudioso das manifestações culturais populares do Brasil, vem da redução da palavra "forrobodó", que significa arrasta-pé, farra, confusão, desordem.
Na etimologia popular (ou pseudo-etimologia) é freqüente associar-se a origem da palavra "forró" à expressão da língua inglesa for all (para todos). Para essa versão foi construída uma engenhosa história: no início do século XX, os engenheiros britânicos, instalados em Pernambuco para construir a ferrovia Great Western, promoviam bailes abertos ao público, ou seja for all. Assim, o termo passaria a ser pronunciado "forró"
