REPRESENTATIVIDADE
Uma segunda questão que vem sendo bastante problematizada nas dis- cussões recentes sobre a produção artística na cidade de São Paulo e suas formas de apoio relaciona-se à diversidade interna das próprias classes de produtores. Como mencionado anteriormente, a partir do momento que os campos artísticos se autonomizam, o status de artista (inclusive a fronteira que diferencia o “profissional” do “amador”) passa a ser legiti- mado dentro do próprio campo: pelos sistemas de formação (escolas de arte que conferem diplomas); ou pelo sistema legal (por exemplo, para atividades que exigem um registro nas entidades de classe ou mesmo na Delegacia Regional de Trabalho); bem como pelas instâncias de consa- gração e apoio (que podem compreender a crítica especializa ou às pró- prias instituições públicas que, ao decidirem quem vai ser contemplado por um programa de fomento, também decidem quem pode ser reconhe- cido como artista ou realizador “profissional”). A garantia de que a legi- timação será feita dentro do próprio campo e seguindo seus parâmetros é algo muito positivo pois garante a autonomia – evita, por exemplo, que um governo autoritário decida de forma parcial os rumos que um deter- minado segmento de produção irá tomar. De outro lado, sempre há risco de grupos de realizadores que concentram mais poder dificultarem a en- trada de novos agentes ou de propostas que, em alguma medida, rompam com as práticas que já são mais legitimadas. Quanto mais diversificado é um campo de produção artística (quanto maior o número de produtores e instituições), menos ele será homogêneo e mais diferenciadas serão as correntes, os modos de fazer, as estéticas e os discursos. A legitimida- de de quem “representa mais” o segmento em questão, ou de quem pode
“falar em nome” do segmento como um todo, nesses casos, via de regra é objeto de intensa disputa.
Nesse contexto, a forma de seleção dos agentes e projetos que irão receber os recursos públicos também emerge como um assunto dos mais centrais para as políticas para as artes. De um lado, há que se garantir que os realizadores selecionados sejam realmente aptos para desenvol- ver os projetos (e a análise de currículo e certificações é um indicador para isso). De outro lado, quanto mais se exige critérios como formação específica, registros ou comprovantes de de atuação para reconhecer um determinado agente como apto a ser beneficiário de um programa de fomento às artes, mais barreiras de entrada há para os novos produ- tores, que encontram dificuldades para adentrar as esferas “oficiais” do campo. Isso pode ser extremamente prejudicial à diversificação estética e discursiva do segmento em questão.
Nesse sentido, é necessário pensar: como ampliar os benefícios dos diferentes mecanismos de fomento às artes para realizadores menos le- gitimados, menos formalizados, com menos tempo de estrada, menos diplomados, ou simplesmente que “falam de outro lugar” ou são adeptos a modos de produção e estéticas que não são dominantes, de modo a cum- prir a diretriz de garantir a diversidade na produção (que é uma prerroga- tiva do próprio Plano Nacional de Cultura)? E, sobretudo, como fazer isso em cenários em que as classes artísticas mais tradicionais já são bastante organizadas, têm bastante poder de barganha e o recurso é escasso?
No caso paulistano observado, há algumas discussões em que essa questão veio à tona. Sem dúvidas, as discussões públicas acerca da diversificação do acesso ao Fomento à Dança mencionadas acima, realizadas entre 2013 e 2016, foram bastante ilustrativas dessa questão. Destaca-se, na própria área da dança, a presença desse debate sobre a diversidade dos produtores e dos modos de fazer já no encontro da dança do programa #existediálogoemSP, conduzido pela SMC após a realização da Conferência Municipal de Cultura, ainda em 2016, em que emergiram questões sobre a necessidade de compreender os diferentes
modos de produção de dança que habitam a cidade, tendo em mente que cada um deles possui necessidades específicas.14
Outro eixo de discussões que ilustra bem essa questão da diversida- de dos produtores no contexto paulistano dos últimos 5 anos é o que se estabeleceu em torno do tema Lei de Fomento à Periferia (que resultou no Programa de Fomento à Cultura da Periferia de São Paulo, lei muni- cipal número 16.496/2016). Como mostram alguns pesquisadores sobre o assunto (destaco D’Andrea, 2013), o florescimento dos movimentos culturais e artísticos das regiões periféricas de São Paulo já vem toman- do forma desde pelo menos os anos 1990. No decorrer das décadas, uma série de programas municipais estimularam a ampliação e a diversifica- ção desses produtores, seja diretamente, como no caso do Programa VAI (Valorização de Iniciativas Culturais, de 2003) ou indiretamente, como no caso do Programa Vocacional – que existe há cerca de 15 anos, mas ainda não é amparado por lei – ou mesmo de centros culturais que ofere- cem formações artísticas em regiões periféricas, como Centro Cultural da Juventude, CEUs ou Casas de Cultura.
A Conferência Municipal de Cultura de 2013 foi um momento in- questionável de reivindicação mais organizada pela participação desses 14 Na ocasião, a Cooperativa de Dança também reforçou a necessidade de implementação de um novo programa de apoio à Dança, tendo em vista que a Lei de Fomento sozinha não daria conta de contemplar atores tão diferentes como, por exemplo, produtores que estão cons- truindo uma pesquisa continuada em dança contemporânea, criadores novos que estão iniciando suas pesquisas e grupos mais tradicionais, que já estão atuando há décadas (que podem não estar mais no lugar do experimentalismo ou da ruptura, mas sim numa fase de consolidação de suas “tradições” de linguagens). Linhas de fomento a todos esses grupos de atores obviamente seriam justificáveis, mas um só programa de apoio à Dança prova- velmente não daria conta de responder às especificidades de cada um deles. A proposta, na época, era implementar o Projeto de Lei nº 01-00010/2015, que incluía um novo edital para o segmento – o que seguia a trajetória implementada no teatro, em que a criação do Prêmio Zé Renato (Lei nº 15.951, aprovada em 2014, após a implementação do prêmio ser uma das propostas mais votadas na Conferência Municipal de Cultura de 2013), respondia, em par- te, a uma demanda de “desafogar” a Lei de Fomento ao Teatro. Esse assunto foi retomado em outras instâncias coletivas de discussão da dança, e em alguns momentos foi discutido se a melhor opção seria a criação de novos programas ou a ampliação do escopo e do orça- mento do próprio Programa de Fomento à Dança.
atores sociais na agenda das políticas culturais da cidade (ver Do Val, Barbosa, Vasconcelos-Oliveira e Pinto, 2014). Diversos fóruns e instân- cias de discussão sistemáticas que já se organizavam nas regiões perifé- ricas se articularam e organizaram uma série de demandas para serem apresentadas na Conferência – inclusive realizaram pré-conferências por conta própria e participaram das pré-conferências regionais que eram atividades previstas na agenda da Conferência. Os movimentos culturais da periferia participaram desse processo de forma até mais organizada do que as classes artísticas mais tradicionais, que histo- ricamente costumam ser atores bastante presentes. Das suas deman- das, a mais expressiva foi a criação de uma Lei de Fomento à Periferia – que ficou no topo da lista das propostas aprovadas na III Conferência Municipal de Cultura.
O principal objetivo da Lei de Fomento à Periferia, segundo o Movimento Cultural das Periferias, que articulou essa agenda junto à SMC por três anos até a lei ser sancionada em 2016, era o de descentrali- zar o acesso às verbas destinadas às manifestações artísticas e culturais na cidade, contemplando grupos e realizadores que não conseguiam es- paço nos programas e editais “tradicionais”e também promovendo uma descentralização dos recursos públicos nas diferentes regiões da cida- de (ver Periferia em Movimento, 2016). Durante os três anos de deba- te sobre o formato da lei, muito se discutiu sobre se ela não seria uma sobreposição a programas como o de Fomento ao Teatro ou à Dança, tendo em vista que não havia impeditivos para grupos e realizadores da periferia participarem desses programas. A argumentação de que era necessário criar uma linha de fomento específica, cujo recorte não seria o da linguagem, mas sim o do território, passou, nos debates realizados na Conferência Municipal de Cultura, por duas ideias: a primeira, pela constatação de que se de fato não havia impeditivos para que os proje- tos oriundos da periferia participassem dos programas tradicionais de Fomento, na prática, isso não vinha acontecendo. E a segunda, pela ideia de que a “cultura periférica” poderia ser algo mais amplo do que o con-
junto das manifestações artísticas tradicionais, podendo incluir outras práticas e manifestações.
Nota-se então, que o que estava em jogo não era somente o problema da diversidade interna das classes de realizadores (e a reivindicação de um grupo de atores por “fazer parte”), mas também uma reivindicação pela ampliação da própria agenda do que se compreende como “apoio às ar- tes”. Destaca-se também que esse é um ótimo exemplo de como a agenda emergente da cidadania cultural e a agenda mais tradicional das políticas de apoio às artes se entrecruzam, e de como são necessários uma série de arranjos – não só institucionais, mas também conceituais, de parâmetros estéticos e de valoração, de forma geral – para realizar a mediação entre essas duas agendas. O que os movimentos culturais da periferia estavam reivindicando, ao fim e ao cabo, é que não bastava ter sua produção e seus modos de vida reconhecidos como práticas culturais, numa agenda de ci- dadania cultural, mas era preciso também reconhecer uma parte de sua produção simbólica como manifestação artística, conferindo-lhe esse sta- tus. Destaca-se, ainda nesse sentido, que o Programa de Fomento à Cultura da Periferia de São Paulo foi instituído no mesmo departamento destinado a cuidar dos outros programas de fomento às artes, o Núcleo de Fomento às Linguagens Artísticas. A meu ver, é fundamental que esse tipo de media- ção seja acompanhada pela gestão pública – e, preferencialmente, que se dê no próprio âmbito da gestão pública, que é o ente responsável por garan- tir e estimular a diversidade das expressões e produções culturais.