ARTE NO ENEM
Prof. Kamilla AlbaniMatriz de referência de Linguagens, códigos e suas tecnologias.
Competência:
Compreender a arte como saber cultural e estético gerador de significação e integrador da organização do mundo e da própria identidade.
⇒ Reconhecer diferentes funções da arte, do trabalho, da produção dos artistas em seus meios culturais.
⇒ Analisar as diversas produções artísticas como meio de explicar diferentes culturas, padrões de beleza e preconceitos.
⇒ Reconhecer o valor da diversidade artística e das inter-relações de elementos que se apresentam nas manifestações de vários grupos sociais e étnicos.
Manifestações artísticas são as formas que o ser humano possui para
expressar suas emoções, ideias e pensamentos. Consideramos manifestações artísticas: ⇒ Literatura ⇒ Dança ⇒ Teatro ⇒ Música ⇒ Cinema
⇒ Artes plásticas e Visuais
Diante de uma obra, devemos investigar quais são as pistas deixadas pelo artista:
+ Observar a obra e sua narrativa.
+ Observar a composição: cores, formas e texturas.
+ Estabelecer relações com os aspectos culturais e o contexto da época.
Arte moderna
As transformações da arte na segunda metade do século XIX
“A modernidade substituiu na arte a unidade estética - a unicidade ou a convergência de alguns poucos programas estéticos - pela multiplicidade da expressão estética. A modernidade é, acima de tudo, reação contra o estilo predominante - o que faz com que dentro do próprio programa da modernidade os estilos ou movimentos se sucedam com uma rapidez não observável até o século XVIII. Não é bem um vale tudo, mas é, de todo modo, um estado de divergência: a partir de um núcleo central
programam-se movimentos que se abrem num leque de raios paralelos. Isto significa que os traços e características da modernidade na arte
serão tantos quantos forem os movimentos considerados, e só poderiam ser claramente indicados se analisados um a um os estilos envolvidos.”
COELHO, Teixeira. Moderno pós moderno: modos & versões - 5. Reimp. São Paulo: Iluminuras, 2011.
Neoclassicismo
Retrato de Madame Récamier, Jacques-Louis David, 1800.
Surrealismo
Perspective: Madame Récamier de David , René Magritte, 1951.
Arte pela Arte
⇒ A partir de meados do século XIX afirma-se a autonomia da opção estética do artista em sobreposição às normas
estabelecidas pela igreja, nobreza, aristocracia e burguesia.
⇒ A obra de arte moderna fala de si, isto é, fala de sua especificidade: a linguagem e os elementos compositivos.
⇒ O termo Arte Moderna se refere às Vanguardas artísticas surgidas no final do século XIX, que se estenderam até a metade do século XX.
● Impressionismo; ● Expressionismo; ● Cubismo; ● Futurismo; ● Surrealismo; ● Dadaismo; ● Abstração;
✓ Linguagens Modernas: Pintura | Desenho | Gravura | Escultura | Colagem | Fotografia | Vídeo | Ready-made.
Vanguardas artísticas
⇒ Designação utilizada para identificar os movimentos de artistas modernos.
⇒ Os manifestos escritos pelas vanguardas determinavam os critérios formais das obras.
Características gerais:
⇒ Influência da Revolução Industrial e do surgimento da Fotografia. ⇒ Todas as vanguardas propunham a desconstrução do ideal de belo.
⇒ Abandono das regras acadêmicas na busca de um novo estilo capaz de expressar a vida moderna.
⇒ Defendem um projeto de transformação das linguagens artísticas. ⇒ Designers, ilustradores e arquitetos passaram a se preocupar com a funcionalidade da arte para a produção industrial.
⇒ A arte deixa de ser uma simples representação verossímil e passa a ser uma expressão criativa.
Impressionismo
⇒ Pintura como apreensão do instante.
⇒ Consciência da transitoriedade do tempo. ⇒ As pinceladas eram rápidas e soltas.
⇒ Não pintavam temas religiosos, históricos ou mitológicos. ⇒ A maior parte dos artistas se concentrou na retratação das cenas cotidianas e paisagens.
Monet: Impressão, Sol nascente, 1872.
Desta obra surgiu o título para o grupo: impressionistas.
A principal característica do quadro é a luz e o movimento criado através de pinceladas soltas. Por norma, as pinturas eram realizadas ao ar livre, de forma a ser possível ao artista obter as diferentes
percepções da luz e as cores da paisagem.
Pós-impressionismo
⇒ O termo Pós-impressionismo não designa uma vanguarda, mas um intervalo de tempo desde o fim do Impressionismo até as primeiras décadas do século XX, quando as vanguardas tomaram conta do cenário.
⇒ Os artistas do Pós-Impressionismo não seguiram um único modelo estético.
⇒ É comum a relevância do lado emocional, a despreocupação com a forma, a representação das cenas do cotidiano e a intensificação da cor. ⇒ Os artistas pós-impressionistas são considerados precursores das vanguardas artísticas que os sucederam.
Diz a lenda que Van Gogh vendeu
apenas um único quadro quando vivo, e que o artista não era nenhuma estrela no mundo da arte.
Vincent Van Gogh passou a vida inquieto, começou a pintar quando tinha 27 ou 28 anos, sua obra inclui cerca de 900
quadros - uma média de 2 por semana - realizados antes de sua morte. Ao longo da vida, o artista registrou mais de 30 autorretratos. Foi uma grande inspiração para os artistas expressionistas.
Expressionismo
⇒ A arte está ligada a gestualidade e a emoção, através da qual, a imagem é criada com o auxílio de cores fortes e formas distorcidas. ⇒ Apresenta crítica social, figuras deformadas, cores contrastantes e pinceladas marcadas.
Kathe Kollwitz é artista gráfica e escultora, seu trabalho é caracterizado pela
melancolia e pela tensão. Representou o expressionismo em forma de protesto social. Sua obra esteve concentrada nos temas trágicos da vida. Muitas delas,
demonstravam um protesto com relação às condições de trabalho e à vida em tempos de guerra. Vários de seus trabalhos tinham como tema as mães que protegem os
filhos, inspirados na perda de seu segundo filho, durante a I Guerra Mundial.
A arte expressionista não se restringiu apenas às artes
plásticas, abrangendo o cinema também. O cinema expressionista alemão foi uma corrente
importante no período entre as guerras.
Os filmes “Caligari” e “Nosferatu” marcaram época nos gêneros terror e ficção científica
Cubismo
⇒ Se caracteriza pela utilização de formas geométricas para retratar a natureza.
⇒ Rompeu com os modelos estéticos que valorizavam a representação acadêmica.
⇒ É considerado o primeiro movimento estético a se caracterizar pela incorporação do imaginário urbano industrial em suas obras.
⇒ O estilo abandona as distinções entre forma e fundo ou qualquer noção de profundidade.
⇒ As naturezas-mortas e os retratos são temas recorrentes no cubismo.
"Les Demoiselles d'Avignon", em 1907, obra do pintor espanhol Pablo Picasso, é considerado o marco para o surgimento do cubismo. A obra apresenta
influências visíveis das esculturas primitivas africanas e das pinturas do artista pós-impressionista
francês Paul Cézanne.
"Les Demoiselles d'Avignon" (1907), Pablo Picasso.
Futurismo
⇒ Os artistas do grupo se identificavam com o fascismo italiano.
⇒ Houve a valorização do industrialismo, da tecnologia e progresso técnico.
⇒ Abordavam temas como o progresso, a máquina, a velocidade e o movimento.
Conforme o Manifesto Futurista, o artista moderno devia abandonar as tradições da pintura impostas no passado. Os artistas dos novos tempos deveriam estar atentos às transformações do mundo e
apresentar um trabalho dinâmico que se mantivesse sempre
evoluindo.
Retrato de Marinetti (1925) de Enrico Prampolini
Abstracionismo
⇒ Os artistas recusaram a representação ilusionista da natureza através da pintura.
⇒ Trata das obras não representacionais, compostas por manchas de cor, linhas, formas livres ou geométricas.
⇒ Inúmeros artistas aderem à abstração, que se torna, a partir da
década de 1920, um dos eixos centrais da produção artística durante o século XX.
O artista Wassili Kandinsky é considerado pioneiro na realização de pinturas não figurativas com Primeira Aquarela Abstrata (1910) e a série Improvisações
(1909-1914).
Primeira Aquarela Abstrata, Kandinsky, 1910, óleo sobre tela.
Dadaismo
⇒ Apresenta total ruptura com os padrões tradicionais da arte. ⇒ Dá ênfase ao absurdo e à temas e conteúdos ilógicos.
⇒ O dadaísmo se apropria dos objetos comuns do cotidiano, que eram apresentados de uma forma nova e diferente, dentro de um contexto artístico - Ready made.
⇒ Faz uso de diversos materiais e suportes não artísticos na composição das obras: objetos e sons do cotidiano, fotografias, músicas, poesias e jornais.
Ready-made: consiste em deslocar
um objeto de seu uso cotidiano e estabelecer sobre ele um valor artístico.
O caso mais célebre é a "Fonte", 1917. Um mictório de louça
enviado por Duchamp a uma exposição em Nova York. Na época, a obra foi recusada pelo comitê de seleção.
Surrealismo
⇒ Os artistas rejeitavam os valores e os padrões anteriores, seguindo a inspiração dadaísta de fazer uso de tudo o que fosse subversivo na arte. ⇒ Foram influenciados pelas teorias de Sigmund Freud (psicanálise). ⇒ Os artistas exploraram o imaginário dos sonhos.
⇒ Os surrealistas concebiam o inconsciente e o delírio como um meio de imaginação.
⇒ As formas e imagens não poderiam prover da razão, mas de impulsos irracionais e situações surreais.
Criando um conflito entre a imagem e o texto, Magritte expressou suas dúvidas sobre as possibilidades de representar a realidade,
questionando nossa própria percepção dela.
A Traição das Imagens, 1928-9, óleo sobre tela, René Magrite.
Modernismo Brasileiro
⇒ O movimento modernista se inicia no Brasil em 1917, com a exposição individual da artista Anita Malfatti.
⇒ É a partir da Semana de Arte Moderna que o modernismo se consolida no Brasil.
⇒ A literatura e a arte traduzem as mudanças na política, economia, cultura e sociedade brasileiras.
⇒ A defesa de um novo ponto de vista estético e o compromisso com a independência cultural do país faziam do modernismo sinônimo de
"estilo novo".
⇒ O modernismo rompeu com o tradicionalismo cultural associado às correntes literárias e artísticas anteriores.
Anita Malfatti foi pintora, desenhista, gravadora e professora brasileira. Sua
polêmica exposição em 1917 foi um marco para a renovação das artes plásticas no Brasil. O escritor Monteiro Lobato, crítico de arte do jornal O Estado de São Paulo, publicou um artigo intitulado “Paranoia ou mistificação?”, apresentando uma crítica à mostra expressionista de Malfatti, o que serviu de estopim para o Movimento Modernista no Brasil.
O Manifesto Antropofágico foi um texto
escrito por Oswald de Andrade e publicado na primeira edição da Revista de
Antropofagia, em 1928.
A linguagem do manifesto é
majoritariamente metafórica, contendo fragmentos poéticos bem-humorados e torna-se a fonte teórica principal do
movimento modernista. O manifesto pretendia retomar as características da formação cultural brasileira: as culturas indígena, africana e a cultura latina, e assumir uma identidade tupiniquim no
Arte Contemporânea
A arte na segunda metade do século XX até a atualidade.
“Quem examinar com atenção a arte nos dias atuais será confrontado com uma desconcertante profusão de estilos, formas práticas e
programas. De início parece que quanto mais olhamos, menos certeza podemos ter quanto aquilo que, afinal, permite que as obras sejam
qualificadas como “arte”, pelo menos de um ponto de vista tradicional. Por outro lado, não parece haver mais nenhum material particular que desfrute do privilégio de ser imediatamente reconhecível como material da arte: a arte recente tem utilizado não apenas tinta, metal e pedra, mas também ar, luz, som, palavras, pessoas, comida e muitas outras coisas. Hoje existem poucas técnicas e métodos de trabalho, se é que existem, que podem garantir ao objeto acabado a sua aceitação como arte.”
ARCHER, Michael. Arte Contemporânea: Uma história concisa. São Paulo: Martins Fontes, 2001.
Novas linguagens visuais
⇒ Chamamos de Arte contemporânea a produção artística atual, mais precisamente desde a Segunda Guerra Mundial.
⇒ Num mundo que tem se tornado cada vez mais materialista e
frequentemente nos torna passivos frente à tecnologia, a busca pela arte é uma alternativa para expressar nossas vivências e questionar a sociedade.
✓ Linguagens da Arte Contemporâneas: Performance | Instalação | Objeto | Graffiti | Novas mídias | etc.
Características gerais:
⇒ Subjetividade e liberdade artística. ⇒ Efemeridade da arte.
⇒ Abandono dos suportes tradicionais. ⇒ Utilização de diferentes materiais. ⇒ Aproximação entre a arte e a vida. ⇒ Aproximação com a cultura popular.
⇒ Questionamento sobre a definição de arte, autoria, instituição e mercado de arte.
⇒ Interação do espectador com a obra.
⇒ Abordagem das questões políticas, identitárias e movimentos sociais.
Pop Art
⇒ Surge durante a década de 1950, na Inglaterra.
⇒ Atinge seu auge em Nova York, em meados da década de 1960. ⇒ Se apropria e reinventa objetos da vida cotidiana.
⇒ Apresenta ícones da cultura de massa e objetos de consumo na composição das obras.
⇒ Apresenta uma postura crítica ao “american way of life” e a sociedade capitalista.
Pop Art. Andy Warhol:
Marilyn Monroe, 1962.
Andy Warhol pode ser considerado o artista mais expressivo dessa geração. Depois de trabalhar com design e
publicidade, transferiu para a arte
fotografias de grandes celebridades da época e imagens publicitárias.
A técnica utilizada era a serigrafia, o que permitiu ao artista uma produção em
série da mesma obra ou a repetição da imagem.
Arte Conceitual
⇒ Aparece em meados da década de 1970.
⇒ Baseia-se no princípio de que a ideia em si mesma, ainda que não realizada como objeto, pode ser uma obra-de-arte.
⇒ Desdobra-se do conceito de ready made: faz uso de imagens e objetos prontos ou manipulados, e texto.
Arte Conceitual. Joseph Kosuth: Uma e três
cadeiras, 1965.
Desde 1965 o artista
americano Joseph Kosuth
coloca em confronto imagens, palavras e verbetes de
dicionário, fazendo interagir iconografia e significado.
Hiper-realismo
⇒ Simulação do real o mais próximo possível.
⇒ Na pintura os artistas imitam a precisão e a nitidez da fotografia.
⇒ Na escultura as obras são feitas com materiais sintéticos, altamente tecnológicos, acompanhadas de objetos reais.
⇒ O mundo cotidiano retratado pelos hiper-realistas, em geral, refere-se aos aspectos banais, às cenas e atitudes familiares, e aos detalhes
Mulher com carrinho de compras, Duane Hanson, 1969.
Duane Hanson criou esculturas
hiper-realistas de pessoas comuns e
trabalhadores americanos. Feitas a partir de resina de poliéster, as esculturas são feitas a partir de modelos vivos.
O trabalho de Hanson foca principalmente nas pessoas “esquecidas” da nossa
sociedade, mas que são de extrema importância na vida de cada um de nós.
Performance | Happening | Body art
⇒ O corpo do artista torna-se objeto e o meio pelo qual ele se comunica diretamente com o público.
⇒ A performance é uma ação realizada pelo artista em público - em alguns casos o público é convidado a participar ou interferir.
⇒ O happening é uma ação espontânea, coletiva, realizada por um grupo de artistas ou pelo conjunto artista e público.
⇒ A body art abrange as ações efetivadas pelo artista sobre o próprio corpo.
⇒ Em ambos os casos, são realizadas ao vivo, ou apresentadas posteriormente nos espaços expositivos através de vídeos e
Performance.
Marina Abramovic: A artista está presente, 2010.
Em sua performance realizada no MoMA e intitulada A artista está
presente (2010), Marina Abramovic
passou horas sentada imóvel frente a uma mesa e cadeira, na qual um
espectador era convidado a sentar-se em sua frente e ficar o tempo que
achasse necessário, em silêncio. A troca de olhares estabelecia uma
experiência pessoal com a artista, que se manteve impassível.
Instalação
⇒ O termo instalação aparece na década de 1960, designando
assemblage ou ambiente construído em espaços de galerias e museus. ⇒ Ocupa o espaço, com o auxílio de materiais muito variados, na
tentativa de construir um ambiente ou arquitetura, cujo movimento é dado pela relação entre os objetos, as construções, o ponto de vista e o corpo do observador.
⇒ Para a apreensão da obra é preciso percorrê-la, passar entre, ou simplesmente caminhar pelas trilhas que ela constrói por meio da disposição dos objetos.
Instalação. Yayoi Kusama: With All My
Love for the Tulips, I Pray Forever.
2017.
Para Yayoi Kusama, a repetição vertiginosa de pontos simboliza o
apagamento da identidade, o caminho para se tornar um só com o universo. As bolinhas da artista já apareceram em
muitas superfícies, às vezes preenchendo ambientes inteiros. Segundo ela:
"Nossa terra é apenas uma bolinha no meio de um milhão de estrelas no
cosmos. As bolinhas são um caminho para o infinito".
Graffiti e outras intervenções urbanas
⇒ Entende-se por graffiti as inscrições murais contestatórias inscritas nos muros, edifícios e trens dos grandes centros urbanos - Nova York, Paris, Berlim, Londres, São Paulo, etc.
⇒ Observam-se os primeiros exemplos manuscritos nas manifestações estudantis parisiense em maio de 1968 e no Brasil, durante a ditadura militar.
⇒ Acentua-se o aparecimento das ilustrações, stencil, lambe-lambe e outras técnicas, em meados da década de 1980 na cena Hip-Hop.
⇒ Os graffitis apresentam comunicação visual espontânea, de forte protesto social.
⇒ Tem características de vandalismo e de apropriação do espaço público urbano.
Graffiti. Jean-Michel
Basquiat: King of the
Zulus, 1984-85.
A obra de Basquiat personifica o caráter de Nova York nos anos 1970 e 1980. A repetição de letras e palavras reflete ritmos, sons e a vida na cidade. Suas pinturas subvertem hierarquias artísticas convencionais ao misturar imagens da cultura erudita e da cultura pop à imagens e textos.
Basquiat era um dos poucos artistas negros num cenário predominantemente branco. Sua obra evidencia uma profunda narrativa sobre a
Arte Contemporânea Brasileira
⇒ A arte brasileira atual acompanha as tendências e linguagens que surgiram na arte desde meados da década de 1960.
⇒ A globalização e os novos meios de comunicação possibilitaram aos artistas um trânsito internacional constante.
⇒ De modo geral, notamos na produção mais recente dos artistas brasileiros, a constante busca de trazer a tona questões acerca do contexto político e social, do meio ambiente e da identidade
Manifesto Neoconcreto
⇒ O Manifesto Neoconcreto estabeleceu uma ruptura com arte moderna no país, em 1959.
⇒ Defendeu a liberdade de experimentação e a utilização de materiais não convencionais.
⇒ Pretendia romper as distâncias entre o observador e a obra ao propor a interação do público com o objeto.
Neoconcretismo. Hélio Oiticica:
Metaesquema, 1958.
Hélio Oiticica produziu entre os anos de 1957 e 1958 uma série de pinturas
onde as figuras geométricas
procuravam romper a estrutura formal das composições. Denominadas pelo artista como Metaesquemas, as obras fazem parte das discussões sobre os limites da arte geométrica.
Muito provavelmente, foi o artista com maior destaque no movimento
Tropicalismo, no campo das artes plásticas.
Em 1960, Lygia Clark criou a série “Bichos”: esculturas, feitas em
alumínio, com dobradiças, que promovem a articulação das
diferentes partes que compõem o objeto. Diante da obra, o espectador é transformando em participador, pode manuseá-la e descobrir as inúmeras formas que a estrutura oferece ao articular as suas dobras. Com esta série, a artista tornou-se uma das pioneiras na arte
participativa mundial.
Neoconcretismo.
Tropicalismo
⇒ Movimento surgido em 1967 que revolucionou a música popular brasileira, as artes plásticas, o cinema, a literatura e o teatro.
⇒ Foi transgressor ao mesclar aspectos tradicionais da cultura nacional com inovações estéticas importadas, como a “pop art”.
⇒ Inovou ao possibilitar um sincretismo entre estilos musicais como o rock, a bossa-nova, o baião e o samba.
⇒ As obras apresentavam críticas sociais e temas do cotidiano de uma forma inovadora.
⇒ O Tropicalismo retomou questões da Antropofagia e do Manifesto Pau Brasil de Oswald de Andrade.
A Bela Lindonéia. Rubens Gerchman, 1966.
(Um amor impossível - A Bela Lindonéia, de 18 anos morreu instantaneamente).
A Bela Lindonéia, apresenta o retrato de uma moça com marcas sombreadas junto ao olho esquerdo, nariz e lábio inferior.
Tanto a imagem quanto o título justificam a hipótese de se tratar de um feminicídio, e são referências da crua crônica brasileira. Diante da obra, a imagem do espectador é refletida na moldura espelhada e se funde com a figura feminina.
Consta que Nara Leão encomendou a Caetano e Gil uma canção inspirada na pintura. O resultado é a conhecida
composição aparece no disco Tropicália ou Panis et Circensis, em 1968, Lindonéia.
⇒ Cultura popular pode ser definida como qualquer manifestação - dança, música, festa, literatura, folclore, artesanato - em que o povo produz e participa de forma ativa:
⇒ Música popular brasileira. ⇒ Arte Naif.
⇒ Arte Indígena.
⇒ Arte Afrobrasileira.
⇒ Manifestações da cultura regional - folclore. ⇒ Artesanato popular.
Artesanato Brasileiro.
Cerâmica pintada à mão no interior do nordeste. Arte Indígena. Muiraquitã - peça cerâmica produzida na ilha de Marajó. Folclore brasileiro.
O Maracatu tem origem afro e surgiu no estado de Pernambuco no século XVIII.
Heitor dos Prazeres: Roda de
Samba, 1957.
Arte Naif: é o estilo a que
pertence à pintura de artistas populares, sem formação acadêmica.
Em 1988 foi lançado o
primeiro registro fonográfico de Rap Nacional, a coletânea
Hip-Hop – Cultura de Rua.
Pixinguinha foi um dos maiores representantes do "choro" brasileiro.
Arquitetura Brasileira
O ano de 2018 marca o centenário do artista Athos Bulcão, ele foi um dos
pintores, escultores e
muralistas mais influentes do Brasil no século XX.
