Luxo: design

De raiz indoeuropeia leuk (luz, brilho) e partilhando a sua genealogia com as palavras grega leukós e latina lux, terá dado origem à ibérica luz (luminosidade), de onde deriva luxo (ou luxus em latim). Luxuoso é o que resplandece, o que emite luz, apesar da ilusão burlesca.

From the Indo-European root leuk (light, shine), and sharing its genealogy with the Greek word leukós and the Latin word lux, it may have evolved into the Iberian luz (luminosity), from which the word luxury (or luxus in Latin) derived. Luxury is what is resplendent, radiates light.

“O LUXO É

TUDO AQUILO

QUE NÃO SE VÊ.”

COCO CHANEL

DESIGN

“LUXURY IS

EVERYTHING YOU

DON’T SEE.”

COCO CHANEL

A EXPERIÊNCIA

DE SER

PAREDES

PORTUGAL

JOSÉ CARVALHO ARAÚJO MARCO SOUSA SANTOS MATTHIAS LEHNER PAULO FERREIRA NEVES PEDRO KARST

PEDRO SOUSA PEDRO SILVA DIAS RUI ALVES RUI GRAZINA RUI VIANA

FRANCISCO PROVIDÊNCIA

+

VASCO BRANCO

CURADORIA / CURATORS

THE EXPERIENCE

OF BEING

BY PAREDES

PORTUGAL

promotor coordenação co-financiamento _{benificiário}

parceiros apoios

TÍTULO/TITLE A Experiência de Ser PROMOTOR/PROMOTER Município de Paredes

COORDENAÇÃO EDITORIAL/EDITORIAL COORDINATION Booktailors - Consultores Editoriais

DIREÇÃO DE ARTE/ART DIRECTION Providência Design

DESIGN GRÁFICO/GRAPHIC DESIGN Providência Design

TRADUÇÃO/TRANSLATION Phala

FOTOGRAFIA/PHOTOGRAPHY Marcus Garcia Moreira EDITOR/PUBLISHER Universidade de Aveiro

TEXTO/TEXT

Celso Ferreira , Francisco Providência, Vasco Branco DATA DE PUBLICAÇÃO

2016 ISBN

978-972-789-477-2

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THINK GLOBALLY ABOUT LUXURY,

and make it in Paredes.

Beginning, as always, with the chair - an iconic and ubiquitous object in everyday life, and the principal symbol of our most representative industry - this second edition of Art on Chairs combines artistic, creative and cultural activities with the furniture industry, pursuing a path of adding value and developing the economy in a harmonious marriage between tradition and modernity.

Art on Chairs is an event the not only reflects the centuries old tradition and experience of Paredes in furniture manufacturing, but also promotes design and creativity as key factors of innovation in the industry.

After the success of the first edition and recognition by the European Commission with the RegioStars Award, as one of the most innovative regional projects contributing to the intelligent growth in the region, Art on Chairs 2014/15 takes on an even more international role in raising the profile of Paredes’ furniture in the world, and associating it with design, creativity and quality. We intend to improve the furniture from Paredes and ensure that our companies benefit from the prestige and distinction of a region known for its entrepreneurial excellence.

PENSAR O LUXO GLOBALMENTE

e produzi-lo em Paredes.

Partindo sempre da cadeira – objeto icónico e omnipresente no quotidiano e principal símbolo da nossa mais representativa indústria – esta segunda edição do Art on Chairs cruza as atividades artísticas, criativas e culturais e a indústria de mobiliário, trilhando o caminho para se acrescentar valor e se desenvolver a economia, num casamento harmonioso entre tradição e modernidade.

O Art on Chairs é um evento que não só reflete a tradição e a experiência secular de Paredes na produção de mobiliário mas também promove o design e a criatividade como vetores de inovação na indústria.

Depois do sucesso da primeira edição, reconhecido com o prémio RegioStars da Comissão Europeia como um dos projetos regionais mais inovadores que contribui para o crescimento inteligente do território, o Art on Chairs 2014/2015 assume-se como ainda mais internacional, para aumentar a projeção do mobiliário de Paredes no mundo, associado a design, criatividade e qualidade. Pretendemos qualificar o mobiliário de Paredes e fazer com que as nossas empresas beneficiem do prestígio e da notoriedade da proveniência de uma região de excelência empresarial.

explorando a dimensão material, bem como a vertente de experiência e fruição.

A exemplo da missão empresarial à China aquando a exposição do Art on Chairs na Beijing Design Week, a segunda edição do Art on Chairs tem presença marcada em feiras internacionais de mobiliário como as de Singapura, Milão ou Miami através da marca internacional de mobiliário contemporâneo nascida deste processo: a I DO - Industry Design Organization of Paredes. A promoção internacional do mobiliário de Paredes vai traduzir-se, a médio prazo, em novos mercados, ganhos de faturação e aumento da riqueza do concelho, quer por via do emprego quer por via da valorização da indústria de mobiliário.

O Art on Chairs é assim um dos veículos privilegiados para Paredes aceitar os desafios do século XXI, na senda de cada vez maior prosperidade e bem-estar para a comunidade. Está a marcar um ponto de viragem num território que era já conhecido pela qualidade dos seus produtos e pela competência das suas empresas, mas que hoje se quer um centro de excelência internacional no design de mobiliário.

Muito obrigado. Celso Ferreira Em paralelo com o forte investimento feito na educação para

o aumento da qualificação da população do concelho, a aposta na cada vez maior incorporação de design na nossa indústria em geral e em particular na de mobiliário, para acrescentar valor à produção, começa a dar frutos e Paredes está já a entrar em novo ciclo de prosperidade.

Foi assim que nasceu a exposição Experiência de Ser by Paredes. A iniciativa reúne os resultados das residências More Design More Industry de designers na indústria de Paredes, e do Concurso Internacional de Design. O objectivo das residências foi o de potenciar a criatividade e a inovação em design nas empresas do setor e aumentar as competências e o conhecimento das realidades produtivas, associadas à indústria do mobiliário, dos designers residentes. O Concurso Internacional de Design convidou a comunidade criativa a propor soluções inovadoras em mobiliário e equipamento destinadas à indústria de Paredes, tirando partido dos seus recursos e valências técnicas.

Pretendeu-se possibilitar a produção destas novas peças, valorizando a indústria regional através do design e reforçando o seu posicionamento no segmento específico do mobiliário de luxo. O desafio lançado foi o de pensar e projetar arrojadamente sobre o luxo, numa perspetiva de mercado,

In parallel with the heavy investment made in education to increase the qualifications of the municipal population, the commitment to the ever greater involvement of design in our industry, and particularly in that of furniture, to increase the value of its products, has begun to bear fruit, and Paredes is now entering a new phase of prosperity.

This was how the exhibition “The Experience of Being by Paredes” was conceived. The initiative combines the results of the More Design More Industry residencies by designers in the industry of Paredes, and the International Design Competition. The aim of the residencies was to stimulate design creativity and innovation in the companies in the sector, and increase the resident designers’ skills and knowledge of the manufacturing realities associated with the furniture industry. The International Design Competition invited the creative community to propose innovative solutions for furniture and equipment intended for the industry in Paredes, taking advantage of its resources and technical expertise.

The intention was to make the production of these new pieces possible, enhancing the regional industry through design, and strengthening its positioning particularly in the luxury furniture segment. The challenge set was to boldly design and conceive of luxury, from a marketing point of view, exploring

the material dimension, as well as the aspects of experience and enjoyment.

Following the example of the business mission to China for the Art on Chairs exhibition during the Beijing Design Week, the second edition of Art on Chairs will have a strong presence at international furniture fairs such as Singapore, Milan and Miami due to the international contemporary furniture brand created by this process: I DO — Industry Design Organization of Paredes. In the medium term, the international promotion of Paredes’ furniture will bring increased revenue and greater wealth in new markets, for the municipal area, both in terms of employment and by enhancing the value of the furniture industry.

Thus, Art on Chairs is a privileged vehicle for Paredes to take on the challenges of the 21st century, on a path to growing prosperity and well-being for its community. It marks a turning point in a region that was already known for the quality of its products and the capabilities of its businesses, but which today aspires to be an international centre of excellence in furniture design.

Thank you very much. Celso Ferreira

Francisco Providência (n. 1961) doutorou-se em Design pela Universidade de Aveiro em 2012. Professor associado convidado na Universidade de Aveiro e diretor do programa doutoral em Design, foi um dos primeiros responsáveis pelo desenvolvimento da área de design. É membro associado e cofundador do ID+ (Instituto de Investigação em Design, Media e Cultura), unidade de investigação acolhida pela Universidade de Aveiro e pela Universidade do Porto, na qual é colaborador do projeto CIDES.PT — Centro de Interpretação do Design Português, financiado pela FCT — Fundação para a Ciência e Tecnologia. Membro do comité acessor, em representação de Portugal na BID — Bienal Iberoamericana de Diseño, venceu o prémio internacional Red Dot 2008. Foi galardoado com prémios nacionais de design (nas áreas de comunicação, equipamento e ambiente), recebeu a nomeação do Museu Municipal de Penafiel para o Prémio EMYA para Melhor Museu Europeu 2010 e o Prémio da APOM — Associação Portuguesa de Museologia para Melhor Museu Português em 2010.

Vasco Branco (n. 1956) é doutorado em Engenharia Eletrotécnica e Computadores (Design de Interação), pela Faculdade de Engenharia da Universidade do Porto, 1997. É professor associado do Departamento de Comunicação e Arte da Universidade de Aveiro, onde foi um dos primeiros responsáveis pelo desenvolvimento da área de design. É diretor do ID+ (Instituto de Investigação em Design, Media e Cultura), uma unidade de investigação acolhida pela Universidade de Aveiro e pela Universidade do Porto, na qual é responsável pelo projecto CIDES.PT — Centro de Interpretação do Design Português, financiado pela FCT. Representa a Universidade de Aveiro na ADDICT (Agência para o Desenvolvimento das Indústrias Criativas). É membro do Comité Executivo da European Academy of Design e do conselho editorial de algumas revistas internacionais na área do design (The Design Journal, The ‘Radical’ Designist: Journal of Design Culture e I+DISEÑO).

Vasco Branco obtained his Ph.D. in Electrical and Computer Engineering (Interaction Design), in 1997, in the Faculty of Engineering of the University of Porto. He is Associate Professor at the Department of Communication and Arts of the University of Aveiro, where he was one of the key figures responsible for the development of the Design programme. He is the director of ID+ (Research Institute for Design, Media and Culture), a research unit hosted by the University of Aveiro and the University of Porto, where he also leads the project CIDES.PT — Interpretation Centre for Portuguese Design, funded by the FCT. He represents the University of Aveiro at ADDICT — Agency for the Development of Creative Industries, and is part of the European Academy of Design’s Executive Committee. He is a member of the editorial advisory boards of various international design journals, such as The Design Journal, The ‘Radical’ Designist: Journal of Design Culture and I+ DISEÑO).

Francisco Providência (born. 1961) obtained a PhD in Design at the University of Aveiro in 2012. As Visiting Professor at University of Aveiro and director of the doctoral programme in Design, he was one of the key figures responsible for the development of the Design programme. He is an associate member and co-founder of ID+ (Research Institute for Design, Media and Culture), a research unit hosted by the University of Aveiro and the University of Porto, in which he collaborates in the CIDES.PT project — Interpretation Centre for Portuguese Design, financed by the FCT — Foundation for Science and Technology. Member of the advisory committee representing Portugal in BID — Ibero American Design Biennial, he won the international Red Dot Prize in 2008. He has been awarded national design prizes (in the fields of communication, furniture and environment), was nominated by the Penafiel Municipal Museum for the EMYA award for Best European Museum 2010 and the APOM — Portuguese Museological Association Prize, for Best Portuguese Museum in 2010.

FRANCISCO PROVIDÊNCIA

CURADORIA/CURATOR

DESIGNER, INVESTIGADOR NO ID+, PROFESSOR NA UNIVERSIDADE DE AVEIRO, COMISSÁRIO DA EXPOSIÇÃO A EXPERIÊNCIA DE SER BY PAREDES E COMISSÁRIO DO PROGRAMA MORE DESIGN MORE INDUSTRY.

DESIGNER, RESEARCHER AT ID+, PROFESSOR AT THE UNIVERSITY OF AVEIRO, COMMISSARY FOR THE EXPERIENCE OF BEING BY PAREDES EXHIBITION AND THE PROGRAMME MORE DESIGN MORE INDUSTRY.

VASCO BRANCO

CURADOR/CURATOR

ENGENHEIRO, DIRETOR DO ID+, PROFESSOR NA UNIVERSIDADE DE AVEIRO, COMISSÁRIO DA EXPOSIÇÃO A EXPERIÊNCIA DE SER BY PAREDES E COMISSÁRIO DO PRÉMIO INTERNACIONAL DE DESIGN.

ENGINEER, DIRECTOR OF ID+, PROFESSOR AT THE UNIVERSITY OF AVEIRO, COMMISSARY FOR THE EXPERIENCE OF BEING BY PAREDES EXHIBITION AND FOR THE INTERNATIONAL DESIGN PRIZE.

LUXO É… COMER CISNE SELVAGEM.

Desde o século XII que a captura de cisnes selvagens no Reino Unido é um exclusivo da coroa real; a realeza tutela o direito exclusivo à sua caça, destinando-a ao serviço de banquetes oficiais. A exclusividade mítica dessa experiência gastronómica produziu uma ideia de luxo, tanto pela sua raridade quanto pelo estatuto de poder a ela associada, apestar do selvático significado que o ritual possa hoje mostrar.

Portugal tem uma longa experiência económica associada ao luxo. Com a unificação cultural do território decorrente da fundação nacional (século XII), as populações do Norte passaram a usufruir de uma cultura mediterrânica e árabe — mais sensual, artística e tecnologicamente sofisticada do que a herança visigótica. Entre os séculos XVI e XVIII, Portugal foi o entreposto comercial do luxo oriental, africano e brasileiro com a Europa, transacionando todo o tipo de produtos sobre uma rede judaica de contactos internacionais. Novos estilos artísticos do mobiliário à joelharia, passando pela cerâmica, fizeram de Portugal um criador internacional de luxo; sobretudo com o ouro oriundo do Brasil, tornou-se também um lugar privilegiado do seu consumo.

Se frequentemente se associa o luxo ao consumo sofisticado de bens raros e inacessíveis, nas sociedades contemporâneas o conceito de luxo é cada vez mais indissociável da vivência de

LUXURY IS... EATING WILD SWAN.

Since the 12th century, capturing of wild swans has been an exclusively royal privilege in the UK; royalty is entitled to the exclusive right of hunting them, in order to serve them at official banquets. The mythical exclusivity of this gastronomic experience produced an idea of luxury, as much for its rarity as for the status and power associated with it, despite the brutish associations that the ritual might carry today.

Portugal has an extensive economic experience associated with luxury. With the cultural unification of the territory following the founding of the nation (12th century), the Northern populations came to enjoy a Mediterranean and Arabic culture—more sensual and artistic, and technologically more sophisticated than the Visigoth heritage. Between the 16th and 17th centuries, Portugal was the commercial trading hub in Europe for Oriental, African and Brazilian luxuries, trading all manner of products through a Jewish network of international contacts. New artistic styles of furniture and jewellery, right through to ceramics, made Portugal an international creator of luxury; above all with the gold which came from Brazil, and it also became a privileged place for its consumption.

If luxury is often associated with the sophisticated consumption of rare and unattainable goods, in contemporary societies the concept of luxury is increasingly linked to the

«O LUXO É UMA

NECESSIDADE

QUE COMEÇA ONDE

A NECESSIDADE

TERMINA […],

NÃO É O OPOSTO

DA POBREZA, MAS DA

VULGARIDADE. O LUXO É

TUDO AQUILO

QUE NÃO SE VÊ»

COCO CHANEL

“LUXURY IS A

NECESSITY WHICH

BEGINS WHERE

NECESSITY ENDS…

IT IS NOT THE

OPPOSITE OF

POVERTY, IT IS

THE OPPOSITE OF

VULGARITY. LUXURY

IS ANYTHING YOU

DON’T SEE”

COCO CHANEL

appearance, profess a greater demand for quality of life. Pieces that are, in the end, morphological statements about how to live.

In its more obvious and contemporary aspect, luxury is divided between one form of representation and another of experience—representing the status of dominance and social exclusivity, and offering its privileges for the enjoyment of pleasure and beauty—the brand “by Paredes (Portugal)” aims to displace the idea of luxury from a mere demonstration of acquisitive power towards a higher enjoyment of existence.

For this reason, we are not dealing with a design object formulated exclusively from the categories of taste, of ergonomic comfort or of functional practicality, but from a reading of it as a manifestation of meaning, as a technological manifesto for the design of the future for humans, and therefore, as a philosophical object.

The idea of luxury is based on the practises of privilege and social exclusively. The demonstration of richness for extravagant ostentation demonstrates a state of dominance, in contrast to any form of submission. The manifestations of richness are declarations of sovereignty and consequently, of liberty. A “life of luxury” therefore signifies a life of domination over social, economic and geographic circumstances, in other words, lived in conditions of exception and liberty. Liberation

novas experiências, qualificadas pelo belo, pela contemplação e pela sensualidade. Mas a experiência do luxo funda-se na afirmação do ser que se revê na diferença. Por isso, o luxo revela mais sobre quem o consome do que o contrário. O luxo é, em última instância, a máxima expressão da dignificação humana. _ A que pode ambicionar o homem mortal se não a uma existência de luxo?

Os artefactos aqui selecionados demonstram diferentes propostas de design de mobiliário unidas pela resposta à mesma pergunta: _Como interpretar os sinais que reequacionam e descolam a ideia de luxo da simples demonstração de poder aquisitivo para o poder de fruir a própria vida?

By Paredes, sob o signo da prosperidade.

O estatuto de luxo, hoje condição comercial para o sucesso das marcas e das nações, foi o tema que convocou o grupo de dez designers portugueses para o desenho de peças originais, concebidas e construídas em madeira por Paredes (Portugal). A interpretação do luxo pelos autores convidados exprime-se num conjunto de objetos originais que, a par de um pretexto funcional, exploram formas materializando novas ideias para o futuro. Não se trata apenas do recurso a técnicas e materiais de exceção (como verificamos, por exemplo, nos produtos artesanais da Hermès ou da Lottusse), mas sobretudo de

enjoyment of new experiences, characterized by beauty, by contemplation and by sensuality. But the experience of luxury is based on the affirmation of self which is reflected in its distinctiveness. For this reason, luxury reveals more about those who consume it than vice versa. Luxury is, in the final analysis, the ultimate expression of human distinction. _ To what can mortal Man aspire, if not a life of luxury?

The artefacts selected here demonstrate diverse proposals for furniture design, united in their response to the same question: _How to interpret the symbols which redefine and replace the idea of luxury as a simple demonstration of acquisitive power with the ability to enjoy life itself?

By Paredes, under the symbol of prosperity.

Luxury status, now a commercial necessity for the success of brands and of nations, was the theme that brought together a group of ten Portuguese designers to create original pieces, designed and built in wood by Paredes (Portugal).

The invited designers’ interpretation of luxury is expressed in a series of original objects, which, together with a functional pretext, explore forms and realize new ideas for the future. It is not just the use of exceptional techniques and materials (as we see, for example, in handmade products by Hermés or Lottusse) but, above all, new ideas that, in their precise

novos argumentos que professam na aparência lacónica a maior exigência de qualidade de vida. Peças que são, afinal, depoimentos morfológicos sobre como estar na vida. Se, na sua dimensão mais óbvia e contemporânea, o luxo se divide entre uma forma de representação e outra de experiência — representando o estatuto de domínio e exclusão social e oferecendo os seus privilégios pela fruição do prazer e da beleza —, a marca «by Paredes (Portugal)» entende deslocar a ideia de luxo da simples demonstração do poder aquisitivo para a superior fruição da existência. Por isso não se trata já de olhar para o objeto de design formulado exclusivamente a partir das categorias do gosto, do conforto ergonómico ou da sua funcionalidade prática, mas de o ler como manifestação de significado, como manifesto tecnológico para o desenho do futuro humano; como objeto filosófico, portanto.

A ideia de luxo funda-se nas práticas de privilégio e exclusão social. A demonstração de riqueza pela ostentação sumptuária manifesta uma condição de domínio, contrariando toda a forma de submissão. As manifestações de riqueza são manifestos de soberania e, consequentemente, de liberdade. Uma «vida de luxo» significa assim uma vida de domínio sobre as contingências sociais, económicas e geográficas, ou seja, desempenhada em condições de exceção e liberdade.

(practical) necessities. Luxury will be the next step toward the consumer’s state of need: its purpose is to surprise him. However, according to Maslow, whoever has not satisfied his basic physiological needs, will not be awakened to a level of moral self-realisation.

We could switch the word “luxury” with “art” without altering the meaning of the argument. What can be offered by the art of furniture, state of the art cabinetry or ebanism, depends on the state of need of whoever wants them. For this reason no rule can be applied to the definition of what Art is. Art shares its significance with those who consume it. It is symbolic and because of this, it is “open,” that is to say, it results from an interpretation external to itself, and which transcends it. The exercise of designing a collection of luxury objects had as its thesis the conviction that diversity could contribute to quality. Ten designers, ten lives and interpretations of the meaning of dwelling, responded with a group of 17 objects constructed in partnership with 17 industrial production units. The group resulted in a heterogeneous collection of exceptions, of manifestos in wood, magnificently constructed, which are polarized in the field of intentions, attracted as much by the glorification of the minimum as the maximum.

Where minimalism seeks to reduce the theatrical form and impact of objects and emphasize the experience of being,

A libertação da condição funcional faz dos homens e das suas vidas uma finalidade em si mesma e não em função do desempenho atribuído. Nesse sentido, e além do problema sociológico resultante da luta de classes que o luxo serve, urge compreender o design de luxo como resposta antropológica à existência.

As expressões do luxo, no entanto, não são comuns nem semelhantes, apresentando-se mesmo e por vezes sob paradoxal oposição. O que é luxuoso para uns pode não ser para outros, assim se georreferenciando os consumidores no plano do desejo. Talvez também aqui se aplique a velha pirâmide de necessidades de Maslow: o acesso a água potável pode ser uma manifestação de luxo. O prazer de construir um sistema moral a partir da sua própria experiência também. Entre um e outro, há necessidades de representação social que passarão pelo uso de objetos prodigiosos, capazes de atrair a atenção e admiração públicas. O luxo e as suas manifestações de poder, de prazer ou de fruição, dividem-se entre a contribuição representacional do ter e a contribuição experiencial para o ser, progredindo na escala de necessidades.

O MÍNIMO DE FORMA PARA O MÁXIMO DE VIDA

Como afirmou Coco Chanel, «o luxo é uma necessidade que começa onde a necessidade termina». Quer dizer que a sua necessidade está acima das necessidades (práticas). O luxo será

o degrau seguinte ao estado de necessidade do consumidor: é sua função surpreendê-lo. Contudo, segundo Maslow, quem não tem satisfeitas as suas necessidades fisiológicas básicas não estará desperto para o nível da autorrealização moral. Poderíamos trocar a palavra «luxo» por «arte» que não se alteraria o sentido do discurso. O que a arte do mobiliário, o estado da arte da marcenaria ou o ebanismo podem oferecer dependerá do estado de necessidade de quem a procura. Por isso não se pode atribuir uma regra à definição do que seja Arte. A Arte partilha o seu significado com quem a consome, é simbólica e por isso «aberta»; quer dizer, resulta de uma interpretação exterior a si mesma, que a ultrapassa.

O exercício de desenho de uma coleção de objetos de luxo teve como tese a convicção de que a diversidade poderia contribuir para a qualidade. Dez autores, dez casos de vida e de interpretação do significado de habitar, responderam com um conjunto de 17 objetos construídos em parceria com 17 unidades de produção industrial. O conjunto resultou numa coleção heterogénea de exceções, de manifestos de madeira magistralmente construídos, que se polarizam no campo das intenções, atraídos tanto pela exaltação do mínimo quanto do máximo.

Onde o minimalismo procura reduzir a forma e o impacto cénico dos objetos privilegiando a experiência da existência, queria o maximalismo ter visto os meios cénicos de alienação e demonstração fantasiosa da prosperidade.

from the functional condition makes men and their lives an end in itself, and not a function of the role they are given. In this sense, notwithstanding the sociological problem resulting from luxury’s role in the struggle of the classes, there is an urgent need to understand luxury as an anthropological response to existence.

Expressions of luxury, however, are neither common nor similar, actually appearing at times to be in paradoxical opposition. What is luxurious for some may not be for others, if consumers’ positions were geo-referenced in the plan of desire. Maybe here, we can also apply the Maslow’s old pyramid of necessity: access to drinking water might be a manifestation of luxury, as might the pleasure of constructing a moral system from one’s own experience. Between one and the other, there are necessities of social representation which include the use of extraordinary objects, capable of attracting public attention and admiration. Luxury and its manifestations of power, of pleasure or enjoyment, are divided between the representational contribution of having, and the experiential contribution of being, progressing along the scale of necessities.

THE MINIMUM OF FORM FOR THE MAXIMUM OF LIFE As Coco Chanel declared, “luxury is a necessity that begins where necessity ends.” In other words, its need is beyond

narratives. At the first level, we can identify the pieces of Rui Alves, Paulo Neves and Matthias Lehner as responses to the everyday enhancement of comfort and civility. At the second, the pieces of José Carvalho Araújo revel in the celebration of excess. In the third, those of Marco Sousa Santos are appropriated from the ideas and the image of luxury brands. Rui Viana and Pedro Sousa explore, at the fourth level, the artisanal qualities of manufacturing in tension with industry. Pedro Karst works at the fifth level, through the exploration of the limits of sensation and desire. At the sixth level, Rui Gazina looks to the avant-garde for the greatest expression of culture. At the seventh and final level, Pedro Silva Dias exchanges all this for the sublime, which is revealed through the hermeticism of absolute form.

_What is shared and what is distinctive in these luxury objects, designed in Portuguese? Throughout his career, Álvaro Siza designed in a way which was open to cultural contamination from outside, concise in its details invoking the emptiness of “poverty” as a luxury and inviting the poetic through metaphor as the primary purpose of creating. The distinctiveness of Portuguese design will be based on the geography of its territory and the history of its people, under these three conditions: cultural blending, sparseness of form and metaphor as argument. Portuguese design maximalism wants to see the theatrical devices of alienation

and the fantastical display of prosperity.

To understand what maximalism is, a post modernist (Daryush Shokof), as opposed to modernist minimalism (Donald Judd), perhaps allows us a better understanding of the growing new market that is emerging in the Middle and Far East, in contrast to the markets of Northern Europe and Japan.

If in minimalism, we could see the possibility for human redemption for Man himself, forgetting all the falsehood of metaphysical promises and accepting the emptiness contained in the Zen ceremony to drink a cup of tea in a place of minimal form, today we see in maximalism a hysterical incentive to consume, seeking in the fantasy of prosperity, the promise of happiness that can overcome the uncomfortable melancholy of emptiness. For this reason, we are not only dealing with the inverted opposition of minimal and maximal objects, but also with proposals for opposing styles of life. In the Baroque, which imitated the forms of nature, we perceive not only its understanding, but also its artificial recreation, which will not or cannot accept the reality of existence.

SEVEN STUDIES OF LUXURY IN PORTUGUESE

Paulo Providência, in a reflection on the possibilities of a theory of luxury, proposes its categorization into seven

Compreender o que é o maximalismo (Daryush Shokof) pós-modernista, na oposição a um minimalismo (Donald Judd) modernista, permitirá porventura compreender um novo mercado ascendente que emerge no Oriente Médio e Extremo em oposição aos mercados do Norte da Europa ou do Japão. Se no minimalismo víamos a possibilidade da redenção humana pelo próprio homem, esquecido de toda a falsidade de promessas metafísicas e aceitando o vazio que comporta a cerimónia zen de beber uma chávena de chá num lugar mínimo de forma, hoje vemos no maximalismo o incentivo histérico ao consumo, procurando na fantasia da prosperidade a promessa da alegria que possa superar a desconfortável melancolia do vazio. Por isso, não se trata apenas da oposição inversa de formas mínima e máxima, mas também da proposta de estilos de vida inversos. No barroco, que imita as formas da natureza, percebemos não a sua compreensão mas a sua recriação artificial, que não quer ou não pode aceitar a realidade da existência.

SETE ENSAIOS DE LUXO EM PORTUGUÊS

Paulo Providência, numa reflexão sobre a possibilidade de uma teoria do luxo, propõe a sua tipificação em sete narrativas. No primeiro nível, poderíamos identificar as peças de Rui Alves, Paulo Neves e Matthias Lehner como respostas à valorização quotidiana de conforto e civilidade. No segundo,

as peças de José Carvalho Araújo exultam a celebração com excesso. No terceiro, as de Marco Sousa Santos apropriam-se da ideia e imagem das marcas de luxo. Rui Viana e Pedro Sousa exploram, no quarto nível, as qualidades artesanais de produção na tensão com a indústria. Pedro Karst trabalha o quinto nível, pela exploração dos limites da sensação e do desejo. No sexto nível, Rui Grazina procura na vanguarda a maior expressão de cultura. No sétimo e último nível, Pedro Silva Dias troca tudo o resto pelo sublime, que se revela no hermetismo da forma absoluta.

_O que têm de comum e distinto estes objetos de luxo desenhados em português? Ao longo da sua obra, Álvaro Siza desenhou de forma aberta à contaminação cultural do outro, lacónico nos remates invocando o vazio da «pobreza» como luxo e convocando a poética através da metáfora, enquanto primeira intenção do fazer.

Nestas três condições estará a diferença de um design português fundado na geografia do seu território e na história da sua nação: a miscigenação cultural, o laconismo formal e a metáfora como argumento. O design português é, pois, o da poesia, o da verdade que a poesia convoca, quer dizer: o da clarividência na existência.

Fernando Pessoa enquanto diretor do segundo número da revista Orpheu, identifica na génese ontológica da revista

is, therefore, that of poetry, that of the truth that poetry evokes, which is to say: that of insight into existence. Fernando Pessoa, as director of the second edition of the periodical Orpheu, identified three agents in the ontological genesis of the periodical: French symbolism, Italian futurism and Portuguese pantheism. Portuguese pantheism is the wisdom that comes from Caeiro, the poet master of all his aliases, the wise man who set himself the task of unlearning, so that he could see everything, as if for the first time. This phenomenological understanding of reality, this suspension of understanding to truly discover through the senses, would be the difference with which Caeiro disciplines himself; it is the ontological condition of being the whole Universe that makes him feel the absence of the whole Universe that is yet to be. This then, is what will be Portuguese and distinctive about the collection.

Francisco Providência

três agentes: o simbolismo francês, o futurismo italiano e o panteísmo português. O panteísmo português é o conhecimento que vem de Caeiro, o poeta mestre de todos os seus heterónimos, o sábio que se obrigava ao exercício de desaprender, para poder ver tudo como se fosse pela primeira vez. Esta descida à compreensão fenomenológica da realidade, esta suspensão do conhecimento para conhecer verdadeiramente com os sentidos, será a diferença em que se disciplina Caeiro; é a condição ontológica de ser todo o Universo que o faz sentir a carência pelo Universo todo que ainda não é. Eis, pois, o que de português e distinto terá a coleção.

Francisco Providência

JOSÉ CARVALHO ARAÚJO GUARNIÇÃO

JOSÉ CARVALHO ARAÚJO SUIDENETO

MARCO SOUSA SANTOS JFLS CADEIRAS

MARCO SOUSA SANTOS CAMILA MÓVEIS

MATTHIAS LEHNER GUALTORRES

MATTHIAS LEHNER

CADEIRAS MACHADO

PAULO NEVES CUNHA MOBILIÁRIO

PAULO NEVES RABISCOS SENSATOS

PEDRO KARST MÓVEIS FIALHO

PEDRO SOUSA RONFE CLASSIC

PEDRO SILVA DIAS A. BRITO

PEDRO SILVA DIAS WOODSPACE

RUI ALVES ANTÓNIO SEABRA MÓVEIS

RUI GRAZINA IDEALMÓVEL

RUI GRAZINA ZAGAS

RUI VIANA CÓMODOS MOBILIÁRIO

RUI VIANA EVANYROUSE

DESIGNERS CONVIDADOS INVITED DESIGNERS

JOSÉ CARVALHO ARAÚJO

Nasceu na cidade de Braga, em Portugal, no ano de 1961. Formado em Arquitetura pelas faculdades de arquitetura do Porto e de Lisboa, iniciou a sua atividade como designer e arquiteto primeiro no CECA em 1986 e posteriormente no Atelier Carvalho Araújo em 1996. Atualmente assume também a posição de consultor e diretor criativo na empresa Iduna, é professor convidado no curso de Arquitetura da Universidade Católica Portuguesa e membro da comissão de acompanhamento do curso de Design da Universidade do Minho em Portugal. É assiduamente convidado para participar em exposições, conferências e congressos, recebendo diversas distinções nacionais e internacionais nas áreas de arquitetura e design.

JOSÉ CARVALHO ARAÚJO

He was born in the city of Braga, Portugal, in 1961. He graduated in Architecture from the faculties of architecture of Porto and Lisbon, and began working as a designer and architect at CECA in 1986 and afterwards at Atelier Carvalho Araújo, in 1996. Currently, he also holds the position of consultant and creative director in the company Iduna. He is a visiting professor for the Architecture Course of the Catholic University and a member of the monitoring committee of the Design Course at the University of Minho in Portugal. He is regularly invited to participate in exhibitions, conferences and meetings, and has received numerous national and international awards in Architecture and Design.

COMPANHEIROS

(do latim cum panis) significa aqueles com quem dividimos o pão. Sinal da maior confiança, partilhamos a mesa e as ideias com os nossos companheiros. José Carvalho Araújo desenhou uma mesa suspensa por quatro cadeiras. A metáfora sugere que são os companheiros a fundarem a mesa e não o contrário.

A frágil ligação vertical que suspende o tampo transmite a sensação de improbabilidade, senão mesmo impossibilidade (da partilha), que faz deste objeto tanto uma voz de verdade quanto de promessa.

A evidente superação da dimensão funcional do objeto mesa encontra na menor expressão da forma construtiva o seu argumento de diferença e de luxuosa raridade. Construído sob os mais exigentes requisitos de qualidade e rigor da manufatura industrial Guarnição, diferencia-se pela expressão dos seus acabamentos.

COMPANIONS

(from the Latin cum panis) means whom we share bread with. A sign of great trust, we share the table and ideas with our companions.

José Carvalho Araújo has designed a table suspended by four chairs. The metaphor suggests the companions form the ba-sis for the table, not the opposite.

The fragile vertical connection acting as a support for the tabletop evokes a sense of the improbability, if not the actual impossibility (of sharing), which turns this object into a voice of truth and promise.

The clear transcendence of the table as a functional object reveals, through the reduced expression of its constructional form, a claim to distinction and luxurious rarity. Built to the most demanding standards of quality and rigor by the manu-facturing company Guarnição, it stands out due to its expres-sive finishes.

«APRENDI QUE

É SUFICIENTE

ESTAR COM

AQUELES DE

QUEM GOSTO.»

“I HAVE LEARNED

THAT TO BE WITH

WHOM I LIKE IS

ENOUGH.”

WALT WHITMAN

SHARING TABLE DESIGN DE

JOSÉ CARVALHO ARAÚJO COLABORAÇÃO DE RITA GARIZO PRODUZIDA POR GUARNIÇÃO, PAREDES PT

SHARING TABLE

DESIGNED BY

JOSÉ CARVALHO ARAÚJO

I N COLLABORATION WITH RITA GARIZO PRODUCED BY GUARNIÇÃO,

sharing table

76x346x180 cm

design de José Carvalho Araújo colaboração de Rita Garizo produzido por Guarnição, Paredes PT designed by José Carvalho Araújo in collaboration with Rita Garizo produced by Guarnição, Paredes PT

BOTECO

A espessura material parece fazer frente ao medo da incerteza. Mater, matéria, matriz, são palavras latinas que têm origem no radical «mãe». A mãe material é origem de vida e memória de proteção, comum aos mamíferos. Mãe é a casa que nos recebe. A forma e espessura da mesa Boteco tem uma evocação de solidez maternal. Está ali para nos receber inflexível, sólida como os bancos corridos que, nas tabernas do norte, tornavam irmãos todos os homens enquanto bebiam vinho tinto. Produzida pela Suideneto mobiliário, é inevitável a associação do peso da mesa à leveza do vinho, simultaneamente casa e prancha de surfe. Uma mesa para voar, ou para celebrar a paz no mundo.

BOTECO

Its physical thickness seems to confront the fear of uncertainty. Mater, matter and matrix, they are all Latin words originating from the word “mother.” The material mother is the origin of life and a remembrance of protection, common to all mammals. Mother is home which welcomes us. The form and thickness of the Boteco table evoke maternal solidity. It welcomes us, resolute and solid like the long benches which, in Portugal’s taverns, turn all men into brothers when they drink red wine. Manufactured by furniture makers Suideneto, the association of the heaviness of the table with the lightness of wine is inevitable: it is simultaneously a house and a surfboard. A table to fly on, or to celebrate world peace.

“THE ONLY THING

WE HAVE TO FEAR IS

FEAR ITSELF.”

«A ÚNICA COISA

QUE TEMOS

DE TEMER É

O MEDO.»

F. ROOSEVELT

BOTECO ESTABELECIMENTO COMERCIAL MODESTO QUE SERVE BEBIDAS E REFEIÇÕES LIGEIRAS

DESIGN DE

JOSÉ CARVALHO ARAÚJO COLABORAÇÃO DE RITA GARIZO PRODUZIDO POR SUIDENETO, PAREDES PT

BOTECO

MODEST COMMERCIAL ESTABLISHMENT THAT SERVES DRINKS AND LIGHT MEALS DESIGNED BY

JOSÉ CARVALHO ARAÚJO IN COLLABORATION RITA GARIZO PRODUCED BY SUIDENETO, PAREDES PT

boteco

estabelecimento comercial modesto que serve bebidas e refeições ligeiras modest commercial establishment that serves drinks and light meals 76x300x100cm

design de José Carvalho Araújo colaboração de Rita Garizo produzido por Suideneto, Paredes PT designed by José Carvalho Araújo in collaboration with Rita Garizo produced by Suideneto, Paredes PT

MARCO SOUSA SANTOS

Formado em Design de Equipamento pela Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, é um designer transversal que trabalha em diversas áreas do projeto e da gestão do design. No ateliê Proto Design (que cofundou em 1991) e posteriormente na Experimenta Design (1998), concebeu exposições e coleções de produtos com designers nacionais (e internacionais) que promovem a difusão de uma nova geração de autores no circuito Internacional do design, solidamente documentada em revistas como a Domus, a Interni, a Intramuros, entre outras. Durante este período, foi também comissário de importantes mostras de design português organizadas pelo Aicep, CPD, British Council e Museu do Design. Em 2003 e 2004, foi o diretor de design da feira In‘nova, em Lisboa, organizada pela Aip/Fil. Natural de e residente em Lisboa, faz da sua cidade a base inspiradora do Projeto Branca-Lisboa, com sede no Porto e produção das coleções de mobiliário em parceria com as indústrias de mobiliário do Norte do país. Leciona Design de Equipamento na FBAUL, tendo também lecionado na Ecal de Lausanne e na ESAD de Estrasburgo, em regime de workshops (2002-2004).

MARCO SOUSA SANTOS

Trained in Equipment Design at the Lisbon Faculty of Fine Arts, he is a multifaceted Designer working in various areas of design and design management. In the Proto Design studio (which he co-founded in 1991), and later in Experimenta Design (1998), he designed product exhibitions and collections with national (and international) designers, promoting the dissemination of a new generation of designers on the International Design circuit, well documented in magazines such as Domus, Interni, and Intramuros, among others. During this period, MSS was also commissioner of important Portuguese Design exhibitions organized by Aicep, CPD, the British Council, and the Museum of Design, and in 2003 and 2004, he was the director of Design for the trade show In’nova, in Lisbon, organized by Aip/ Fil. Living in Lisbon, where he was born, the designer turned his city into the inspiring basis of the Branca-Lisboa Project, which is based in Porto and produces furniture collections in partnership with the furniture manufacturers of the North. He teaches Equipment Design at FBAUL, having also taught workshops at Ecal in Lausanne and at ESAD in Strasbourg (2002-2004).

O CADEIRÃO

desenhado por Marco Sousa Santos e magistralmente construído pelo cadeireiro Loureiro dos Santos inspira os solitários prazeres da leitura pela sua forma relaxada e protetora. É um cadeirão desenhado para voar confortavelmente recostado; por isso deve estar à beira das varandas ou nos alpendres, servindo os maternais propósitos de acolhimento à leitura que, nas noites quentes de verão, se fazem ao som de cigarras. A evidência da estrutura aparente que se transforma em superfície para apoiar cria uma tensão de desenho entre cheios e vazios, entre linha e superfície, que é em si mesma uma poesia visual esculpida em nogueira-americana. O castanho da nogueira, que por vezes migra para roxo ou azul, é, na magreza da sua estrutura e clareza da sua arquitetura, o exemplo de esclarecimento facultado pelo design contra a opacidade hermética da tecnologia. A sensualidade do toque polido da madeira e o intenso aroma do cadeirão e mesa de apoio construída pela Camila Móveis ficarão para sempre gravados na memória de quem se abandone aos seus cuidados.

THE ARMCHAIR

designed by Marco Sousa Santos and magnificently built by the company José Fernando Loureiro dos Santos inspires the solitary pleasures of reading through its relaxed and protecting form. It is designed to fly while sitting back comfortably, hence it should sit at the edge of a veranda or on a porch, for the maternal purposes of reading, which, on hot summer nights, is done to the sound of crickets. The exposed structure transformed into a supporting surface creates a tension in the design between solids and voids, lines and surfaces, a tension which is visual poetry sculpted in black walnut. The brown of the walnut, which at times tends to purple or blue, is, in its slender structure and clear architecture, an example of the intelligibility provided by design against technology’s hermetic opacity. The sensuality of the polished touch of wood and the armchair and table’s intense aroma built by Camila Móveis will be forever ingrained in the memory of those who let themselves be taken into its care.

«NÃO HÁ PRAZER

MAIS COMPLEXO

QUE O DO

PENSAMENTO.»

“THERE IS NO

PLEASURE MORE

COMPLEX THAN

THOUGHT.”

J. LUIS BORGES

OSSO & TRI

DESIGN DE

MARCO SOUSA SANTOS COLABORAÇÃO DE PEDRO PEDROSO

PRODUZIDO POR JFLS CADEIRAS E CAMILA MÓVEIS, PAREDES PT

OSSO & TRI

DESIGN BY

MARCO SOUSA SANTOS IN COLLABORATION WITH PEDRO PEDROSO

PRODUCED BY JFLS CADEIRAS AND CAMILA MÓVEIS, PAREDES PT

tri

33x110x72.5 cm

design de Marco Sousa Santos colaboração de Pedro Pedroso produzido por Camila Móveis, Paredes PT

designed by Marco Sousa Santos in collaboration with Pedro Pedroso produced by Camila Móveis, Paredes PT

osso

88.5x64x79.5 cm

design de Marco Sousa Santos colaboração de Pedro Pedroso produzido por JFLS Cadeiras, Paredes PT

designed by Marco Sousa Santos in collaboration with Pedro Pedroso produced by JFLS Cadeiras, Paredes PT

MATTHIAS LEHNER

Em 2009 licenciou-se em Design industrial pela Universidade de Ciências Aplicadas de Munique. Desde então trabalhou para vários gabinetes de design, do design de consumíveis eletrónicos a mobiliário, na Dinamarca e na Alemanha. A partir de 2011 começou o seu próprio estúdio em Munique, trabalhando na área do mobiliário, louças e design de interiores. Focou-se em produtos de grande exigência de qualidade e estética, mas também com um pequeno sentido de ironia e humor. Pretendendo ser mais do que somente outro produto, os seus projetos contam sempre uma história que acrescenta uma espécie de personalidade a cada peça. Entre outros, encontra-se também a trabalhar como freelancer para empresas como a Vista Alegre Atlantis, Designit, Villeroy & Boch e Koziol. Além disso, está a trabalhar como assistente permanente na Studio Christian Haas desde 2012.

MATTHIAS LEHNER

In 2009 he graduated as a Diploma Industrial Designer at the University of Applied Sciences in Munich. Since that he has been working for different design offices, from consumer electronics to furniture design, in Denmark and Germany. From 2011 he started his own studio in Munich, working in the field of furniture, tableware and interior design. He has been fosucing on products with a high demand on quality and aesthetic, but also with a small sense of irony and humour. Intending to be more than just another product, his designs always tell a story which adds some sort of personality to each piece. Among others, he is also working as a freelancer for companies such as Vista Alegre Atlantis, Designit, Villeroy & Boch, and Koziol. He has also been working as a permanent assistant for Studio Christian Haas since 2012.

MAMMOTH

Para contrariar o quotidiano apressado em que nos cruzamos sem nos vermos, Matthias Lehner propôs-se requalificar o tempo como o verdadeiro luxo: um tempo fruído com a família e amigos em torno de uma boa refeição. A peça homenageia o animal sacrificado até à extinção para hegemonia das famílias humanas, agora sentadas à volta de mesas domésticas, onde se perpetua no habitáculo contemporâneo o mesmo ritual de comer em conjunto que fundou a família. O nome deste projeto, Mamute, denuncia uma inspiração biónica. Tecnicamente suportado pela consultoria e fabrico industrial da Gualtorres, traduz-se na elegante estrutura óstraduz-sea. Segundo Matthias Lehner, este projeto está em sintonia com uma herança da tradição artesanal, que, desde sempre e em diferentes contextos culturais, encontrou na Natureza os argumentos de forma para construção de objetos. Por esse motivo, essas formas podem aspirar a ser globalmente reconhecidas, ligando-se diretamente à nossa consciência coletiva.

MAMMOTH

To counter our hectic daily lives, when we cross each other’s path without actually seeing one another, Matthias Lehner proposes a reclassification of time as a true luxury: time enjoyed with family and friends around a good meal. Hence the family table, as well as the chairs surrounding it, becomes the versatile and communicative centrality of contemporary dwelling. This project’s name, Mammoth, reveals its bionic inspiration, technically supported by the consulting and industrial manufacturing of Gualtorres. It translates into an elegant skeletal structure. According to Matthias Lehner, this design continues the artisanship tradition, which has always, and in different cultural contexts, found formal concepts in Nature to build objects. Thus these forms can aspire to be recognized globally and connect directly to our collective conscience.

MAMMOTH

DESIGN DE MATTHIAS LEHNER PRODUZIDO POR CADEIRAS MACHADO E GUALTORRES, PAREDES PT

MAMMOTH

DESIGN BY MATTHIAS LEHNER PRODUCED BY CADEIRAS MACHADO AND GUALTORRES, PAREDES PT

«O TEMPO,

ESSA INQUIETAÇÃO

PURA DA VIDA E

ESSE PROCESSO DE

ABSOLUTA

DISTINÇÃO.»

“TIME, THE SHEER

RESTLESSNESS OF

LIFE AND ITS

ABSOLUTE

AND INHERENT

PROCESS OF

DIFFERENTIATION.”

mammoth

180x100x74cm design de Matthias Lehner produzido por Gualtorres, Paredes PT

designed by Matthias Lehner produced by Gualtorres, Paredes PT

mammoth

75.5x53x46cm design de Matthias Lehner produzido por Cadeiras Machado, Paredes PT

designed by Matthias Lehner produced by Cadeiras Machado, Paredes PT

PAULO NEVES

Nascido em 1980. Entre 2000 e 2002 frequentou o curso de Arquitetura da Universidade do Porto, tendo em 2006 obtido a licenciatura em Design pelo Departamento de Comunicação e Arte da Universidade de Aveiro. É, entre 2006 e 2011, designer industrial na Alert Life Sciences Computing, SA. Em 2010 criou, em parceria com o designer Alexandre Kumagai, o estúdio de design de produto gud; desde então desenha e desenvolve objetos para produtores e marcas de mobiliário nacionais e internacionais, entre as quais Artisan, Ethnicraft/Universo Positivo, Noble & Wood, Schuster ou Wewood — Portuguese Joinery.

PAULO NEVES

Born in 1980. From 2000 to 2002, he attended the Architecture course at the University of Porto, and in 2006, obtained a degree in Design from the Department of Communication and Art at the University of Aveiro. From 2006 to 2011, he was an industrial designer at Alert Life Sciences Computing, SA. In 2010, he created the product design studio “gud,” in partnership with the designer Alexandre Kumagai. Since then he has designed and developed objects for national and international furniture producers and brands, including: Artisan, Ethnicraft/ Universo Positivo, Noble & Wood, Schuster and WEWOOD — Portuguese Joinery.

O PAR

de uma secretária — que também pode ser um tabuleiro ou uma mesa de apoio — em convívio com uma cadeira encontrou na Cunha Mobiliário e na Rabiscos Sensatos parceiros de excelência para a sua materialização em madeira maciça. Exploram a singularidade das texturas, da cor e dos cheiros, dotando-as da identidade própria que a camada superficial oferece, irrepetível manifestação de luxo natural. O desenho enfatiza nos pormenores, ancestrais técnicas construtivas de marcenaria, explorando técnicas cuja estrutura e visualidade reclamam o tempo de uma tecnicidade tradicional arcaica. No entanto, Paulo Neves recupera a contemporaneidade do desenho pela simplicidade visual dos componentes, estabelecendo com as técnicas antigas, novas e exuberantes relações que emprestam intemporalidade aos objetos, ampliando o seu tempo de duração e uso.

IN THE PAIRING

of a desk —which can also be a tray for a side table—together with a chair, an exceptional partner was found in Cunha Mobiliário to create it in solid wood. Exploring the uniqueness of textures, color and smells, these artifacts reveal the unique identity surface provides to the touch, an inimitable expression of natural luxury. The design’s details emphasize the ancient constructional techniques of cabinet making, exploring structure and methods which recall a time of age-old traditional techniques. However, Paulo Neves reintroduces the contemporary nature of design with the visual simplicity of each component, establishing new and exuberant relationships with old techniques which lend timelessness to the artifacts, thus extending their lifespan.

«O PRAZER

ESTÉTICO DEVE

SER UM PRAZER

INTELIGENTE.»

“AESTHETIC

PLEASURE SHOULD

BE AN INTELLIGENT

PLEASURE.”

J. ORTEGA Y GASSET

MESA & CADEIRA 3.14

DESIGN DE PAULO NEVES

APOIO À PROTOTIPAGEM POR PAULO BAGO D’UVA PRODUZIDO POR RABISCOS SENSATOS E CUNHA MOBILIÁRIO, PAREDES PT

MESA & CADEIRA 3.14

DESIGN BY PAULO NEVES

PROTOTYPE ASSISTANCE BY PAULO BAGO D’UVA PRODUCED BY RABISCOS SENSATOS AND CUNHA MOBILIÁRIO, PAREDES PT

mesa 3.14

72x63x43 cm

design de Paulo Neves apoio à prototipagem por Paulo Bago D’Uva

produzido por Rabiscos Sensatos, Paredes PT

designed by Paulo Neves prototype assistance by Paulo Bago D’Uva

produced by Rabiscos Sensatos, Paredes PT

cadeira 3.14

72x65x50.5 cm

design de Paulo Neves apoio à prototipagem por Paulo Bago D’Uva

produzido por Cunha Mobiliário, Paredes PT

designed by Paulo Neves prototype assistance by Paulo Bago D’Uva

produced by Cunha Mobiliário, Paredes PT

PEDRO KARST

Nasceu em 1967 e licenciou-se na Faculdade de Arquitetura da Universidade do Porto em 1991. Estagiou na mesma faculdade, na Faculdade de Arquitetura Nancy (DPLG) e em Estrasburgo. Na C. C. R. Norte, elaborou a tese de curso A intervenção do Arquiteto no Planeamento da Cidade, sob orientação do Professor Arquiteto Távora. Mestre em Urbanisme de les Ciutats (1995), pelo Laboratori d’Urban. de Barcelona da Univeridade Polit. de Catalunya/ Centro de Cultura Contemporânea de Barcelona e Casa de Caritat, dirigido pelo Professor Arquiteto Solá-Morales, redigiu como tese Ensanche Periférico, que incidiu sobre a Área Metropolitana do Porto, com o arquiteto Byrne, obteve a avaliação «Ao Melhor Nível». Desde 1989, tem um longo historial e créditos firmados no mercado pelo Atelier Karst Arquitetos. A marca KARST dedica-se ao design e produção de mobiliário.

PEDRO KARST

Born in 1967, he finished his degree in the Faculty of Architecture of the University of Porto in 1991. He interned at FAUP, at the Faculty of Architecture in Nancy (DPLG), and in Strasbourg. At the CCRN (Northern Regional Coordination Commission), he produced his course thesis The Intervention of the Architect in City Planning, under the guidance of the architect Prof. Távora. Maestro en Urbanisme de les Ciutats(1995) Laboratori d’Urban. Barcelona from the Polytechnic University of Catalonia / Barcelona Contemporary Culture Centre and Casa de Caritat, directed by the architect Prof. Sola-Morales, his final thesis, Ensanche Periférico, focused on the Metropolitan Area of Porto, with the architect Gonçalo Byrne, and received the grade Highest Level. Since 1989, he has had a long career with proven market credentials at his office — Karst Arquitetos. The KARST brand is dedicated to the design and production of furniture.

TALHA

Pedro Karst encontrou em Paredes e na oficina do artífice Fialho um lugar para reconstruir o mundo, desenhando-o com as próprias mãos. O resultado são esculturas talhadas em blocos de madeira, construídas a meias com a técnica de ancestrais entalhadores, mestres que parecem viver desde o século XVIII indiferentes ao constrangimento do tempo. Os seus objetos são, por isso, máquinas para parar o tempo que, na sua incondicional determinação física, questionam o progresso do mundo, cumprindo com o serviço social de lhe mostrar que é pela ensimesmada disciplina da técnica que o homem deseja para lá de todos os limites. A cadeira de Karst impõe-se pela forma ao espaço e pelo processo ao tempo, invocando outros tempos e outros espaços barrocos em que a forma artificial parecia natural; o domínio técnico da natureza devolve ao homem a segurança e a felicidade da gratidão pelos deuses. Digamos que é uma cadeira que se impõe contra o medo.

TALHA

Pedro Karts found in paredes, and in Fialho’s workshop, a place to rebuild the world and design it with his own hands. The result are sculptures carved in blocks of wood, built with the techniques of ancient woodcarvers, master craftsmen who seem to have lived since the 18th century unaffected by time constraints. Their objects are machines to halt time, which, in their uncompromising physical assertiveness, question world progress and fulfil their social duty to show that it is through the single-minded discipline of technique humankind can expect to exceed every limit. Karst’s chair imposes itself in space due to its form and by its process over time, evoking other times and baroque spaces where artificial form seemed natural and the technical mastery of nature brings security and happiness from gods’ gratitude. We might say this is a chair which asserts itself against fear.

KARST CHAIR

DESIGN DE PEDRO KARST PRODUZIDO POR MÓVEIS FIALHO, PAREDES PT

KARST CHAIR

DESIGNED BY PEDRO KARST PRODUCED BY MÓVEIS FIALHO, PAREDES PT

«O HOMEM É

A CRIAÇÃO DO

DESEJO

E NÃO A CRIAÇÃO

DA NECESSIDADE.»

“MAN IS A CREATION

OF DESIRE, NOT A

CREATION OF

NECESSITY.”

G. BACHELARD

karst chair

123.5x55x70 cm design de Pedro Karst produzido por Móveis Fialho, Paredes PT

designed by Pedro Karst

PEDRO SOUSA

Nasceu em 1976 em Bragança. Iniciou os seus estudos na Escola Superior de Artes e Design de Matosinhos (ESAD). Frequentou também o programa Erasmus na NCAD National College of Arts and Design (Dublin, Irlanda), onde se licenciou em Design de Equipamento, em julho de 2002. Desde junho de 2014 encontra-se a desenvolver novos produtos e marcas para o mercado internacional, dos quais se destaca a Paulo Antunes, entre outras. Em outubro de 2013, foi docente convidado na ESEIG (Instituto Politécnico do Porto). Em janeiro de 2013, desenvolveu as marcas BOW & ARROW, sendo responsável pelo desenvolvimento de todos os produtos da primeira coleção assim como de toda a imagem corporativa destas marcas. Em 2012 desenvolveu e criou o conceito de vários espaços: destacam-se as novas instalações da empresa internacional BLIP. Em setembro de 2011, desenvolveu a primeira coleção para Ginger & Jagger. Em 2009, fundou a Pedro Sousa Studio, através da qual executa os seus próprios projetos, bem como os de várias marcas. Em 2007 foi um dos criadores da marca SAAL. Foi responsável por desenvolver todos os produtos da primeira coleção. Cofundou em 2005 a marca Boca do Lobo, tendo sido durante vários anos responsável por todo o design de produto das coleções Soho, Coolors e Limited Edition. O seu trabalho tem sido mostrado em inúmeras publicações, bem como nas principais revistas especializadas, livros e jornais um pouco por todo o mundo.

PEDRO SOUSA

Born in 1976 in Bragança, he began his studies at the School of Art and Design of Matosinhos (ESAD). He also attended the Erasmus program at NCAD, National College of Art and Design (Dublin, Ireland), where he graduated in Equipment Design in July 2002. Since June 2014, he has been developing new products and brands for the international market, of which Paulo Antunes stands out, among others. In October 2013, he was guest lecturer at ESEIG (Polytechnic Institute of Porto). In January 2013, he developed the brands BOW & ARROW, and was responsible for the development of all the products in the first collection, as well as the entire corporate image of these brands. In 2012, he developed and created the concepts for several spaces: of note are the new facilities of the international company BLIP. In September 2011, he developed the first collection for Ginger & Jagger. In 2009, he founded Pedro Sousa Studio, through which he created his own designs, as well as those for various brands. In 2007, he was one creators of the brand SAAL. He was responsible for developing all of the products in the first collection. In 2005, he co-founded the Boca do Lobo brand, and for several years was responsible for all the product design of the Soho, Coolors and Limited Edition collections. His work has been shown in numerous publications, as well as in major specialist magazines, books and newspapers all over the world.

HISTÓRIAS

Pedro Sousa trabalha a forma como pretexto para fazer outras narrativas, para criar histórias que, como a lendária rainha persa Xerazade, adiam a morte distraindo-nos dela. Nas suas produções há sempre múltiplas funções, produzindo uma complexidade paradoxal entre conteúdo e contentor, entre volume e superfície, entre o corpo e as pernas que emprestam ao objeto a atração pela estranheza. Explorando as técnicas de revestimento à superfície com marchetaria, especialidade da casa Ronfe Classic (que se diferencia pela qualidade dos embutidos de madeira), Sousa desdobra os limites dimensionais da forma, recuperando desenhos antigos da cultura material portuguesa. As escamas de lousa que revestem ou cobrem as habitações de montanha na Lousã dão cor e pele à caixa, que invoca o antigo estilo indo-português de contadores e escritórios. Na minúcia do trabalho à superfície, esconde-se a diferença e revela-se a possibilidade contra o determinismo da realidade. Um armário peixe leva-nos a outros mares.

STORIES

Pedro Sousa works with form as a pretext to create other narratives, to make stories which, like legendary Persian queen Scheherazade, delay death by distracting us from it. In his work there is always a multitude of functions, producing a paradoxical complexity between content and container, volume and surface, body and legs, which lend a strange attraction to the object. Exploring the techniques of surface finishing with marquetry (Ronfe Classic’s specialty, renowned for the quality of its wood inlaying), Sousa redoubles the dimensional limits of the form, reusing old designs from Portugal’s material culture. The scales of schist cladding or covering the mountain architecture of the Lousã region provide colour and a skin to the chest which evokes the old Indo-Portuguese style of cabinets and desks. The minutiae of the finishes hides the difference and reveals the possibility of opposing the determinism of reality. A fish cabinet carries us to other seas.

PORTO

DESIGN DE PEDRO SOUSA PRODUZIDO POR RONFE CLASSIC, PAREDES PT

PORTO

DESIGNED BY PEDRO SOUSA PRODUCED BY RONFE CLASSIC, PAREDES PT

«A BELEZA É

APENAS A

PROMESSA DA

FELICIDADE.»

“BEAUTY IS BUT

THE PROMISE OF

HAPPINESS.”

STENDHAL

porto

94x80x40 cm design de Pedro Sousa

produzido por Ronfe Classic, Paredes PT designed by Pedro Sousa

PEDRO SILVA DIAS

Nasceu em Lisboa em 1963. Licenciado em Design de Equipamento pela Escola Superior de Belas-Artes de Lisboa, em 1987, leciona, como assistente convidado, na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa. Exerce a profissão de designer em ateliê próprio desde 1987, tendo realizado trabalhos nos campos do interiorismo, design gráfico, montagem de exposições, cenografia, sinalética, mobiliário, iluminação, equipamento urbano e produtos industriais em Portugal, Itália, França e Alemanha. Recebeu o Prémio Nacional de Design em 1999. Está representado, com três obras, na coleção do Museu de Design de Lisboa.

PEDRO SILVA DIAS

Born in 1963 in Lisbon. He graduated in Product Design from the Lisbon Higher School of Fine Arts in 1987. He teaches, as an invited lecturer, at the Faculty of Fine Arts of the University of Lisbon. He has worked as a designer, in his own design studio, since 1987, developing projects in the fields of industrial design, graphics, furniture, urban design, interiors, signage, exhibition design, lighting, glassware and ceramics in Portugal, Italy, France and Germany. In 1999 he was awarded the National Design Prize by the Portuguese Design Centre. Three of his pieces feature in the collection of the Lisbon Design Museum.

DESENHAR

é reduzir a forma à sua essência estilística, e a essência da forma funda-se na vida do próprio desenhador. O autor é uma máquina de produção condicionada pela sua existência, um dispositivo (de saber, de poder e de subjetivação, como refere Foucault). O autor correlaciona formas produzindo novas combinações, formas que são conteúdos de verdade em si mesmas, materializando ideias que rompem o fio da história para instaurarem novos regimes de enunciação. As formas de Silva Dias são pós-construtivistas, minimalistas, redondas e absolutas, sugerindo uma natureza artificial. Ao desenhar uma escrivaninha contemporânea, Silva Dias convoca o dispositivo técnico com que o homem enunciou o próprio Homem. Num primeiro ensaio realizado com a indústria de Mário Brito, a escrivaninha E1P construída em pau-cetim (Aspidosperma olivaceum) encostava à parede apoiada apenas em duas pernas na obstinada perseguição pela redução da forma. Num segundo ensaio desenhado para a Woodspace, a escrivaninha T1P ganha a estabilidade e autonomia que o trenó lhe confere.

TO DESIGN

is reducing form to its stylistic essence, and the essence of form is based on the designer’s life. The designer is a production machine conditioned by his very existence, a device (for knowledge, power and subjectivity, according to Foucault). The designer correlates forms and produces new combinations, forms containing truth, materializing ideas which break the storyline to introduce new rules of enunciation. Silva Dias’s forms are post-constructivist, maximalist, as round and absolute as suggesting an artificial nature. When designing a contemporary desk, Silva Dias summons the technical device with which man enunciated humankind. In a first prototype by Mário Brito, the E1P desk built in Aspidosperma olivaceum was leaned against the wall solely on two legs, in an obstinate search towards form reduction. The second prototype, TP1, designed by Woodspace, gained some stability and autonomy from its sled base.

ESCRIVANINHAS E1P & T1P, LUGAR PARA COMUNICAR DESIGNED BY

PEDRO SILVA DIAS

IN COLLABORATION WITH PEDRO JORGE SALGADO PRODUCED BY A. BRITO AND WOODSPACE, PAREDES PT

ESCRIVANINHAS E1P & T1P, LUGAR PARA COMUNICAR DESIGN DE

PEDRO SILVA DIAS

COLABORAÇÃO DE PEDRO JORGE SALGADO PRODUZIDO POR A. BRITO E WOODSPACE, PAREDES PT

«PELA PALAVRA,

O HOMEM É

UMA METÁFORA

DE SI PRÓPRIO.»

“THROUGH WORD,

MAN IS A

METAPHOR OF

HIMSELF.”

OCTÁVIO PAZ

escrivaninha E1P lugar para comunicar place to communicate

90x96x45 cm

design de Pedro Silva Dias colaboração de Pedro Jorge Salgado produzido por A. Brito, Paredes PT designed by Pedro Silva Dias

in collaboration with Pedro Jorge Salgado produced by A. Brito, Paredes PT

escrivaninha T1P lugar para comunicar place to communicate

80x107x54 cm design de Pedro Silva Dias colaboração de Pedro Jorge Salgado produzido por Woodspace, Paredes PT designed by Pedro Silva Dias

in collaboration with Pedro Jorge Salgado produced by Woodspace, Paredes PT